O homem sem nome... agora escreve

Janeiro

2012-02-01T13:06:00.006-02:00

Mês bom. Em breve texto sobre chatice, entre outras coisas.

14. Corrida Sem Fim (1971), de Monte Hellman (DVDRip) (**1/2)
13. China Girl (1987), de Abel Ferrara (DVDRip) (**1/2)
12. Irmãs Diabólicas (1973), de Brian de Palma (**1/2)
11. Tiros na Broaway (1994), de Woody Allen (**1/2)
10. L’Appolonide – Os Amores da Casa de Tolerância (2011), de Bertrand Bonello (Cinema do Museu) (***)

9. Bukowski – Born Into This (2003), de John Dullaghan (DVDRip) (***1/2)
8. Adeus, Primeiro Amor (2011), de Mia Hansen Løve (Cine Vivo) (***1/2)

7. Shine a Light (2008), de Martin Scorsese (DVDRip) (***1/2)
6. The Brown Bunny (2003), de Vincent Gallo (DVDRip) (***1/2)
5. Faça-me Feliz (2009), de Emmanuel Mouret (Cinema da Ufba) (***1/2)
4. Buffalo 66 (1998), de Vincent Gallo (DVDRip) (***1/2)

3. Cavalo de Guerra (2011), de Steven Spielberg (Cinemark) (****)
2. Na Cidade de Sylvia (2007), de José Luis Guerín (DVDRip) (****)
1. Uma Viagem Pessoal Pelo Cinema Americano com Martin Scorsese (1995), de Martin Scorsese e Michael Henry Wilson (DVDRip) (*****)

A dúvida e o prazer*

2012-01-14T12:05:00.002-02:00

Em boa parte de As Canções, a sensação é de que Eduardo Coutinho é quem melhor se repete no Brasil, já que ele volta a fazer tudo que lhe rendeu merecidos elogios em quase tudo, basicamente nos anos 2000. Mas o fim deixa impressão duvidosa.

Não defendo que um filme e um autor precisem sempre “inovar” para serem grandes, sendo Clint Eastwood e Roman Polanski, para ficar em diretores com pegada clássica e ainda na ativa, apenas dois dos melhores exemplos do grupo dos excepcionais sem invencionices. Mas Coutinho, talvez por focar tanto o conteúdo e a sensibilidade que ele não só tem de sobra, como também consegue extrair de seus entrevistados, passe um sinal de esgotamento.

Por outro lado, como falar em esgotamento, quando a suposta repetição ainda faz cada personagem soar único e memorável, quando a suposta repetição, que subjuga outra vez a forma à emoção, ainda comove?

Não tenho dúvida de que é um caso curioso, ainda mais quando muito do repertório é de músicas que não fazem parte do imaginário coletivo do brasileiro médio, aquele que não tem porque não ser cativado pelo que acontece em outros filmes de Coutinho, quando as referências culturais pouco importam.

Agora, contudo, Coutinho larga a mão de um massa amorfa que é “o público” para abraçar cada um de seus depoentes. Ele atinge o ápice do amor por seus “anônimos”. Talvez aí resida a impressão de esgotamento, talvez aí resida o segredo do deleite que ele ainda consegue dar.

* Texto originalmente publicado no Pixelando Online.

2011

2012-01-08T21:27:00.006-02:00

Menção honrosa para O Leão de Sete Cabeças (1970), de Glauber Rocha, que vi na sala Walter da Silveira, e para o curta A Amiga Americana (2009), de Ivo Lopes Araújo e Ricardo Pretti, que passou no Panorama, também em Salvador. Hispânicos em alta.

20. Léo e Bia (2010), de Oswaldo Montenegro
19. O Homem que não Dormia (2011), de Edgard Navarro
18. Gainsbourg – O Homem que Amava as Mulheres (2010), de Joann Sfar
17. A Alegria (2010), de Felipe Bragança e Marina Meliande
16. Meu País (2011), de André Ristum
15. Super 8 (2011), de JJ Abrams
14. Crítico (2008), de Kleber Mendonça Filho
13. Abutres (2010), de Pablo Trapero
12. O Homem ao Lado (2009), de Mariano Cohn e Gastón Duprat
11. Cópia Fiel (2010), de Abbas Kiarostami
10. Um Lugar Qualquer (2010), de Sofia Coppola

9. A Casa (2010), de Gustavo Hernández
8. As Canções (2011), de Eduardo Coutinho
7. Meia-Noite em Paris (2011), de Woody Allen
6. Medianeras: Buenos Aires na Era do Amor Virtual (2011), de Gustavo Taretto
5. Namorados para Sempre (2010), de Derek Cianfrance
4. Caminho para o Nada (2010), de Monte Hellman
3. Melancolia (2011), de Lars Von Trier
2. A Pele que Habito (2011), de Pedro Almodóvar
1. Balada do Amor e do Ódio (2010), de Álex de La Iglesia

Dezembro

2012-01-02T22:12:00.004-02:00

Nos próximos dias, um top-2011:

9. Spiders (2000), de David Cronenberg (DVD) (**1/2)
8. Maria Antonieta (2006), de Sofia Coppola (DVD) (**1/2)
7. O Desespero de Veronika Voss (1982), de Rainer Werner Fassbinder (DVD) (***)
6. O Garoto de Bicicleta (2011), de Jean-Pierre e Luc Dardenne (Cinema da Ufba) (***)
5. Meu tio matou um cara (2004), de Jorge Furtado (DVD) (***)

4. As Canções (2011), de Eduardo Coutinho (Espaço Unibanco Cine Glauber) (***1/2)

3. Quase Famosos (2000), de Cameron Crowe (DVD) (***1/2)
2. Carrie (1976), de Brian de Palma (DVD) (****)
1. As Pontes de Madison (1995), de Clint Eastwood (DVD) (****1/2)

A paixão pela arma*

2011-12-14T12:14:00.005-02:00

Caminho para o Nada (Road to Nowhere – EUA, 2010) foi o primeiro filme que vi de Monte Hellman. Impossibilidade de paralelo com carreira à parte, lembranças imediatas tendem a ser 8 ½ (1963) de Fellini, O Desprezo (1963) de Godard, Abraços Partidos (2009) de Almodóvar e, talvez a maior, Cidade dos Sonhos (2001) de Lynch.

Não que Hellman soe aqui um emulador de Lynch, cuja carreira começou quase duas décadas depois. O que ele faz – como Lynch – é mergulhar em mundo cinéfilo menos romântico e mais sombrio, que envolve mecenas e membros da equipe com passado indefinido e que, dentro do processo do filme dentro do filme, nos confunde.

Mas a piada pronta do título, que se alia a esse embaralhamento, é o que também serve de defesa para o filme. Afinal de contas, se o destino de cada ser é igual, e a tendência natural é fugir dele, a morte não deixa de ser um nada, sendo justamente o caminho que importa. Nesse percurso, o início do filme já deixa claro o que mostra e o que deixa de mostrar, o que é perceptível (o filme dentro do filme, o som do tiro) e o que vai (tentar) ser formado em nossa mente.

Pode-se criticar a construção de personagens, assim como um hipotético “excesso” de cinefilia de personagem-diretor via Hellman, e um grau de confusão que também remete a Lynch nos casos em que a força intuição sugerida supera a falta de compreensão didática – sendo Estrada Perdida (1997) e Cidade dos Sonhos (2001) os possíveis melhores exemplos. Hellman, contudo, parece querer mergulhar não na psicologia, ou nas agruras dos seus personagens, e sim nas do cinema.

“O que importa é o elenco”, “não estou com ciúmes, só me importo com que você faça o filme funcionar” e “largue a arma”, além de discussões com roteirista, são – com certa falha da memória para as aspas – alguns dos momentos textuais que ficam, mas que não impedem que Caminho para o Nada seja absurdamente visual. As duas formas do acidente, os diferentes takes feitos e refeitos, a recepção do filme (e como a câmera camufla situação em início e fim), assim como o último plano, trazem ao resultado final uma força que reside em obsessão pelo cinema. Com um lado apaixonadamente triste que, como toda arma, pode ser letal.

Ps: Uma pena filme ter passado apenas no 7º Festival Internacional de Cinema de Salvador que acabou no dia 24. Será que ele volta, Circuito Sala de Arte?

* Texto originalmente publicado no Pixelando Online.

Filmes - novembro

2011-12-01T20:20:00.005-02:00

TV quebrada, notebook em garantia, preparativos para lançamento de NMVF = miséria.

6. O Dia da Desforra (1966), de Sergio Sollima (DVDRip) (**1/2)
5. O Palhaço (2011), de Selton Mello (UCI Barra) (**1/2)
4. Monika e o Desejo (1953), de Ingmar Bergman (DVDRip) (**1/2)
3. Caminho para o Nada (2010), de Monte Hellman (Cinema da Ufba) (***1/2)
2. O Silêncio de Lorna (2008), de Jean-Pierre e Luc Dardenne (DVDRip) (***1/2)

1. A Pele que Habito (2011), de Pedro Almodóvar (Cinema do Museu) (***1/2)

O que nos une*

2011-11-17T22:02:00.004-02:00

Apesar do que muitos podem alegar, Balada do Amor e do Ódio (Balada Triste de Trompeta – Espanha/França, 2011), de Álex de la Iglesia, não me soou sub-Tarantino. Direta ou indireta, alguma influência existe, mas enquanto QT é herdeiro direto de Sergio Leone e Brian de Palma, com prioridade por câmera e mise-en-scène, Iglesia parece, com pitadas do burlesco e do grotesco, buscar algo mais orgânico.

Não é só uma questão de fazer a câmera respirar, coisa que às vezes ela faz demais, e em ritmo de cortes que pode soar excessivo nas primeiras partes do filme. Seu tesão por história é maior que a fé numa decupagem perfeita, exceção feita à sequência do Valle de los Caídos, que soa como a prole de Hitchcock com a computação gráfica do século XXI. Mas, ela à parte, Iglesia se liga menos à câmera que à alma dos que estão no filme.

Os palhaços no cinema são, no geral, historicamente caricatos e ligados a gêneros específicos, principalmente terror e comédia. E a apresentação de quase todos aqui nos leva a crer que, afunilando os protagonistas, de fato assistimos a um palhaço sorridente e vilão (Antonio de la Torre) contra um palhaço triste que tende a ser herói (Carlos Areces). Mas a situação não é simples assim, e poucas vezes uma tradução infiel foi tão feliz.

Se no início Iglesia deixa claro um motivo para a tristeza e a vingança, depois ele mostra ódio e amor sem psicologizá-los. No triângulo amoroso, completado pela bela do circo (Carolina Bang), ele dá vazão para que sintam extremos sem moderação, cada um à sua maneira, e em seu “objeto” de admiração ou repulsa. Sua secura ao filmar violência ainda prova que, pelo menos aqui, a dor física de quem é bom não difere da de quem é mau. Não existe espaço para frescuras.

Quando o palhaço diz à sua bela que “a morte une todos nós”, ele poderia resumir tudo, mas o filme vai além em seguida, na última sequência. Ao vermos só dois lados do triângulo, naquele estado, Iglesia parece dizer que a arte (de fazer rir e de fazer chorar), o amor e alegria, o ódio e a tristeza, também têm o mesmo efeito.

* Texto originalmente publicado no Pixelando Online.

Outubro

2011-11-01T08:54:00.004-02:00

8. Pai e Filho (2003), de Aleksandr Sokurov (DVDRip) (**)
7. Meu País (2011), de André Ristum (Cinema do Museu) (***)
6. The Cutting Edge: The Magic of Movie Editing (2004), de Wendey Apple (DVDRip) (***)
5. O Massacre da Serra Elétrica (1974), de Tobe Hooper (DVDRip) (***)

4. Gainsbourg – O Homem que Amava as Mulheres, de Joann Sfar (Cinema do Museu) (***1/2)

3. Balada do Amor e do Ódio (2010), de Álex de la Iglesia (Cinema do Museu) (***1/2)
3. Balada do Amor e do Ódio (2010), de Álex de la Iglesia (Cinema da Ufba) (****)
2. Recife Frio (2009), de Kleber Mendonça Filho (DVD) (****)
1. À Prova de Morte (2007), de Quentin Tarantino (DVDRip) (****)

Ps: No próximo post, texto sobre Balada do Amor e do Ódio.

Pixelando Online

2011-10-16T13:35:00.005-02:00

Na falta de tempo, a gente arranja mais coisa para fazer.

Já está no ar há algumas semanas, mas só agora lembrei de divulgar, uma coluna minha no "Pixelando Online".

Em texto de estreia, defendo (para muitos, indefensável) A Casa.

Ela vai ao ar mensalmente.

Ver

"Neste espaço, todo texto terá um filme, geralmente visto no cinema, espécie de “estreia do mês”. Mas início será diferente, com base em dois momentos do Panorama (Internacional Coisa de Cinema), que rolou no final de agosto aqui em Salvador, e em outra sessão.

Adolfo Gomes, que ministrou a Oficina de Cinema Corsário, em um momento disse que inúmeros filmes atuais são áudio-descritivos, você pode fechar os olhos e não perder nada. Lógico que existem estilos, diretores com diferentes prioridades, mas este me parece o ápice da descrença no que é projetado e, consequentemente, o ápice do fracasso de um cineasta. Uma triste de verdade que vale para muitos, mas não para Premonição, curta baiano que vai para o Festival de Brasília dirigido por Pedro Abib (não o conheço), e que, no fim da sessão, me fez soltar um “vida longa a esse rapaz”.

Estrear na ficção com um filme de que flerta com Hitchcock e Sergio Leone é tão sedutor quanto pretensioso, mas ele dosou bem tesão (por filmar) e esmero (para enquadrar, decupar), essenciais para conversa minimamente digna com dois dos maiores mestres no domínio do meio. Quem morreu, quem vai matar, que horas, por que... tudo é resolvido – e relativizado – via cortes, via dilatação e contração do tempo, via imagens. É um filme “feito na montagem”, ela quem mais contribui para manutenção de suspense, mas isso só é possível em filmagem pensada, calculada. Como foi o segundo caso, só que de maneira oposta.

Se Premonição foi “feito na montagem”, o uruguaio A Casa (La Casa Muda – Uruguai, 2010), de Gustavo Hernández, outro exemplar de gênero, foi “feito nos ensaios”.

Simulado em plano-sequência, foi a Cannes na leva dos “inexplicáveis”, já que pareço uma das poucas pessoas a ter gostado do filme. Que tem alguns problemas óbvios e já citados por meio mundo, mas prós bem menos comentados. (Se não quer possíveis detalhes do filme, pare aqui).

A Casa não é só mais um (entre tantos) filme de sustos, ou só mais um (entre um pouco menos) a acreditar piamente em uma ideia, que se torna um conceito apaixonado por si mesmo – aqui, o plano-sequência.

Mais do que em seus pais, A Bruxa de Blair (1999) e Atividade Paranormal (2007), cujas primeiras versões me até me agradam, vemos. Vemos os frames da Polaroid, vemos a criança como um ponto branco que vem “do nada” e logo some, vemos as fotos na parede, a boneca, a “reviravolta”. Vemos que “nos enganamos”, ou pelo menos que há outro algo errado. Vemos a esquizofrenia, vemos a ilusão. Às vezes com um simples ir e vir de câmera, que na verdade é muito mais que isso, vemos duas versões, que fazer repensar inclusive outro possível “porquê” para plano-sequência. Vemos.

Ps: Pode ser que falta do gênero tenha me afetado? Lá se vão cinco meses de última experiência decente com Lucky Mckee e seu May (2002). No cinema, coisa bacana mais recente foi A Sétima Alma (2010), de Wes Craven (A Hora do Pesadelo), no fim do ano passado e que muitos consideram outra bobagem. Quem sabe em revisão eu diminua A Casa ao embuste que maioria achou."

Setembro

2011-10-03T10:59:00.003-03:00

Perdão a quem espera algo além das estrelinhas, que sozinhas soam como a anti-crítica, mas tem acontecido coisa suficiente para eu mal ver filmes. Não garanto mais nada.

14. O Espinho no Coração (2009), de Michel Gondry (Sala Walter da Silveira) (incompleto)
13. Elvis e Madona (2009), de Marcelo Laffitte (Cinema da Ufba) (**)
12. Planeta dos Macacos: A Origem (2011), de Ruperto Wyatt (UCI Barra) (**1/2)
11. Ex-isto (2010), de Cao Guimarães (Espaço Unibanco Cine Glauber) (incompleto)
10. Bahêa Minha Vida (2011), de Márcio Cavalcante (Espaço Unibanco Cine Glauber) (***)
9. Soberba (1942), de Orson Welles (DVDRip) (***)
8. In a lonely place (1950), de Nicholas Ray (DVDRip) (1950) (***)
7. Os Homens e os Deuses (2010), de Xavier Beauvois (Cinema da Ufba) (***)
6. A Casa (2010), de Gustavo Hernández (UCI Iguatemi) (***1/2)
5. A Besta Deve Morrer (1969), de Claude Chabrol (DVDRip) (***1/2)
4. Crítico (2008), de Kleber Mendonça Filho (Cinema da Ufba) (***1/2)
3. Medianeras: Buenos Aires na era do amor virtual (2011), de Gustavo Taretto (Cinema do Museu) (***1/2)
2. O Amor é Mais Frio que a Morte (1969), de Rainer Werner Fassbinder (DVDRip) (****)
1. Sabrina (1954), de Billy Wilder (Cinema do Museu – DVD) (****)

Panorama

2011-09-01T21:00:00.006-03:00

Pena não lembrar - nem conseguir descobrir - o filme de Jean Rollin exibido na Oficina de Cinema Corsário, no Panorama aqui em Salvador. Cara sabia das coisas. Não gostei do de Bressane, cujo nome também me escapa, e apenas simpatizei com o de zumbis ecológicos ingleses dirigidos por um espanhol. Na falta deles, todos sugeridos pelo sempre ótimo Adolfo Gomes, vão os que vi lá. Pena desgraça pessoal - além de um erro na programação que constava em site no primeiro dia - sempre coincidir com algum filme de João Pedro Rodrigues.

5. Sexo e o Claustro (Cine Glauber – Panorama), de Claudia Priscilla (curta – **1/2)
4. O Amor do Palhaço (2005), de Armando Praça (Cine Glauber – Panorama) (curta – **1/2)
3. A Vida Útil (2010), de Federico Veiroj (Cine Glauber – Panorama) (**1/2)
2. A Alegria (2010), de Felipe Bragança e Marina Meliande (Cine Glauber – Panorama) (***1/2)
1. A Amiga Americana (2009), de Ivo Lopes Araújo, Ricardo Pretti (Cine Glauber – Panorama) (curta – ****)

Agosto - até Panorama

2011-08-23T09:18:00.007-03:00

Gripe do capeta me prende em casa enquanto Adolfo Gomes continua a Oficina de Cinema Corsário no Panorama, aqui em Salvador. Sem Lucio Fulci, que seria mais abordado hoje, lembro de coisas bacanas como Premonição (2011), de Pedro Abib, que vai para Festival de Brasília e teve sua première anteontem, e A Amiga Americana (2009), de Ivo Lopes e Ricardo Pretti, curta já com carreira consolidada.

Mas eles são assuntos pra outro post.

6. O Grito (1978), de Jerzy Skolimowsky (DVDRip) (**)
5. A Árvore da Vida (2011), de Terrence Malick (Cine Glauber – Espaço Unibanco) (**1/2)
4. A Marca da Pantera (1982), de Paul Schrader (DVDRip) (**1/2)
3. Super 8 (2011), de JJ Abrams (Cine Glauber – Espaço Unibanco) (***)
2. O Homem ao Lado (2009), de Mariano Cohn e Gastón Duprat (Cinema da Ufba) (***1/2)
1. Melancolia (2011), de Lars Von Trier (Cine Glauber – Espaço Unibanco) (****)

Cine Futuro - cotações

2011-08-04T20:10:00.003-03:00

(Quando tiver tempo e disposição, tento escrever sobre.)

1. O Último Tango em Paris (1972), de Bernardo Bertolucci (Instituto Goethe - DVD) (***1/2)

2. Planos Para Amanhã (2010), de Juana Macías (TCA) (**1/2)
3. Beleza Roubada (1996), de Bernardo Bertolucci (Instituto Goethe - DVD) (***)
4. Sala dos Milagres (2011), de Cláudio Marques e Marília Hughes (curta) (TCA) (**1/2)
5. Esc4escape (2011), de Alexandre Guena (curta) (TCA) (*1/2)
6. Venus Vs. Me (2010), de Nathalie Teirlink (curta) (TCA) (*1/2)
7. Olho de Boi (2010), de Diego Lisboa (curta) (TCA) (**1/2)
8. O Homem que não dormia (2011), de Edgard Navarro (TCA) (***)

Julho - até Cine Futuro

2011-07-26T10:29:00.009-03:00

Começou ontem em Salvador o Cine Futuro, vou ver se escrevo um texto à parte sobre ele. Aí vão filmes vistos no mês, até hoje.

1. Bikini Bandits (2002), de Steve Grasse (média) (DVDRip) (*1/2)

Parece filme de publicitário com muita criatividade e pouca fé na imagem. O corta-corta atinge níveis estratosféricos, e o tesão fica apenas na ideia. Já que os biquinis e o corpos são personagens do filme, seria natural filmá-los com mais vontade, mais libido mesmo. Lá se vai uma semana e nada do filme fica, além de uma extravagância que soa como preguiça.

2. Prisioneiro do Sexo (1979), de Walter Hugo Khouri (DVDRip) (**1/2)
No sentido sexo e câmera, não podia ser diferente do outro. Walter Hugo Khouri demonstra carinho especial por cada plano, abusando de zooms e movimentos que chamam atenção para si, não importa se o objeto é um rosto ou o sexo. O porém é quando, quase sempre, a direção deixa de ser cuidadosa e passa impressão de narcisista, mais até que virtuosa. Não temos dúvida de que estamos vendo um filme, no bom sentido também, mas perde-se algo orgânico. Por outro lado, close final é prova definitiva de que ele tinha algo a dizer.

3. Sombras (1959), de John Cassavetes (Sala Walter da Silveira – DVD) (***1/2)
Gena Rowlands à parte, o close no rosto de Lelia Goldoni, em se tratando de Cassavetes, talvez só perca para o de Lynn Carlin em Faces (1968). Improviso oscila entre o “para que vemos isso?” e o fabuloso, com elenco e algo a dizer em sintonia com mise-en-scène. Além de racismo, que Cassavetes não abordou mais tanto em sua obra, personagens confusos e complexos já começavam a ser rascunhados.

4. Noite de Estreia (1977), de John Cassavetes (Sala Walter da Silveira – DVD) (****)
Noite de Estreia deve ter o melhor início e o melhor fim de Cassavetes, embora – caso oposto de Sombras – tenha diminuído em revisão. Talvez peque pelo excesso ao, em quase duas horas e meia de filme, investir tudo basicamente em uma personagem, Myrtle (Gena Rowlands), recheada de problemas, o maior deles talvez sendo o de envelhecer, especialmente depois de ver um fã morrer atropelada. Mas apesar de agonia poder cansar espectador, vemos em um só filme o amor ao teatro e ao ser humano, sem excesso de condescendência, além de muito cuidado com o cinema. Ao se filmar alguns de seus combustíveis (arte anterior, álcool), Cassavetes não se deixa embriagar por eles.

5. Assim Falou o Amor (1971), de John Cassavetes (Sala Walter da Silveira – DVD) (***)
“Cassavetes não nasceu para fazer comédia” é primeira impressão, mas filme não é (apenas) uma comédia. Ele mergulha nos personagens, em suas agonias e dramas, e nisso funciona como sempre. Seu humor varia entre o sutil (no diálogo) e o excessivo (no tom de personagens) e não me bate. Diferente da angústia e das idiossincrasias daqueles de quem fala.

6. Gigolô Americano (1980), de Paul Schrader (DVDRip) (****)
Se a trilha de Giorgio Moroder, como quase sempre, data o filme, não dá para dizer o mesmo do resto. Schrader acompanha um personagem e um mundo à parte, com o olhar crítico e humano, sem soar moralista nem ingênuo, exceção talvez feita ao final, com espécie de redenção agridoce, que para mim passa. Momento paranoico de Julian (Richard Gere) em carro lembra muito A Conversação (1974), de Coppola, embora resultado seja diferente. Schrader filma Julian como um profissional e um ser humano, o que ele é como qualquer outro, só que em um meio onde sua função não é “oficializada”. Diálogos afiados em um mundo que liga o submundo à alta classe, com poucas diferenças no fim das contas. Muito além de um filme de um (na época mais) roteirista (que diretor).

7. Jogo de Cena (2007), de Eduardo Coutinho (DVDRip) (****)
Parece uma tentativa de evolução do já excelente Edifício Master (2002), aqui talvez excessivo. Alguns depoimentos são, como no outro, um elegante e bonito convite às lágrimas. A diferença é que não sabemos, ou apenas desconfiamos, do que é real e do que é atuado. Até quando é possível estar anestesiado em meio a idas e vindas, e quando achamos que entendemos ou prevemos o que é real ou não, ele nos engana. Pouca gente consegue extrair tanta beleza do cotidiano.

Junho

2011-07-01T12:07:00.004-03:00

14. Muro (2009), de Tião (Canal Brasil) (curta) (*1/2)
13. Não Reconciliados (1965), de Jean-Marie Straub (Walter da Silveira – DVD) (**)
12. What’s Happening! The Beatles in the USA (1964), de Albert Maysles e David Maysles (#In-Edit – Cinema do Museu) (**)
11. Os Sinais (2006), de Eugène Green (DVDRip) (**1/2)
10. Mulheres Apaixonadas (1969), de Ken Russell (**1/2) (Alexandre Robatto – DVD)
9. Gimme Shelter (1970), de Albert Maysles, David Maysles e Charlotte Zwerin (#In-Edit – Cinema do Museu) (**1/2)
8. Who Killed Nancy? (2009), de Alan G. Parker (#In-Edit – Cinema do Museu) (**1/2)
7. Copacabana (2010), de Marc Fitoussi (#Festival Varilux – Cine Glauber) (**1/2)
6. Potiche – Esposa Troféu (2010), de François Ozon (#Festival Varilux – Cine Glauber) (***)
5. Terra de Ninguém (1973), de Terrence Malick (DVDRip) (***)
4. O Vencedor (2010), de David O. Russell (DVDRip) (***)
3. Procurando Simon Werner (2010), de Fabrice Golbert (#Festival Varilux – Cine Glauber) (***)
2. Namorados para Sempre (2010), de Derek Cianfrance (UCI Iguatemi) (***1/2)
1. Meia-Noite em Paris (2011), de Woody Allen (Cine Glauber) (****)

Maio

2011-06-03T13:40:00.002-03:00

9. Lope (2010), de Andrucha Waddington (Cinema da Ufba) (**)
8. Bollywood Dream – O Sonho Bollywoodiano (2010), de Beatriz Seigner (Espaço Unibanco/Cine Glauber) (**)
7. Tio Boonmee que pode recordar suas vidas passadas (2010), de Apichatpong Weerasethakul (Cinema do Museu) (**1/2)
6. Um Quarto em Roma (2010), de Julio Medem (Cinema da Ufba) (**1/2)
5. Transcendendo Lynch (2011), de Marcos Andrade (Espaço Unibanco/Cine Glauber) (**1/2)
4. A Conversação (1974), de Francis Ford Coppola (Telecine Cult) (***1/2)
3. O Leão de Sete Cabeças (1970), de Glauber Rocha (Sala Walter da Silveira – DVD) (***1/2)
2. Diário de uma garota perdida (1929), de G.W. Pabst (Sala Alexandre Robatto – DVD) (HC)
1. Persona (1966), de Ingmar Bergman (DVD) (****1/2)

Glauber e Joe

2011-05-23T14:43:00.016-03:00

Até agora foram apenas cinco filmes em maio. Outra mudança a conta-gotas e período de início de trabalho se juntam à ausência do DVD para esculhambar tudo. Lado positivo é que apenas Lope (2010), de Andrucha Waddington, pareceu realmente descartável – apesar da sempre ótima Pilar López de Ayala (Na Cidade de Sylvia).

As coisas mais relevantes – e não necessariamente melhores – foram o Tio Boonmee que pode recordar de suas vidas passadas (2010), de Apichatpong Weerasethakul, e O Leão de Sete Cabeças (1970), de Glauber Rocha. Aqui é válido o clichê de que não são filmes, mas experiências.

Cheguei a cochilar no caso de “Joe”, e complexidade de Glauber pode levar ao desinteresse (fio narrativo é menos forte que sequências) mas – apesar dos quarenta anos que separam os filmes – é monumental a crença no meio que usam. Neles, a imagem e o som geralmente soam mais importantes que história que contam. Ainda que talvez não saiba resumir caminho que trilham, carregarei para sempre imagens de ambos.

(Spoilers!) As apresentação do e as imagens dos homens-macacos e seus olhos vermelhos, e a “aparição” em Tio Boonmee, assim como a abertura de O Leão e a cena em que Hugo Carvana cumprimenta um por um os africanos antes de fuzilá-los, em fila, já bateram o carimbo. (Fim de spoilers.)

Neste último plano, como acontece em boa parte de muitos dos filmes de Glauber, temos um diretor que defendia “uma câmera na mão e uma ideia na cabeça”, mas que calculava e pensava movimentos e atores. Mesmo dentro do caos que emana de seus filmes, em uma palavra, ele se importava com a mise-en-scène. Muita gente adora dizer que está seguindo conselho dele, mas – para nem falar em talento – maioria não tem nem o cuidado nem o tesão de filmar que ele tinha.

Abril

2011-05-03T09:48:00.010-03:00

Um Lugar Qualquer (Somewhere - EUA, 2010), de Sofia Coppola, parece o desenvolvimento de uma variação da personagem de Anna Faris em Encontros e Desencontros (2002), só que em versão masculina discreta: uma estrela de cinema (Johnny Marco, interpretado por Stephen Dorff), com bolso cheio e cabeça vazia. Só que agora ela desenvolve esse personagem em meio ao tédio de quem não tem muito o que fazer e a dizer, e corre o risco de transformar seu próprio filme em um reflexo disso. O que talvez seja a intenção, mas - de maneira bem pessoal - entediante não é uma palavra que busco em filmes.

A longa sequência com imagem estática, com os dois à beira da piscina e em zoom out é linda e poderia ser um ótimo final. A partir dali, sequência de cassino me soou descartável, assim como um ou outro momento redudantes no decorrer do filme, que embora novamente remetam ao estado do ator, simplesmente não batem. Momento em que ele chora ao telefone também me soa como uma humanização forçada.

Ainda assim, não faltam sequências inspiradas, afinal de contas temos uma diretora com absurda sensibilidade para filmar coisas simples. Da sequência de abertura à final, passando por dança, discussões com filha, encontro com (des)conhecidas, a mão é talentosa. Mas seria um retrocesso para quem começou tão bem com Virgens Suicidas (1999) e Encontros e Desencontros? Pode ser que sim, como também pode ser que seja alguém com diferentes intenções e ideias depois do estrondoso início da (hoje já consolidada) carreira. Espero pelo próximo.

Kiarostami
Adoraria dizer que Cópia Fiel (2010), de Abbas Kiarostami, foi das melhores coisas que vi do ano, mas prefiro revê-lo. Decepção foi mesclada com passagens memoráveis e imagens e momentos que perseguem até em sonho. Além disso, só digo que, para mim, ele sequer foi o melhor Kiarostami do mês.

15. Alpha Dog (2006), de Nick Cassavetes (DVD) (**)

14. O Resgate do Soldado Ryan (1998), de Steven Spielberg (DVD) (**1/2)
13. Dança dos Vampiros (1967), de Roman Polanski (DVDRip) (**1/2)
12. A Morte de um Bookmaker Chinês (1976), de John Cassavetes (DVDRip) (**1/2)
11. Climas (2006), de Nuri Bilge Ceylan (DVDrip) (**1/2)
10. Bullit (1968), de Peter Yates (DVDRip) (***)
9. Roman Polanski: Wanted and Desired (2008), de Marina Zenovich (DVDRip) (***)
8. Marte Ataca (1996), de Tim Burton (DVD) (***)
7. A Comunidade (2000), de Alex de la Iglesia (DVDRip) (***)
6. Um Lugar Qualquer (2010), de Sofia Coppola (Cinema do Museu) (***)
5. A Dama de Shanghai (1947), de Orson Welles (DVDRip) (***1/2)
4. O Porteiro da Noite (1974), de Liliana Cavani (DVDRip) (***1/2)
3. Cópia Fiel (2010), de Abbas Kiarostami (Cinema do Museu) (***1/2)
2. Gosto de Cereja (1997), de Abbas Kiarostami (DVD) (****)
1. À Prova de Morte (2007), de Quentin Tarantino (DVD) (****)

A perseguição

2011-04-19T14:40:00.012-03:00

Falando de lacunas, enfim assisti a Bullitt (1968), de Peter Yates, clássico caso do “filme de ação que não se faz mais”, e o como expoente disso temos o ritmo cadenciado mas seco, aliado à longa e tão falada perseguição pelas ladeiras e ruas estreitas de San Francisco – top-3 em lista pessoal, fácil. Nestes pouco mais de 10 minutos, percebemos (outra vez) não só como a cidade nasceu para ser filmada, como me parece inevitável lembrar da perseguição no fim de À Prova de Morte (2007) – que me veio à mente mais aqui que em Corrida contra o Destino (1971) e 60 Segundos (1974), citações diretas e explícitas do filme de Tarantino.

Se quase 40 anos depois de Bullitt Zöe Bell deixou de ser a dublê de Uma Thurman para interpretar uma dublê e causar calafrios na plateia com receio por sua saúde, aqui Steve Mcqueen (auxiliado por Peter Yates, logicamente), famoso por recusar substituto, por vezes nos faz acreditar que ele mesmo faz todas aquelas estripulias. Por mais que boa parte delas tenham sido obra de Loren Janes (um dos únicos sobreviventes da equipe do filme, ao lado da sempre linda – e aqui pouco além disso – Jacqueline Bisset), planos longos e outros próximos aumentam verossimilhança.

Ao comentar com meu pai sobre, ele (que gosta do filme) perguntou se eu não tinha ficado com dor de cabeça em meio a tantas ladeiras. Deveria dizer que sou da geração dos diretores que dirigem muito mais na montagem, e que acham que a melhor montagem é a que mais corta.

De volta ao filme, a sequência do aeroporto me lembrou Fogo contra Fogo (1995), embora em Bullit ela pareça ainda mais perigosa, e tão impossível de se repetir quanto no filme de Michael Mann, pelo que me lembro das atuais restrições dos aeroportos americanos. (Vi em algum extra?)

No resto do filme, o simples e o banal se misturam em direção correta, mas que pode soar preguiçosa, especialmente para um misto de ação e policial.

No entanto, para ficar apenas em exemplos recentes de filmes que adoro, é bom lembrar que perseguições em San Francisco não começaram em Instinto Selvagem (1992), e que pegas com duração de dois dígitos de minutos não começaram em À Prova de Morte.

Para quem quiser ver ou rever a sequência, aqui vai: http://www.youtube.com/watch?v=GMc2RdFuOxI&fmt=18.

May

2011-04-01T09:40:00.011-03:00

Dia desses Gorebahia me indicou May (idem – EUA, 2002), longa de estreia de Lucky Mckee, que me soou como uma talentosa esperança não apenas para o terror gore, mas para o gênero de uma maneira mais ampla. Primeiro porque Mckee tem algo para dizer além do puro exercício de direção e virtuosismo, e depois porque demonstra algum tino para comédia fora do mais óbvio padrão dela - seja lá o que isso signifique.

Para começar, pedaços de boneca a despencarem sobre fundo preto ao som de trilha que, sem passar a impressão de querer parecer, pode lembrar O Bebê de Rosemary (1968), mesclados com estilizada (e mais tarde “justificável”) apresentação de créditos. Eis aí uma apresentação de respeito, que é completada quando conhecemos a pequenina May, cujo "olho preguiçoso" leva-a a usar um tapa-olho que não facilita o relacionamento com os colegas.

A partir do primeiro momento em que vemos May adulta, até o final do filme, vivemos então uma jornada de terror, solidão e um perfeccionismo singular, para dizer o mínimo.

De incômodo, vem boa parte gore, que flerta com o realismo em quantidade e tempo o suficiente para me incomodar a vista, mas aí vem uma questão bem pessoal – há quem se contorça em Irrersível e Kill Bill, que me descem sem problema, ainda que com abordagens e propósitos distintos. Outro lado negativo é o relativo tempo gasto para solucionar algumas cenas que me pareceram longas demais, especialmente quando comparadas às melhores do filme. Além das já citadas apresentações de May criança e adulta, filme funciona com humor doente, e sacadas para momentos mais violentos são brilhantes, da “mão no rosto” até as “pernas bonitas” – para evitar spoiler.

Duas coisas, no entanto, me chamaram mais a atenção (spoiler). Primeiro perceber que o perfeito encaixe do final não soou como uma obsessão do roteiro, mas como um ponto de partida que resultou em história que soube prender e disfarçar enquanto possível. Já o último movimento do filme, mais do que uma suposta concessão feliz (além de violenta, cena me soa triste), não é apenas uma defesa da ficção, o que gêneros invariavelmente tendem a fazer, mas uma defesa da companhia da ficção – o que não é apenas louvável, como difícil de ser mostrado de maneira tão convincente.

Ps: Sobre filmes de março, tristeza maior é a distância de Salvador, o que leva a uma inevitável ausência do cinema. Isso à parte, curioso como Recife Frio (2009) me soou muito melhor na tela grande, mesmo sendo a princípio tão minimalista, do humor à ficção científica. Já Armadilha do Destino (1966), uma das lacunas de Polanski, me fez “torcer”, apesar do excelente Donald Pleasence, quase todo o momento por um close em Françoise Dorleac, para novamente perguntar: por que você morreu, hein?!

Filmes de março:
13. Um Sonho de Liberdade (1994), de Frank Darabont (DVD) (**1/2)
12. A Loja da Esquina (1940), de Ernst Lubitsch (DVDRip) (**1/2)
11. Trovão Tropical (2008), de Ben Stiller (DVD) (***)
10. Os Infiltrados (2006), de Martin Scorsese (DVD) (***)
9. À ma soeur (2001), de Catherine Breillat (DVDRip) (***)
8. Gangues de Nova York (2002), de Martin Scorsese (DVD) (***)
7. Os Matadores (1997), de Beto Brant (DVDRip) (***)
6. Senhores do Crime (2007), de David Cronenberg (DVD) (***1/2)
5. Armadilha do Destino (1966), de Roman Polanski (DVDRip) (***1/2)
4. May (2002), de Lucky Mckee (DVDRip) (***1/2)
3. Tropa de Elite 2 (2010), de José Padilha (DVD) (****)
2. Recife Frio (2009), de Kleber Mendonça Filho (DVD) (curta) (****)
1. No Tempo das Diligências (1939), de John Ford (DVDRip) (hc)

Fevereiro

2011-03-01T09:46:00.010-03:00

Apenas quatro idas ao cinema, mas todas válidas, incluindo aí Cisne Negro, do qual não gostei muito, mas que está longe de ser o pior de Aronofsky - afinal de contas, ele também dirigiu Fonte da Vida (2006).

Caso semelhante veio com Pablo Trapero, pois ainda que seu Abutres me soe um bom filme irregular, não ajudam a semelhança com o pior de Juan José Campanella e a distância e a lembrança de Família Rodante (2004) e Leonera (2008), talvez seus dois melhores resultados - ainda que bem distintos entre si.

Abaixo, o que foi visto este mês, incluindo alguns dos momentos mais altos de Cronenberg e Craven:

16. Slacker (1991), de Richard Linklater (DVDRip) (**)

15. Vela ao Crucificado (2010), de Federico Machado (BlipTV) (**) (curta)
14. La Leçon de Guitare (2006), de Martin Rit (DVDRip) (**1/2) (curta)
13. A Chinesa (1967), de Jean-Luc Godard (DVDRip) (**1/2)
12. Cisne Negro (2010), de Darren Aronofsky (Espaço Unibanco Cine Glauber) (**1/2)
11. Corrida contra o Destino (1971), de Richard C. Sarafian (DVDRip) (**1/2)
10. Léo e Bia (2010), de Oswaldo Montenegro (Cine XIV) (***)
9. Abutres (2010), de Pablo Trapero (Cinema do Museu) (***)
8. Videodrome (1983), de David Cronenberg (DVDRip) (***)
7. Bravura Indômita (2010), dos irmãos Coen (Cinemark) (***)
6. A Hora do Pesadelo (1984), de Wes Craven (DVDRip) (***1/2)
5. Scanners (1981), de David Cronenberg (DVDRip) (***1/2)
4. A Ponte das Artes (2004), de Eugène Green (DVDRip) (***1/2)
3. Tiros em Columbine (2002), de Michael Moore (DVDRip) (****)
2. Faces (1968), de John Cassavetes (DVDRip) (****1/2)
1. Persona (1966), de Ingmar Bergman (DVD) (*****)

Léo e Bia

2011-02-25T09:41:00.009-03:00

No final de Léo e Bia (idem/ Brasil, 2010) de Oswaldo Montenegro, fiquei com a impressão de ter assistido ao filme que não é de um cineasta, mas de um artista. Tem-se uma direção (longe de preguiçosa, mas irregular), que oscila entre o dar a cena ao atores e abusar de cortes e escolhas que complicam o ritmo e passam a impressão de alguém brincando em um meio com o qual não está acostumado (o que a princípio não é ruim, pelo contrário). Por outro lado, desde o início Montenegro deixa claro que, mais do que harmonizar ambos, ele parece querer explorar possibilidades do teatro e do cinema juntos.

Ele não diz “isto é cinema” ou “isto é teatro filmado”, mas nos faz crer que “isto é ficção”, graças à maneira como lida com o meio onde “estreia”.

Todavia, em alguns momentos (e creio que em especial um longo plano-sequência em que a maior parte da equipe interage com “Cachorrinha”, interpretada por Vitória Frate) ele recorre ao naturalismo de todo o muito bom elenco, de onde volta ao “isso é ficção” de maneira brusca. Ainda que o filme seja baseado em musical dele nos anos 80, em meio ao bombardeio de músicas e mudança de tom, essas quebras e estilizações deixam o todo tão pessoal quanto poluído.

Apesar dos poréns (e vamos incluir aí também o constrangedor auê que se faz ao diretor sugerir interpretar papel diante de ator gay – o que talvez seja um reflexo de uma sociedade atual mais preconceituosa e pudica que no grupo e na época em que o filme se passa), é inegável o tom honesto que transborda da tela.

Como diz Andrea Ormond aqui “amar o teatro, reagir como Léo (Emílio Dantas) e escrever uma peça depois de censurado, ou virar hippie de boutique com todo o conforto, são tentações maravilhosas”. O adendo é que Montenegro, além de um filme irregular e de ideais de fácil identificação utópica, consegue nos deixar claro que o filme é uma experiência única, bem pessoal.

Nos últimos anos, quantos filmes nacionais, de apelo relativamente popular, passam essa sensação?

Cisne Negro

2011-02-09T20:30:00.012-03:00

Após a sessão de Cisne Negro (Black Swan – EUA), fiquei com a impressão de que O Lutador (2008), sobre o qual escrevi aqui, parece menos uma mudança de rumo que uma exceção na carreira de Darren Aronofsky. Voltamos a ter personagens castigados e sofridos, de quem a câmera quase nunca se afasta, mas as semelhanças no lidar com eles não vão muito além. Infelizmente.

Aronofsky filma ainda mais próximo do foco, agora a bailarina Nina Sayers, na outra vez ótima Natalie Portman, em quase todos os planos do filme. Mas essa direção que beira a claustrofobia não se traduz em um aumento de empatia ou de busca por uma maior expressividade da protagonista. Nem parece que isso foi tentado, aliás.

O uso da câmera atrás e bem próxima, se por um lado pode ajudar na manutenção do público sempre grudado à personagem, por outro deixa recurso com aparência excessiva. Além dela, o uso de pouca luz, de fortes imagens em planos fechados, os rápidos movimentos de câmera, o abuso da trilha sonora, tudo parece querer o aumento da tensão, o que de fato é obtido às vezes. O problema é que Aronofsky dilui o que poderíamos deduzir, ou pelo menos tentar, na maior parte do tempo. Nessas horas ele parece voltar a Réquiem para um Sonho (2000), do qual até gosto, mas no que aquele tem de pior. Vemos, novamente, muitas imagens e sons que parecem querer justificar sua existência na base do excesso (pode-se falar em afetação), seja de uma pretensa força, seja do volume.

O porém é que, na mescla entre o chocar, ser sensível, ter o suspense como ritmo e imagens de horror, o filme se perde. Aronofsky tem coragem ao misturar tudo e investir tanto no lado do pesadelo, e é feliz em alguns momentos, auxiliados por um elenco e música de qualidade. Só não me soou suficiente, nem próximo do que de melhor ele tem.

Visto no Espaço Unibanco/Cine Glauber – Salvador, fevereiro de 2011.

Ps: Às 16h de uma terça-feira, a sala - com capacidade para 197 pessoas - estava quase lotada.

Janeiro

2011-02-04T11:24:00.008-03:00

Janeiro marcou o fim do contrato com o Tô Frito, assim como a dedicação quase diária e exclusiva à decupagem e montagem de Nunca mais vou filmar – http://nuncamaisvoufilmar.blogspot.com.

Até o dia 26, foram apenas dez filmes, em meio ao início da quarta temporada de Californication (muito boa até aqui), e da surpresa positiva que se mostrou a Clandestinos – só vi agora. Também comecei a ver Mad Men, serie que tem um cuidado com a mise-en-scène que falta à maioria dos filmes do cinemão.

Tivemos ainda a estreia, pelo menos aqui em Salvador, de Machete (2010), para mim o melhor filme de Robert Rodriguez, assim como de Tetro (2009), a prova desnecessária de que Coppola filma como pouquíssimos, mesmo quando escrita está (talvez bem) abaixo.

Que fevereiro seja tão bacana quanto, ou um pouco melhor, vá lá.

Janeiro:
0. Chicago (2002), de Rob Marshall (DVD) (**1/2) (Último filme de 2010)
1. Darkened Room (2002), de David Lynch (DVDRip) (**1/2) (curta)
2. A Outra (1988), de Woody Allen (DVDRip) (**1/2)
3. A Noite do Demônio (1957), de Jacques Torneur (DVD – sala Alexandre Robatto) (**1/2)
4. Mal dos trópicos (2004), de Apichatpong Weerasethakul (DVDRip) (**1/2)
5. Crônicas de um Amor Louco (1981), de Marco Ferreri (DVDRip) (**1/2)
6. Tudo que o Céu Permite (1955), de Douglas Sirk (***) (DVDRip)
7. Moscou, Bélgica (2008), de Christophe Van Rompaey (Cine Vivo) (***)
8. O Concerto (2009), de Radu Mihaileanu (Cine Vivo) (***)
9. Além da Vida (2010), de Clint Eastwood (Cabine de imprensa – Multiplex Iguatemi) (***)
10. Estrada Perdida (1997), de David Lynch (DVDRip) (***1/2)
11. Sombras (1959), de John Cassavetes (DVDRip) (***1/2)
12. Machete (2010), de Robert Rodrigueze e Ethan Maniquis (Cinema da Ufba) (***1/2)
13. Tetro (2009), de Francis Ford Coppola (UCI Orient Multiplex Iguatemi) (***1/2)
14. Viver a Vida (1962), de Jean-Luc Godard (DVDRip) (****)

Top-2010

2011-01-02T09:09:00.010-03:00

Hoje vão três Top-10.

O primeiro reúne filmes de 2010 de acordo com o IMDB, o segundo os melhores vistos no cinema no ano que passou, independente do ano de lançamento, e o terceiro é uma mistura dos dois.

Nas três listas, bom frisar, conto apenas filmes vistos em película ou cópia digital que não DVD. Com isso, só para ficar em exemplos exibidos no cinema e que entrariam na lista, ficam de fora Os Incompreendidos (1959), Batalha no Céu (2005) e Antes do Pôr-do-Sol (2004).

Bateram na trave Godard, Truffaut e a Nouvelle Vague (2010), Vincere (2009), O que resta do tempo (2009) e A Fuga da Mulher Gorila (2009). Não necessariamente nessa ordem.

Lançados em 2010:
10. Toy Story 3, de Lee Unkrich
9. Você vai conhecer o homem dos seus sonhos, de Woody Allen
8. A Sétima Alma, de Wes Craven
7. A Rede Social, de David Fincher
6. Cabeça a Prêmio, de Marco Ricca
5. Senna, de Asif Kapadia
4. Os Mercenários, de Sylvester Stallone
3. Tropa de Elite 2, de José Padilha
2. Ilha do Medo, de Martin Scorsese
1. O Escritor Fantasma, de Roman Polanski

Ps: O IMDB trata Cabeça a Prêmio como 2009, mas não vou mudar a lista por isso.

Lançados até 2009:
10.Coco Chanel e Igor Stravinsky (2009), de Jan Kounen
9. O Profeta (2009), de Jacques Audiard
8. Onde vivem os monstros (2009), de Spike Jonze
7. Filhos de João – O Admirável Mundo Novo Baiano (2009), de Henrique Dantas
6. Zumbilândia (2009), de Ruben Fleischer
5. A Religiosa Portuguesa (2009), de Eugène Green
4. Sem Teto Nem Lei (1985), de Agnès Varda
3. Mother – A Busca pela Verdade (2009),
2. Vício Frenético (2009), de Werner Herzog
1. À Prova de Morte (2007), de Quentin Tarantino

Geral:
10. Senna (2010), de Asif Kapadia
9. Os Mercenários (2010), de Sylvester Stallone
8. A Religiosa Portuguesa (2009), de Eugène Green
7. Sem Teto Nem Lei (1985), de Agnès Varda
6. Mother – A Busca pela Verdade (2009)
5. Vício Frenético (2009), de Werner Herzog
4. Tropa de Elite 2 (2010), de José Padilha
3. Ilha do Medo (2010), de Martin Scorsese
2. O Escritor Fantasma (2010), de Roman Polanski
1. À Prova de Morte (2007), de Quentin Tarantino

2011

2010-12-29T10:17:00.005-03:00

Com atraso cortesia das filmagens e de sua ressaca, o nosso blog enfim oficializa o recebimento do PRÊMIO DARDOS, em reconhecimento por sua divulgação cultural. Como disse no post anterior, indicação veio de Antonio Nahud Junior, jornalista e escritor com fascinante experiência de vida e literária, responsável pelo fenômeno que é "O Falcão Maltês" - http://ofalcaomaltes.blogspot.com/.

O prêmio foi criado pelo escritor espanhol Alberto Zambade, que em 2008, em uma postagem do seu blog “Leyendas de El Pequeño Dardo”, resolveu premiar alguns blogs que “reconoce los valores que cada blogger muestra cada día en su empeño por transmitir valores culturales, éticos, literarios, personal, etc.., que en suma, demuestra su creatividad a través su pensamiento vivo que está y permanece, innato entre sus letras, entre sus palabras rotas” (traduzindo: “que transmitem valores culturais, éticos, literários, pessoais, etc. que, em suma, demonstram sua criatividade através do pensamento vivo que está e permanece intacto entre suas letras, entre suas palavras).

Assim, o PRÊMIO DARDOS se espalhou pela Internet, chegando até esta revista eletrônica, lançada em 7 de outubro de 2010, que valoriza o universo cinematográfico clássico. De acordo com as regras, como premiado, o nosso blog deve premiar alguns blogues que visitamos e reconhecemos como fonte de conhecimento e aprendizado cultural. Vamos aos escolhidos:

http://chip.hazard.net
de Sérgio Alpendre

http://anotacoescinefilo.com/
de Filipe Furtado

http://vintageeblog.blogspot.com/
de Júnia

Obrigado Antonio e Zambade!

Últimos filmes:
1. Rocky Balboa (2006), de Sylvester Stallone (DVD) (***)
2. Pagamento Final, O (1993), de Brian de Palma (DVD) (****)

3. Ligeiramente Grávidos (2007), de Judd Apatow (DVD) (***)
4. A Felicidade não se compra (1946), de Frank Capra (DVD) (**1/2)
5. Onde os Fracos não têm vez (2007), de Ethan e Joel Coen (***1/2)
6. Sexta-feira 13 (1980), de Sean S. Cunningham (DVD) (***)
7. Filme Socialismo (2010), de Jean-Luc Godard (Cinema da Ufba) (**1/2)

Ps: Não prometo lista dos melhores do ano, mas espero fazer uma. Pelo menos com os que assisti - ou seja, com aqueles que passaram em festivais ou estrearam em Salvador.

Dardos

2010-12-19T21:43:00.007-03:00

Graças a O Falcão Maltês, que colocou este humilde e moribundo espaço foi premiado com o prêmio Dardos. Mais informações podem ser obtidas aqui. Prêmio é bacana, merece ser divulgado, o que farei quando puder.

Mas, se felicidade é grande, tempo é nulo. Não à toa o blog tem respirado por aparelhos. Sobre cinema, sobre o pouco que tenho visto, só falo em endereço de curta que filmo ainda este ano, espero. Após primeira etapa de parto, prometo maior frequência cá. Por enquanto, divago aqui.

Últimos filmes:
1. Sonhos de Mulheres (1955), de Ingmar Bergman (DVD) (***)
2. The Runaways (2010), de Floria Sigismondi (Cinemark) (**1/2)
3. A Rede Social (2010), de David Fincher (Multiplex Iguatemi) (***1/2)
4. Noite de Sexta, Manhã de Sábado (2006), de Kleber Mendonça Filho (Curta - Vimeo) (****)
5. Você Vai Conhecer o Homem dos seus Sonhos (2010), de Woody Allen (Cine Vivo) (***1/2)
6. Faces (1968), de John Cassavetes (DVDRip) (****)
7. A Sétima Alma (2010), de Wes Craven (Multiplex Iguatemi) (***1/2)
8. Sobre Meninos e Lobos (2003), de Clint Eastwood (DVD) (****1/2)

Party of five

2010-12-03T11:20:00.009-03:00

Apenas cinco filmes vistos nas últimas duas semanas. Até hoje devo um texto a Antonio Nahud Júnior, do excelente O Falcão Maltês. Não é exatamente fácil fazer um curta e ter que pagar contas, especialmente quando ele é fonte de despesa, não de receita.

Acho ótimo, mas tempo vira coisa de elite, assim como filmes dos outros. A média dos últimos vistos, por outro lado, é bem boa. Ao lado, apenas um dos ótimos momentos de Os Anjos Exterminadores (2006), de Jean-Claude Brisseau.

Últimos filmes:
1. Muita calma nessa hora (2010), de Felipe Joffily (Cine Vivo) (**)
2. Você vai conhecer o homem dos seus sonhos (2010), de Woody Allen (Cabine de imprensa - Cinépolis) (***1/2)
3. À Prova de Morte (2007), de Quentin Tarantino (Cinemark) (****1/2)
4. Vampiros de John Carpenter (1998), de John Carpenter (DVD) (***1/2)
5. Os Anjos Exterminadores (2006), de Jean-Claude Brisseau (DVD) (***1/2)

Ps: Enfim enviei texto a Antonio e, desde ontem, já estão no ar mais impressões sobre A Noite Americana (1973), de Truffaut. Em http://ofalcaomaltes.blogspot.com/2010/12/um-problema-de-amor.html

Gêneros e continuações

2010-11-17T11:51:00.015-03:00

Tropa de Elite 2: O Inimigo agora é outro é um filme pós-crítica – e não (apenas) cinematográfica. Quando o Capitão Nascimento diz que o deputado Fraga “vive me chamando de fascista”, é como se Padilha respondesse ao norte das acusações do primeiro filme. Agora a questão é plural: Capitão Nascimento prossegue com sua mentalidade que tende ao reacionário, mas temos o deputado Fraga do outro lado, a esquerda. Os dois lados apresentam momentos de caricatura, mas são bem menos salientes que os golpes que Padilha desfere para quase todos os lados.

A combinação dos gêneros de ação e policial está mais bem acabada, com a inevitável lembrança de Bons Companheiros (1990), obra-prima de Martin Scorsese para quem o filme parece bater continência. A onipresente narração opinativa, um cena do meio na abertura dos créditos, as imagens frisadas em momentos de voz off, a carnificina como prelúdio para o final, e mais coisas que não me lembro. A diferença é que, na mescla de gêneros, Scorsese investe em estilização audiovisual que aproximam o filme dele, enquanto Padilha abraça as convenções para se diferenciar no algo a dizer. O que ele tem (como conteúdo, além do domínio técnico), de uma maneira que consegue ser mais política (por agradar a maioria) e relevante (bem menos simplória) que no primeiro filme.

Caso oposto é o de Atividade Paranormal 2, onde a fé na franquia é bem maior que a no gênero. Voltamos a tomadas longas e estáticas, voltamos à tentativa de fazer o não visto provocar medo, voltamos a, em momentos ápice, câmera tremida e mise-en-scène confusa. Só que sem metade do efeito.

A dose de radicalização do primeiro filme trazia um mérito ligado a recursos pouco usados no horror recente. Nos melhores momentos daquele, tínhamos a força do minimalismo, de uma novidade que nada tinha de novo, mas sim de "esquecida". Desde a Bruxa de Blair (1999), quase dez anos antes, talvez ninguém tenha explorado tão bem o baixo-orçamento para o gênero. Agora, não: passou-se um ano, o efeito ainda era forte. Ao invés de uma continuação, tem-se um decalque mal feito. Uma pena.

Últimos filmes:
1. Tropa de Elite 2 (2010), de José Padilha (Shopping Barra) (***1/2)
2. A Suprema Felicidade (2010), de Arnaldo Jabor (Cine Vivo) (***)
3. Atividade Paranormal 2 (2010), de Tod Williams (Multiplex Iguatemi) (**)
4. Eu Matei Minha Mãe (2009), de Xavier Dolan (Cinema do Museu) (**1/2)
5. A Bela Junie (2008), de Christophe Honoré (Telecine Cult) (***1/2)
6. Tropa de Elite 2 (2010), de José Padilha (Cine Vivo) (****)
7. Interiores (1978), de Woody Allen (DVD) (**1/2)
8. Senna (2010), de Asif Kapadia (Multiplex Iguatemi) (***1/2)
9. A Noiva Estava de Preto (1968), de François Truffaut (DVD) (***1/2)
10. Pacto de Sangue (1944), de Billy Wilder (DVD) (****1/2)
11. Profissão Repórter (1975), de Michelangelo Antonioni (DVD) (***)

Sobre últimos dias

2010-11-02T11:30:00.016-03:00

Embora admire Visconti, é curioso como seus filmes – ou pelo menos os que já vi – não batem à primeira vista. Ao final de Belíssima (1951), quase digo “não gostei”, em situação idêntica a Morte em Veneza (1971), Noites Brancas (1957) e O Leopardo (1963), três que preciso rever.

Nesse campo, inclusive, dois dos filmes revisitados mostraram-se distintos de impressão inicial.

Na primeira vez que assisti a A Dupla Vida de Veronique (1991), de Krzysztof Kieslowski, estava na mais fanática fase consumista, resumia aos filmes a “compro ou não compro o DVD”. Na época, queria-o loucamente, já que apenas o final me incomodou, por parecer uma tentativa de explicação poética. “Mas que poesia?”, me pergunto hoje. O filme soou um Kieslowski apenas envernizado, sem a inspiração da maior parte de seu Decálogo (1989).

Por outro lado, e aí vem uma bomba, como consegui não gostar do primeiro contato que tive com François Truffaut e seu Jules e Jim (1962)?

Dia desses relia o Grandes Diretores de Cinema e vi que o filme, ou mais especificamente seu início, foi influência até para nada menos que Bons Companheiros (1990), de Martin Scorsese. Com o olhar de hoje, e a lembrança de algumas idas à obra-prima de Marty, filmes são bem diferentes, e cada um ligado a seu tempo, sem parecerem datados por isso.

No caso de Truffaut, todo o contexto do avanço do feminismo, com a Segunda Guerra ainda na memória da maioria dos vivos, mas também uma história sobre pessoas com muito sentimento e nem tantas respostas ou soluções felizes. Pessoas que nunca deixarão de existir.

Já em Scorsese, presenciamos a linguagem MTV elevada a um perceptível e inimaginável grau de controle, só que aliado ao ápice de sua montadora Thelma Schoonmaker. Depois dali, ela estreitou sua ligação com a tesoura, mas Ilha do Medo (2010) voltou a lembrar o que podemos ter de melhor dele. Que continuem assim.

Últimos filmes:
1. A Dupla Vida de Veronique (1991), de Krzysztof Kieslowski (DVD) (**1/2)
2. Jules e Jim – Uma Mulher para Dois (1962), de François Truffaut (DVD) (****)
3. Piaf: Um Hino ao Amor (2007), de Oliver Dahan (DVD) (**1/2)
4. Enfim Viúva (2007), de Isabelle Mergaut (Cine Vivo) (**1/2)
5. Touro Indomável (1980), de Martin Scorsese (DVD) (****)
6. Dois Irmãos (2010), de Daniel Burman (Cinema do Museu) (***)
7. Asas do Desejo (1987), de Wim Wenders (DVD) (***)
8. Belíssima (1951), de Luchino Visconti (DVD) (***)

Fim

2010-10-15T13:55:00.008-03:00

Caros e caras,

Hoje, pelo menos por enquanto, paro de escrever semanalmente por aqui. Para os que não ficam feliz com a decisão, se é que existe alguém com tal pensamento, deixo claro que a ideia já flertava comigo há algum tempo. Se não é algo definitivo, também não é inconsequente.

Nesses dois anos da coluna 70mm, que começou impressa em outubro de 2008 em O Trombone, escrevi textos que me agradaram, outros nem tanto. Faz parte do ser crítico, especialmente quando a periodicidade independe da inspiração.

Outro porém é que, cada vez mais, os textos me agradavam menos. O amor pelo cinema e o amor pelas palavras se juntaram à auto-crítica e tornou decisão inevitável.

Há quase dois anos, depois de investir em e fundar projeto, deixei de lado. Sabia de seu potencial, todos do meio sabem da referência internacional que virou, mas se sinto orgulho de ter sido parte, sei que o fim foi melhor para os dois. (Falo do Olheiros.) Se tivesse continuado, o projeto não andaria tão bem, pois não teria o melhor de mim, que talvez não tivesse hoje o carinho e a afeição que tenho por quem ali foi parceiro.

O mesmo vale para hoje. Agradeço a Domingos (O Trombone) e a Davidson (Pimenta na Muqueca) pela oportunidade. Mas, vocês sabem, existem as outras atividades, os outros projetos, os outros sonhos. E em meio a tudo isso, existe o prazer e o tempo.

Com a coluna, com o que sinto escrevendo-a e relendo-a, eles estão cada vez mais escassos. Longe de ser exclusivo, não vivo sem eles. Se ler, ver e escrever são necessidades, gostar do resultado também é. O retorno dessa sensação, não tenho dúvidas, significará o retorno dos textos.

Cabeça a Prêmio*

2010-10-08T13:03:00.005-03:00

O poder da dúvida

É difícil falar de Cabeça a Prêmio (idem - 2009), estreia de Marco Ricca na direção, sem entrar no seu desenvolvimento. Para evitá-los, melhor dizer que, como gênero, vai além da competência, e ressalvas, embora pareçam claras, potencializam roteiro em resultado forte e corajoso.

São mundos diferentes de pessoas que residem ou convivem em mesma área, na zona fronteiriça de Brasil, Paraguai e Argentina. Temos um latifundiário, que não é apenas isso, temos um funcionário que não se limita à propriedade, e temos histórias que não se cruzam, mas que nascem convincentemente interligadas.

Um assassinato nos apresenta à história. Os personagens de Eduardo Moscovis e Cássio Gabus Mendes desempenham a mesma função, mas se mostram com personalidades opostas. O porém é que Marco Ricca investe em um realismo tão forte quanto convincente em todo o resto do elenco (muito bom, de Fulvio Stefanini a Alice Braga e o uruguaio Daniel Hendler). Com isso, não dá para enxergar os dois como arquétipos parte do suspense e do drama, mas figuras próximas a caricaturas em tom destoante do filme. O que se torna ainda mais visível no fim, quando reviravolta é tão inesperada quanto coerente com esse comportamento.

Mas se o desfecho – e a sequência – da cena que reúne quatro elementos, por um lado, tem esse porém, a última tomada é nada menos que brilhante, como quase todo o resto do filme.

O movimento é tenso e lento, mas justificável e compreensível. Ali, como nas outras quase duas horas de projeção, temos alguém com domínio do meio, um diretor de talento que parece estar no quarto ou quinto longa-metragem do gênero, e que ainda tem perceptível algo a dizer. Vemos o medo e a incerteza, o ódio e o sangue, da família e o escorrido. Tudo em meio a algo que, como ela, sempre teremos: a dúvida.

Visto no Espaço Unibanco/Cine Glauber Rocha – Salvador, outubro de 2010.

Ps infeliz: único filme visto na semana.

Apenas o Fim*

2010-10-01T12:21:00.006-03:00

Um início

No fim das contas, o que mais fica de Apenas o Fim (idem – Brasil, 2008), de Matheus Souza, é a expectativa do porvir. Não só pelo fato de o diretor ter apenas 19 anos quando o fez, mas também porque o que ali existe de discutível parece ser (em visão otimista) menos um problema e mais um modo simples de fazer cinema.

São dois personagens, um homem e uma mulher (os bons Gregório Duvivier e Érika Mader), que diz estar de partida e que tem apenas uma hora para ficar com ele. Woody Allen e Domingos Oliveira, Richard Linklater e seu Antes do Pôr-do-Sol são as óbvias e principais referências ou lembranças. São, em suma, 80 minutos de um filme falado, calcado na palavra de dois personagens e de poucos coadjuvantes.

Pode-se dizer que a mise-en-scène beira o desleixo de tão minimalista, mas sua função parece ser, primeiramente, não atrapalhar o texto; pode-se ainda frisar a crítica ao alegar que ou ele não domina a linguagem, ou a relega para segundo plano.

Por outro lado, da mesma forma que o conteúdo de alguns filmes está na forma, no estilo, é lógico dizer que a relevância de sua obra está no diálogo, na escrita a mão. A palavra é o que importa, a comédia vem em seguida. E nos dois casos ele funciona, especialmente por causa do caráter nonsense, que atinge níveis estratosféricos.

São comentários sobre Backstreet Boys, Star Wars, Transformers e Godard; aranhas, terapia, He-Man, e Itabuna e sua mosquitada.

Em quase todos esses momentos, todavia, Matheus Souza deixa clara a diferença de investimento, a límpida preferência de profundidade para o homem. Ele é tão mais interessante quando fala que ela se assemelha a um subterfúgio para que ele (personagem) divague, da mesma maneira que o audiovisual fica como apenas o meio para que ele (diretor) exercite o que sabe fazer. Quando se exige uma sensibilidade mais aguçada, como no momento em que o casal chora, ele (via atores) demonstra que não transpõe a sensação, para a tela, com a mesma fluência.

Ao término, pode-se falar em exibicionismo, como também pode-se dizer que, pelo menos aqui, Matheus Souza dá sinais de ser mais esperto e inteligente que cinematográfico. Mas esse porém, pequeno, pode ser uma simples questão de (falta de) experiência. E, mesmo que não seja, seria ótimo se as falhas da média de filmes do gênero, no Brasil, fossem como as daqui.

Visto em DVDRip – Salvador, setembro de 2010.

Filmes da semana:
1. Lola Montés (1955), de Max Ophüls (DVDRip) (***)
2. Coco Chanel e Igor Stravinsky (2009), de Jan Kounen (Cinema do Museu) (***)
3. Uma Mulher é Uma Mulher (1961), de Jean-Luc Godard (DVDRip) (***1/2)
4. Noite de Estréia (1977), de John Cassavetes (DVDRip) (****)
Curta:
5. Os Filmes que eu não fiz (2008), de Gilberto Scarpa (Canal Brasil) (**1/2)
6. Noite de Sexta Manhã de Sábado (2006), de Kleber Mendonça Filho (Vimeo) (****)

Filmes do mês:
10. Uma Mulher é Uma Mulher (1961), de Jean-Luc Godard (DVDRip) (***1/2)
9. O Sol por Testemunha (1960), de René Clément (DVD) (***1/2)
8. Apenas o Fim (2008), de Matheus Souza (DVDRip) (***1/2)
7. Tudo Pode dar Certo (2009), de Woody Allen (Cinema do Museu) (***1/2)
6. Meu Nome é Sabine (2007), de Sandrine Bonnaire (Sala Walter da Silveira – DVD) (***1/2)
5. Noite de Estréia (1977), de John Cassavetes (DVDRip) (****)
4. Antes do Amanhecer (1995), de Richard Linklater (Cine Vivo – DVD) (****)
3. Os Incompreendidos (1959), de François Truffaut (Sala Walter da Silveira – DVD) (****)
2. Antes do Pôr-do-sol (2004), de Richard Linklater (Cine Vivo – DVD) (****1/2)
1. Lola (1982), de Rainer Werner Fassbinder (DVD) (****1/2)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Wall Street - O Dinheiro Nunca Dorme*

2010-09-24T08:09:00.017-03:00

A puta que nunca dorme

Wall Street – O Dinheiro Nunca Dorme (Wall Street - Money Never Sleeps – 2010, EUA) é, basicamente, o Oliver Stone (Assassinos por Natureza, Platoon, JFK) de sempre. Aquele que usa o que critica, aquele que é a incoerência personificada na arte que faz. Mas, isto à parte, a continuação do filme de 1987 é um dos filmes menos infelizes do diretor.

Gordon Gekko (Michael Douglas) é enfim solto, sua filha Winnie é namorada de Jake Moore, (Shia LaBoeuf) homem de Wall Street, no que pode soar tanto como imprevisto do funcional destino como outra manipulação pouco convincente de Stone. Com sua tradicional sutileza de elefante, a abertura mostra como pai e filha, cada um na sua visão, reagem à libertação do Gekko mais velho.

Durante mais de duas horas, Stone bate na bolsa de valores, na especulação, na obsessão por ganhos, empréstimos e negócios; em suma, ele dá (de novo) várias pauladas no capitalismo essencialmente norte-americano. Em meio a isso, ele acrescenta mudanças de rumo de personagens, dramas e crises familiares. Tudo é até bem escrito e amarrado, dentro dos padrões Stonianos, e atuado (sejamos justos, ele não é um ruim diretor de atores), e o maniqueísmo não é tão extremo: tanto Gordon como Jake têm momentos ruins. Até Stone fazer o que, normalmente, ele faz.

A família, a obsessão pelo dinheiro e o que o seu excesso faz, são dois dos pilares do american way of life que Stone tanto combate, mas são justamente o dinheiro e a família falam mais forte; deu tudo certo, no melhor estilo americano. Pode-se dizer que ele faz uma constatação, só que o cheiro não é de um olhar, de uma opinião, mas de um determinismo aliado a concessão – mesmo que insconsciente, caso ele tenha tido o corte final. A crítica que ele faz se dilui, o final não deixa espaço para a dúvida ou a ironia.

Em uma das falas de Gordon, ele diz que “o dinheiro é uma puta que nunca dorme”. Ela é apenas uma das interessantes frases de efeito e boas ideias do filme, cheio delas. Mas, desde a poluição e a confusão das telas divididas ao didatismo da amostra da alternativa energética, Stone acredita mais em seus ideais que na construção que possa fazer alguém levá-lo a sério como tudo que parece querer ser: antropólogo, sociólogo, político e, quando possível, cineasta. Bons momentos se perdem em meio às opções dadas pela puta que nunca dorme.

Visto, em cabine de imprensa, no Cinemark – Salvador, setembro de 2010

Filmes da semana:
1. Os Incompreendidos (1959), de François Truffaut (Sala Walter da Silveira – DVD) (****)
2. Quem Matou Leda (1959), de Claude Chabrol (Sala Walter da Silveira – DVD) (**1/2)
3. Apenas o Fim (2008), de Matheus Souza (DVDRip) (***1/2)
4. Wall Street – O Dinheiro Nunca Dorme (2010) (Cinemark – Cabine de imprensa) (**1/2)
5. Insolação (2009), de Felipe Hirsch e Daniela Tomas (Cinemark) (**)

* Coluna 70mm também publicada em www.pimentanamuqueca.com.br.

Nosso Lar*

2010-09-17T10:58:00.012-03:00

O cinema morre

Em Nosso Lar (idem – Brasil, 2010), Wagner Assis pode deixar muitos com vontade de morrer. Se esse foi seu desejo, bingo; mas se ele quis chegar a um resultado que, além da religião, demonstrasse fé no meio usado para tal, ele falhou.

Desde toda a publicidade envolvendo as cifras (teoricamente R$ 20 milhões), muito se falou dos efeitos especiais. O porém é que quase todas computações gráficas chamam mais atenção para si que ajudam na criação de um filme além do deleite de imagens. Por “imagens”, no entanto, vejo uma espécie de deslumbramento “arquitetônico” e religioso que não vão além disso. As palavras, as imagens, os efeitos, todos são apenas belezas individuais (palavras e efeitos nem isso) e narcisistas; não formam um todo.

Assis não parece acreditar no cinema que faz, mas na ideia que faz do que seria um cinema se feito no mundo espiritual. Uma mistura entre Niemeyer (citado por Inácio Araújo) e Walt Disney com efeitos americanos década de 80; só que acrescido de açúcar e álcool. A soma é mundo perfeitamente asséptico no qual, entre reacionários, encarnações e fins, há sempre uma nova chance.

É nisso que Assis acredita, o que ele deixa claro a cada cena, muito mais do que cinema. A quem ele não deu chance alguma.

Visto no Shopping Barra – setembro de 2010 .

8mm
Superoutro

Poderia falar horas sobre Superoutro (1989), de Edgard Navarro, mas dificilmente falaria algo de novo ou, pelo menos, relevante. Dito isto, só friso uma impressão: não sei em qual filme dos últimos 20 anos, entre os feitos aqui, temos uma Salvador tão pulsante. Se há, ou não vi ou não lembro.

Filmes da semana:
1. Antes do Pôr-do-sol (2004), de Richard Linklater (Cine Vivo – DVD) (****1/2)
2. Nosso Lar (2010), de Wagner de Assis (UCI Orient Shopping Barra) (**)
Curta:
3. Gibraltar e as Bicicletas (2009), de Marccela Vegah (Youtube) (***)
Média:
4. Superoutro (1989), de Edgard Navarro (TVRip) (****)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Tudo pode dar certo*

2010-09-10T07:07:00.008-03:00

Ainda dá certo

No retorno a Nova Iorque, com Tudo Pode Dar Certo (Whatever Works – EUA/ França, 2009), Woody Allen se liberta de vez. Não que ele estivesse enclausurado, mas se especialmente em Match Point e Sonho de Cassandra ele esteve naturalmente ligado a projetos densos e tensos, limitado pelo tema e testado pela necessidade de domínio do drama e até certo ponto do suspense, aqui ele volta a despejar toda sua veia cômico-pessimista. A aparência de completa despreocupação com a formalidade dos outros filmes é tão gritante quanto saudável, e mostra que ele ainda pode oscilar com algum êxito entre extremos.

Aqui, ele está menos Dostoievski e mais Groucho Marx. Seu pessimismo – através de Boris Yelnikof (ótimo Larry David) –, é direto, ofensivo, jogado na cara do espectador quase que literalmente, só que sem deixar de ser jocoso. Como em Annie Hall, e provavelmente em outro filme que não lembro, ele volta a falar para a câmera. As sempre presentes e funcionais caricaturas usadas quando busca o riso, por sua vez, são influenciadas como nunca pelo acaso (naturalmente “fabricado” por ele), mas essa obsessão talvez contribua para tornar as caricaturas e as mudanças menos críveis que nos melhores momento do autor.

Nesse caso, o maior exemplo é a pudica interiorana que chegou à meia idade com raros contatos sexuais com apenas um homem, e que, graças a um latente talento para fotografia, se descobre. A mudança é radical para o liberalismo: ela passa a ser a insaciável artista, com orgulho de, e que vive com dois homens.

Pode-se alegar, com boa dose de razão, que tanto o humor como o cuidado na escrita de Allen já foram mais sutis. Essa até certo ponto indelicadeza, contudo, está em sintonia não apenas com o estado bruto e inesperado de determinadas “sortes”, mas também com o que Boris pensa da vida.

Entre sequências louváveis, é inevitável lembrar o porquê de seu primeiro relacionamento ter dado errado, o momento em que Beethoven bate à porta de Melody (a sempre capaz Evan Rachel Wood), o raciocínio em que um personagem justifica o “fato” de Deus ser gay, e quase tudo falado por Boris.

Mesmo quando sua rabugentice talvez o leve a um aparente (e talvez exista) desleixo, aos 75 anos, Woody Allen ainda passa a impressão de ser alguém com certo tesão em filmar, com algo a dizer. Imaginá-lo ainda filmando, no Rio, com Carla Bruni, são coisas que ainda trazem expectativa.

Revisto no Cinema do Museu – Salvador, setembro de 2010.

Filmes da semana:
1. Antes do Amanhecer (1995), de Richard Linklater (Cine Vivo – DVD) (****)
2. Lola (1982), de Rainer Werner Fassbinder (DVD) (****1/2)
3. Os Intocáveis (1987), de Brian de Palma (DVD) (***)
4. O Sol por Testemunha (1960), de René Clément (DVD) (***1/2)

* Coluna 70mm também publicada em www.pimentanamuqueca.com.br.

Apenas um Beijo*

2010-09-03T09:01:00.006-03:00

Além do beijo

Apenas um Beijo (Ae Fond Kiss – Inglaterra/ Bélgica/ Alemanha/ Itália/ Espanha/ 2004), de Ken Loach, pode ser vista como apenas mais uma história de amor com doses de impossibilidade. Não é – ainda que sua exceção esteja mais no conflito que na execução.

Aqui, Loach deixa um pouco sua vertente operária, que por vezes não (me) convence, para investir em melodrama amoroso com potencial imenso. Ele trabalha com alguns dos principais problemas causados por um relacionamento entre (teoricamente) um muçulmano paquistanês e uma inglesa católica.

Convenhamos, uma coisa teoricamente já saturada é a crítica aos radicalismos e puritanismos de determinadas religiões, mas a sua abordagem ganha força porque exemplifica mais do que fala. Para isso, no entanto, ele não precisa caricaturar demais os que estão nelas. Dentro do possível, ele humaniza todos os lados.

Logicamente, ao se tratar tema tão espinhoso e complexo, pode-se massacrar Loach e seu final aparentemente simplório, como – o que prefiro – pode-se dizer que ele escolheu um final seguro; que os outros podem chamar de covarde.

Ele deixa claro que as polêmicas são muito maiores que seu alcance, e que ele prefere soltar vários questionamentos, não resolvê-los.

Como tratado sobre diferenças, expõe até o que acha válido para o tipo de filme que fez. Menos político e mais romântico. Sem a pretensão de revolucionar, funciona relativamente bem nos dois casos.

Visto no Cine Vivo – Salvador, agosto de 2010.

Filmes da semana:
1. Meu Nome é Sabine (2007), de Sandrine Bonnaire (Sala Walter da Silveira – DVD) (***1/2)
2. Nós que aqui estamos por vós esperamos (1998), de Marcelo Masagão (Cinema da Ufba – DVD) (**1/2)
3. Tudo Pode dar Certo (2009), de Woody Allen (Cinema do Museu) (***1/2)

* Coluna 70mm também publicada em www.pimentanamuqueca.com.br.

Os Mercenários*

2010-08-27T09:23:00.025-03:00

Potencializado por verdade cruel

Se for para escolher apenas uma palavra que resuma o que Sylvester Stallone tem feito desde Rocky Balboa (2006), ela é honestidade – mas a limitação é injusta. O homem que nasceu para ser Rocky, e personificou Rambo, chega em Os Mercenários (The Expendables – EUA, 2010) a uma feliz mistura dos dois; com o adendo de que a clara dose de anacronismo não está no filme, mas nos personagens – o que torna o resultado ainda mais atraente.

Como geralmente acontecia com Rocky, tudo aqui remete a um retorno inesperado na vida real. Não só na premissa e no elenco (com ele, Schwarzenegger, Mickey Rourke e Bruce Willis em filme de ação), mas também no caso de Gunner (Lundgreen).

O Rambo são todos eles, potencializados por viverem em época marcada pelo política e irritantemente correto, que não comporta mais Rambos. Mas comporta cada vez mais gente que faz qualquer coisa por dinheiro, onde se encaixam. Essa é a impressão passada por todos eles, isso é o que eles fazem questão de dizer. No entanto, o que toca é a dignidade (latente ou não) de cada um deles, mercenários por opção.

Na conversa entre Tool (Mickey Rourke) e Barney (Stallone), este pergunta o que pode levar a filha do ditador da ilha de Vilena a não deixar o lugar. “Uma causa”, responde Tool, “nós não temos mais pelo que lutar, ela sim”. Na mesma fala, Tool conta acontecimento que, para ele, marcou a última oportunidade de salvar sua alma. Oportunidade que ele perdeu.

Ali, Rourke e Stallone se confundem com seus personagens, todos passam a representar uma geração alienada – em outra análise, a “década perdida” dos anos 80.

A década onde havia ditadura ou resquícios dela na América do Sul, ditadura que temos no filme. Este fato, todavia, é um subterfúgio, não o foco. Embora o começo na Somália pareça ligado a uma postura política atual, a preocupação de Sly com a vida real parece existir apenas (ou muito mais) para potencializar o efeito do cinema que faz.

É o que acontece quando vemos aqueles senhores de volta à pancadaria, é assim quando vemos Sly apanhar, é assim quando vemos a aparição de Schwarzenegger.

Disfarçada de picaretagem com um quê digno de antologia, assim como quase todos os diálogos (Stallone em parceria com Dave Callaham), a cena começa genial, tanto pelas imagens como pela palavra (“tinha que escolher meu maior rival?”), e termina melhor ainda com um “ele quer ser presidente”.

Nela, novamente, Sly se utiliza de um passado e de um presente de imagens e conceitos coletivos para fazer o cinema turbilhar de maneira que, se está longe de ser a mais brilhante no sentido acadêmico de filmar (o que ele abandonou), é das mais pessoais. Com o mérito maior não para caráter político (que não pode ser levado a sério), não para a decupagem das cenas de ação (ininteligíveis em momentos, competentes na maioria das inúmeras outras vezes), mas para o que ele fez com o seu cinema. Que – outra vez o final é prova disso –, além de não comportar mais emoções baratas, não se resume a uma simples egotrip. O que ele faz é um cinema, e dos bons.

Visto no UCI Multiplex Iguatemi – Salvador, agosto de 2010

8mm

Tinha escrito também um texto (para a 8mm) sobre o bom Apenas um Beijo (2004), de Ken Loach, mas perdi tudo com morte do computador. Como já era quinta, e tinha perdido também o texto sobre Sly, decidi (re)escrever apenas um. Agradeço a compreensão.

Filmes dos últimos 15 dias:

1. Vincere (2009), de Marco Bellocchio (Cinema do Museu) (***)

2. Todas as Noites (2001), de Eugène Green (Sala Walter da Silveira) (***1/2)

3. A Religiosa Portuguesa (2009), de Eugène Green (Sala Walter da Silveira) (***1/2)

4. O Último Mestre do Ar (2010), de M. Night Shyamalan (UCI Multiplex Iguatemi – Cabine de imprensa) (**1/2)

5. Labirinto de Paixões (1982), de Pedro Almodóvar (**1/2) (DVDRip)

6. O Mundo Imaginário de Dr. Parnassus (2009) (**1/2)

7. Apenas um Beijo (2004), de Ken Loach (2004) (Cine Vivo) (***1/2)

8. Os Mercenários (2010), de Sylvester Stallone (***1/2) (UCI Multiplex Iguatemi)

Curta:

9. Doido Lelé (2010), de Ceci Alves (Sala Walter da Silveira) (**1/2)

Melhores do mês:

10. Uma Noite em 67 (2009), de Renato Terra e Ricardo Calil (Cinema da Ufba) (***)

9. Canção de Baal (2010), de Helena Ignez (Teatro Castro Alves) (***)

8. Vincere (2009), de Marco Bellocchio (Cinema do Museu) (***1/2)

7. Todas as Noites (2001), de Eugène Green (Sala Walter da Silveira - DVD) (***1/2)

6. Apenas um Beijo (2004), de Ken Loach (Cine Vivo) (***1/2)

5. A Religiosa Portuguesa (2009), de Eugène Green (Sala Walter da Silveira) (***1/2)

4. Antes que o Diabo Saiba que Você está Morto (2007), de Sidney Lumet (2007) (***1/2)

3. Os Mercenários (2010), de Sylvester Stallone (UCI Multiplex Iguatemi) (***1/2)

2. O Escritor Fantasma (2010), de Roman Polanski (****)

1. À Prova de Morte (2007), de Quentin Tarantino (****1/2)

* Coluna 70mm também publicada em http://www.pimentanamuqueca.com.br/.

Tô Frito

2010-08-21T14:25:00.003-03:00

Especialmente para os soteropolitanos, estreei nessa semana como blogueiro do Terra. Diariamente, de segunda a sexta, escrevo sobre a cidade e minha relação com ela.

Ainda tateio postura. Critiquem: http://tofrito.terra.com.br/blog/bahia

Sem texto

2010-08-20T21:39:00.005-03:00

Por problemas diversos, sem texto nessa semana. Na próxima sexta-feira, no entanto, a 70mm volta à ativa normalmente.

Uma Noite em 67*

2010-08-13T08:55:00.009-03:00

Saudosismo inerente

Exibido em impecável cópia digital (o que é difícil de acontecer e acreditar), Uma Noite em 67 (idem – Brasil, 2010), de Renato Terra e Ricardo Calil, é um filme que se apresenta tão generoso quanto apaixonado pelas imagens do festival que retrata. É um filme que nasce inevitavelmente velho e datado, mas sem a impressão de que isso seja ruim. Por outro lado, a paixão e o respeito que cativam são os mesmos que, aparentemente, assumem o protagonismo ao prejudicar o ritmo e fazer o filme flertar com um mais do mesmo que beira ou atinge a monotonia.

Temos aqui o último dia do festival de 67, que incluiu, entre outros, Chico Buarque, Roberto Carlos, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Edu Lobo, Sergio Ricardo e Os Mutantes. São longos períodos sem cortes, músicas executadas e reexibidas na íntegra, com introdução e aplausos/vaias incluídos.

Os depoimentos atuais são, digamos, submissos ao passado. (Bem diferente, por exemplo, de Filhos de João, de Henrique Dantas, documentário sobre os Novos Baianos onde a importância maior é do presente e dos casos e causos contados.) O filme não é o que ele conta, mas o que já foi contado, aqui acrescentado de uma ou outra nuance atual – e projetado em tela grande.

Nesse ponto, a atitude é tão humilde quanto louvável. Não temos, hoje em dia, nem uma televisão com tamanha ousadia, nem plateia tão ensandecida. Pode-se falar, com razão, em público mal educado, mas a falta de educação que existiu em alguns momentos era também símbolo de um caráter crítico e apaixonado daqueles ali presentes.

Os momentos eram outros, vigorava a ditadura, mas também era uma época em que ser um músico sorridente e carismático não significava, necessariamente, ser imbecil.

É verdade, todavia, que o ritmo do filme se perde, até porque é complicado manter a toada quando grandes blocos são entrecortados com depoimentos que vão de poucas frases a divagações grandes – os 85 minutos parecem muito mais.

Ainda assim, um mérito gigantesco de Uma Noite em 67 é exibir uma força descomunal que já teve a música popular (e em escala menor, até a TV) brasileira. Formada por pessoas que, como filmadas, não são mitificadas (até porque não mais precisam, em alguns casos), e se mostram de carne, osso, talento e imperfeições. São, como merecem, respeitadas. Como o passado e o que fizeram, o que o filme mostra com tanta modéstia quanto orgulho.

Visto no Cinema da Ufba – Salvador, agosto de 2010.

Filmes da semana:
1. Antes que o Diabo Saiba que Você está Morto (2007), de Sidney Lumet (DVD) (***1/2)
2. Uma Noite em 67 (2009), de Renato Terra e Ricardo Calil (Cinema da Ufba) (***)
3. À Prova de Morte (2007), de Quentin Tarantino (Cinema da Ufba) (****1/2)

Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

A Origem*

2010-08-06T08:58:00.010-03:00

Sonhos diluídos

Não tenho dúvidas de que A Origem (The Inception – EUA, 2010), de Christopher Nolan, é um filme cheio de boas ideias. O problema é que todas elas (via roteirista-diretor, aqui a mesma pessoa) se mostram mais apaixonadas por si mesmas que interessadas em serem transpostas para a tela.

Temos a realidade, o sonho, os sonhos dentro dos sonhos, a intenção de inserir uma idéia na cabeça de outro. Ou seja, temos idas e vindas, temos a falta de controle, temos dúvidas. Temos um caleidoscópio fascinante e megalômano, temos ficção científica.

Em meio a isso, Nolan ainda tem a audácia de nos jogar ideias que, provavelmente, são muito mais interessantes lidas que faladas como foram. Ele parece evocar Freud e afins, mas não se lê Freud com a mesma velocidade e postura que se lê uma (específica) burocrática matéria jornalística que, passados 30 segundos, você não lembra mais do que leu.

Quando um filme de gênero (aqui, de mescla de gêneros – ação e ficção científica) traz tanta densidade de conteúdo, é necessário um mínimo de tempo para respiração. Tudo indica, todavia, que a crença de Nolan estava, prioritariamente, no texto, até porque não visualizo ninguém que passe (a confirmar veracidade disso) dez anos escrevendo cenas de ação – o tempo gasto com elas, naturalmente, é muito maior durante e depois das filmagens. Mas as palavras de Nolan, nas quais ele tanto parecia crer, não importa na boca de quem esteja (Di Caprio, Ellen Page ou Marion Cotillard), ou já nascem mortas, ou morrem por asfixia.

Soa evidente que ele queria fazer de A Origem algo além do heroísmo de quadrinhos (de seus dois Batman – Begins e O Cavaleiro das Trevas), do malabarismo temporal (Amnésia), e de truques de mágicos (O Grande Truque). Como diretor, no entanto, ele não consegue sair da ação genérica (ou competente, a depender do ponto de vista) como norte de seu jeito de dirigir.

O maior diferencial de A Origem, no fim das contas, está na imagem; mas ela deslumbra muito mais pelo cuidado em filmá-la tão crível, do que pelo que ela, de fato, diz – e não sei se essa foi a intenção. Sobra gordura (seja no excesso de informação falada, seja na duração de cenas de ação que pouco dizem), e falta a capacidade de dar ao espectador a possibilidade de refletir sobre o que ele, Nolan, tão cuidadosamente escreveu e revisou. Longe de ser medíocre, é uma pena por se perder entre o potencial (do filme) e o que (ele) poderia – ou gostaria de? – ser.

Visto, em cabine de imprensa, no UCI Multiplex Iguatemi – Salvador, agosto de 2010.

8mm
O Escritor Fantasma (2010), de Roman Polanski, se aproxima da mistura ideal entre minimalismo de câmera, elegância, boas referências e, obviamente, talento. Como se não bastasse o término monumental (uma panorâmica que termina em angulação teoricamente não indicada em aulas de direção, um brinde, a busca por ele, e – por fim – vários segundos de câmera parada), vale destacar a trilha sonora e a presença de quase um mito.
Alexandre Desplat, colaborador de Jacques Audiard mas assentado em Hollywood (Lua Nova, O Fantástico Dr. Fox, Benjamin Button), faz um trabalho primoroso na potencialização da atmosfera sombria do filme. E, prestes a completar 95 anos, podemos ver Eli Wallach, o Tuco de Três Homens em Conflito: O Bom, o Mau e o Feio (1966). Depois dos 80, ele trabalhou com Polanski e Eastwood – em Sobre Meninos e Lobos (2003). Nada mal.
Ps: Filme para lá de acessível, já tinha saído de cartaz da cidade, mas voltou graças à Sessão Cinecult, projeto do Cinemark. Que lá prossiga essa semana.

Filmes da semana:
1. O Escritor Fantasma (2010), de Roman Polanski (Cinemark) (****)
2. A Origem (2010), de Christopher Nolan (Multiplex Iguatemi – cabine de imprensa) (**)
Semcine (sexta, 30 – sábado, 31):
3. Canção de Baal (2010), de Helena Ignez (Teatro Castro Alves) (***)
4. Dawson Isla 10 (2009), de Miguel Littín (Teatro Castro Alves) (***)

* Coluna 70mm também publicada em www.pimentanamuqueca.com.br.

À Prova de Morte*

2010-07-30T09:16:00.021-03:00

À prova de riscos

A sensação de ver e rever À Prova de Morte (Death Proof – 2007, EUA), filme de Quentin Tarantino anterior a Bastardos Inglórios (2009) e só agora lançado no Brasil, equivale à (para mim hipotética) experiência vivida por um piloto de Fórmula-1 durante uma volta em circuito ideal de alta velocidade. Embora já tenhamos uma noção, graças ao resto do espaço, de como a velocidade tende a aumentar, a largada acontece já próxima da primeira curva, e a volta se inicia lenta. As outras quedas de velocidade são cuidadosas pausas para evitar que piloto e público se entediam em meio a toda aquela velocidade e volúpia, a princípio latentes, e que atingem o ápice – e o consequente risco – em dois momentos: no final da primeira metade e, após outras freadas calculadas, no (pré) término. Essa parte final, dentro da modalidade popular, foi feita sob medida para ter a maior reta, disfarçada de duas devido a uma discretíssima chincane no meio de ambas. Graças a essa ínfima queda de velocidade, o circuito foi liberado pelas atuais normas de segurança. A observação, importante para a experiência, é que o piloto despreza não só quase todos os atuais mecanismos de controle, como quase todos os carros atuais – inevitavelmente mais seguros. Ou seja, a experiência, dentro do quesito velocidade, é a absurdamente mais crua que qualquer coisa feita nos dias de hoje.

Tudo em À Prova de Morte remete a um tempo e espaço, só que eles não dizem respeito apenas aos anos 1970 (com piscadelas para a década de 1950), nem somente às Grindhouses, dos filmes-B exibidos com cópias mal-tratadas. Sem cerimônia alguma, em meio a inúmeras auto-citações, Tarantino se assume como grife, com o cuidado de evitar que isso se transforme em puro exercício narcisista. Não temos um límpido e específico cinema retrô, nem uma egotrip. Em meio ao perigo assumido por flertar descaradamente com os dois casos, temos a mistura ideal. Primeiro um cinema, depois Tarantino; nessa ordem, mas com relevância nas duas qualificações.

Se comparado a Bastardos Inglórios, a depender do ponto de vista, mal parece o mesmo diretor. No último, ele é mais contido no ritmo, nos diálogos, com um flerte mais europeu e sóbrio com a narrativa de filme histórico. Que, por outro lado, jamais sobrepõe o caráter de reconfiguração, de ficção, de cinema; e a crença no meio pelo qual se expressa é, provavelmente, a maior ligação entre Bastardos e À Prova de Morte.

A falação desenfreada (que às vezes parece excessivamente acelerada), as sequências musicais, o blaxploitation, tudo remete mais a Cães de Aluguel (1992), Pulp Fiction (1994) e Jackie Brown (1997). Pode-se dizer que, se em Bastardos Inglórios ele atingiu sua maturidade como cineasta, em À Prova de Morte ele atingiu o ápice de sua adolescência. Só que a maioridade, nesse caso, não é superior à adolescência – nos dois casos, Tarantino mostra seus diferentes, talvez até opostos, melhores.

É verdade que a vingança permeia os quatro últimos filmes (completam a lista os dois Kill Bill) de Tarantino, mas isso não o torna monotemático – a vingança é, no máximo, a motivação, o ponto de partida para temas e resultados bem mais abrangentes. Entre outras coisas, Kill Bill é um filme de amor, e Bastardos Inglórios é uma reflexão sobre o cinema e sobre existir apenas nele (de diferentes maneiras, o que permeia toda a obra de QT).

Em À Prova de Morte, no entanto, temos uma homenagem não apenas ao passado, mas a um passado específico e, de certa forma, marginalizado: carros hiper-potentes, cinemas, seriados (até Vega$, idealizado por Michael Mann) e, principalmente, os dublês – antes de, muitas vezes, serem substituídos por computação gráfica. Prova é que, se a empatia por Zoe Bell (por ela mesma, que foi dublê de Uma Thurman em Kill Bill) é criada pelo mecanismo mais simples do “vou me vingar e você sabe o porquê”, a ligação com Stuntman Mike é simplesmente pelo carisma e pela sagacidade trazidos por Kurt Russell e por Tarantino. A homenagem aos filmes-B, aos filmes de slasher (diferença é a arma aqui: um carro), a maneira arriscada de ver (e às vezes suicida de fazer) filmes, tudo funciona como uma amplificação de um tipo de cinema e de pessoas – às vezes esquecidas.

No final da primeira metade, Tarantino se arrisca ao mostrar um acidente inacreditável, no qual ele não só sublinha sua maneira de filmar o ato, como passa um marcador de texto na perspectiva de todos os envolvidos. Ele não se expõe apenas uma vez em presunçoso acidente, e sim quatro vezes mais ao filmar todas as “opções” possíveis.

O que melhor descreve a experiência de À Prova de Morte não é somente uma mescla ideal entre energia e adrenalina, mas uma questão de fé. O resultado é obtido de tal maneira apenas no cinema, e graças a alguém que acredita piamente nele. Mesmo que de maneira distintas, ou também por isso, seus dois últimos filmes são a maior prova de uma religião.

8mm
Semcine (dia a dia)
Segunda-feira
Primeiro a exibição de Ao Sul da Fronteira (2009), de Oliver Stone, extremo oposto do que é veiculado, é verdade, mas que corre o risco de se tornar tão ingênuo quanto o que combate; vale mais por ser oposição do que por ser uma oposição a ser levada a sério.
No debate pós-filme, tivemos o co-roteirista Tariq Ali, paquistanês que vive na Inglaterra; Miguel Littín, chileno já conhecido do Seminário; e Gustavo Dahl como mediador. Uma monumental fome não me deixou ficar até o fim, mas pude ver Ali dizer, por exemplo, que algumas faculdades na Inglaterra (até na Inglaterra!) têm tirado Filosofia da grade curricular – e pelo que disse, não são exatamente exceções.
Ponto pior, no entanto, foi o caso de Dawson Isla 10 (2009), de Miguel Littín, previsto para encerrar a noite e que teve sessão cancelada graças a blecaute sofrido pelo TCA. Depois de fazer público de ioiô (“entrem na sala”, “evacuem a sala”), aproximadamente uma hora depois da queda de energia, sessão foi oficialmente cancelada; e posteriormente adiada para o encerramento do festival, amanhã.

Terça-feira
Só assisti ao Desajuste Social (1961), de Pier Paolo Pasolini. Bem acessível para seus padrões revolucionários, teve exibição prejudicada devido ao formato da sala do ICBA – Instituto Cultural Brasil-Alemanha. Graças à disposição das cadeiras para o teatro, ninguém fica em frente à tela. Crueldade com a coluna.

Quarta-feira
Ótima mesa redonda sobre montagem. Ao se falar sobre uma suposta autoralidade da função, Susan Korda (montadora bissexta e professora) disse que “o único autor do filme é o roteirista. Todos os outros são intérpretes”. Mais inspirada do dia, contou casos de Billy Wilder, Ridley Scott e Francis Ford Coppola, e disse ainda que duas das perguntas feitas nas test screenings (sessões teste antes dos filmes estrearem) que realmente funcionam são “onde você sentiu tédio?” e “onde você se sentiu confuso?”. Já Peter Przygoda (parceiro dos bons tempos de Wim Wenders) fez questão de salientar o caráter trabalhador da função, enquanto Ricardo Miranda (editor de, entre outras coisas, A Idade da Terra, de Glauber Rocha) falou muito na escola soviética, na qual é especialista. Isabelle Rathery (que já trabalhou com Jacques Doillon e Walter Salles), embora aparentasse muito conteúdo, pareceu se debater entre o esforço em falar novamente o português e o simples rebater o debate. Que, infelizmente, perdeu o interesse quando começou a eterna (e geralmente infrutífera) discussão sobre indústria americana e autoralidade europia – insuflado até por um espectador, quando microfone veio para plateia. O que faz sentido, e que dá boas conversas de bar, mas não dá para gostar de boas conversas de bar em um seminário com pessoas que podem oferecer bem mais.
À tarde não aconteceu debate nenhum, até onde vi. Em quase um hora, um dos quatro presentes sequer tinha se apresentado, graças a longas auto-promoções e poucas idéias de fato sobre O Presente da Imagem em Movimento. Valorizei meu tempo.

Quinta-feira
Embora tenha fugido do tema (Dramaturgia nas Telas), mesa redonda valeu especialmente por Lucrecia Martel, que se juntou a Susan Korda como a que mais acrescentou ao Seminário através das palavras. A diretora argentina (O Pântano, Menina Santa) falou sobre a dificuldade histórica de seu povo reconhecer o castelhano como um idioma cinematográfico. De maneira bem pessoal, e deixando clara que se tratava de uma impressão, lembrou que, na Guerra das Malvinas, o governo mentia ao dizer que o país estava ganhando, o que – na opinião dela – contribuiu para uma descrença do povo no seu próprio idioma. No entanto, graças ao mesmo conflito e no decorrer do tempo, rádios passaram a não tocar músicas inglesas, o que abriu espaço para a música em espanhol. O que trouxe uma nova identificação, uma certa confiabilidade do povo com o idioma.
Martel também falou de sua estreita ligação com o som, uma vez que as histórias ouvidas na família que funcionaram como principal motivação para a carreira de cineasta. Lembrou ainda a importância de sotaques, de diferentes maneiras de se expressar, e (pena não lembrar citação exata) deu uma linda alfinetada no assassinato que a TV faz com a língua falada e suas variantes.
O franco-israelense Ariel Schweitzer deu uma amostra do material do brasileiro-israelense David Perlov, e seu Diários de Perlov, cujos 10 minutos de projeção foram o suficiente para atrair algum interesse. Dois brasileiros também contribuíram, perdão, mas me foge agora o que falaram.
Na Oficina de Montagem, à tarde, Susan Korda voltou a se mostrar espirituosa, com boa didática e capacidade para diálogo. Mostrou imagens de Tubarão e Bonnie e Clyde, assumiu ser influenciada por Walter Murch (montador de Apocalipse Now, O Paciente Inglês e tem no livro Num Piscar de Olhos uma das bíblias da edição) e se mostrou claramente americana. Mesmo muito boa, e bem intencionada ao querer fugir um pouco (e só um pouco) da parte obviamente estúpida dos screening tests de Hollywood, debate caiu bem ao mostrar um curta e pedir opinião do público. Ela fez questão de dizer e repetir que espectadores não deveriam fazer perguntas, mas depoimentos. Na 30ª, ainda tinha gente que questionava. Educada e paciente, essa Susan.

Ps1: Em O Sarcófago, tão interessante quanto falho curta de Daniel Lisboa, áudio do TCA voltou a irritar. No filme seguinte, já ok.

Ps2: Nos Filmes do mês, não entra nada do Semcine – que vai até amanhã (31).

Filmes da semana:
1. O Escafandro e a Borboleta (2008), de Julian Schnabel (DVDRip) (****)
2. Juana La Loca (2001), de Vicente Aranda (**1/2)

Semcine (vistos até quinta-feira – 29):
1. Ao Sul da Fronteira (2009), de Oliver Stone (Teatro Castro Alves) (**1/2)
2. Desajuste Social (1961), de Pier Paolo Pasolini (ICBA – DVD) (***)
3. Immobilité (2008), de Mark Amerika (Teatro Castro Alves) (aguentei só dez minutos)
Curtas:
4. O Sarcófago (2010), de Daniel Lisboa (Teatro Castro Alves) (**1/2)
5. Six Dollar Fifty Man (2009), de Mark Albison e Louis Sutherland (**1/2)

Filmes do mês:
10. Um Americano em Paris (1951), de Vincente Minelli (DVDRip) (***)
9. O Professor Aloprado (1963), de Jerry Lewis (DVDRip) (***)
8. O Show deve continuar (1979), de Bob Fosse (DVDRip) (***)
7. Cabaret (1972), de Bob Fosse (DVDRip) (***)
6. A Riviera não é Aqui (2008), de Dany Boon (Cinema do Museu) (***1/2)
5. Toy Story 3 (2010), de Lee Unkrich (Cine Orient – Shopping Barra) (***1/2)
4. De Olhos Bem Fechados (1999), de Stanley Kubrick (DVD) (****)
3. O Escafandro e a Borboleta (2008), de Julian Schnabel (DVDRip) (****)
2. À Prova de Morte (2007), de Quentin Tarantino (UCI Multiplex Iguatemi) (****1/2)
1. La Jetée (1962), de Chris Marker (DVDRip) (*****) – curta

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

A Riviera não é Aqui*

2010-07-23T09:45:00.008-03:00

Risos diferentes

A Riviera não é Aqui (Bienvenue chez les Ch’tis – FRA, 2008), de Dany Boon, é dos casos em que a comédia é maior que o filme; ou seja, a ideia de fazer rir se torna obsessão, sem necessária relação com qualidade final – ou a falta dela. Aqui, esse caráter obstinado pelo riso, felizmente, se alia a um esmero para a feitura do produto como audiovisual, e o resultado é delicioso.

Desde créditos iniciais, somos apresentados a parte do mapa da França, que o personagem principal percorre de sul a norte; região mais fria, chuvosa e com sotaque e dialeto diferenciados para onde Phillipe (Kad Merad) se muda. Boon trabalha com muito do que é clichê em qualquer adaptação e mudança de ambiente, só que com caráter regionalizado. O que se nos leva a pensar que somente os franceses podem captar tudo que existe ali, de bom e de ruim, de caricatural e de verossimilhante.

Para um não francês – especificamente, alguém que entende apenas um pouco da língua e tudo que sabe de lá é sem nunca ter ido –, tudo isso se torna secundário, e o que fica é a comédia. O texto e as gags visuais, mesmo gritantes em alguns raros momentos, são maravilhosos. O momento em que lhe é dito que algo de ruim acontecerá (comparação com Paris), o espasmo de deficiente, as paradas da Polícia, a mudança da mulher, a recepção dos nortistas em solidariedade a ele – não são poucos os momentos dignos de nota.

Ponderado o desafio, o sucesso também vale para a tradução usada no Brasil – ou pelo menos à cópia que, essa semana, esteve no Cinema do Museu em Salvador. Ainda que a tradução tenha passado a ideia de que o sotaque do norte da França, no geral, seja equivalente ao carioca (o que me parece não ter sentido), foi uma saída, e difícil cravar em outra como indiscutivelmente melhor.

Em meio a essa incapacidade geográfica de total absorção da obra, fica a comédia. E A Riviera não é Aqui, como tal, é bem boa.

Visto no Cinema do Museu – Salvador, julho de 2010.

8mm
* A Riviera não é Aqui, enquanto esteve em exibição na França, conseguiu um público de 20 milhões – o país tem 65. Com 190, nosso filme de maior alcance interno recente (Se Eu Fosse Você 2) levou 6 milhões às salas; e o maior da história nacional (quando o brasileiro ia ao cinema), é Dona Flor e seus Dois Maridos (1976), que sequer chegou a 11.

* Será que só eu não gostei de Brilho de uma Paixão (2009), de Jane Campion?

Filmes da semana:
1. Cabaret (1972), de Bob Fosse (DVDRip) (***)
2. A Riviera não é Aqui (2008), de Dany Boon (Cinema do Museu) (***1/2)
3. A Todo Volume (2008), de Davis Guggenheim (DVDRip) (**1/2)
4. O Show deve continuar (1979), de Bob Fosse (DVDRip) (***)
5. À Prova de Morte (2007), de Quentin Tarantino (UCI Multiplex Iguatemi) (****1/2)
Curta:
6. La Jetée (1962), de Chris Marker (DVDRip) (*****)

* Coluna 70mm também publicada em www.pimentanamuqueca.com.br.

Encontro Explosivo*

2010-07-16T11:34:00.008-03:00

Assexuada corrida contra o nada

Encontro Explosivo (Knight and Day – EUA, 2010), de James Mangold (Garota, Interrompida; Identidade; refilmagem de Os Indomáveis), é um filme que oscila entre o competente e o medíocre. Em cenas de ação, Mangold tem mão segura, auxiliada por computação gráfica igualmente ok, enquanto o roteiro investe em contorcionismos que buscam o “nada é o que parece”, assim como tenta percorrer o maior número possível de lugares turísticos. Nesse segundo quesito, a ligação com Transformers faz sentido, com restante e resultado não muito diferentes.

Desde a abertura, o som busca uma imponência que logo se transforma em falta de educação. Por mais que pese a incerteza se culpa é do sistema da sala ou do filme, áudio quer atenção não pela competência e fluência do uso do Dolby Surround, mas pela ditadura do volume.

Mas se as imagens, por outro lado, estão bem domadas nas mãos de Mangold, elas também se mostram burocráticas. Ele tem mérito por trabalhar com um filme de ação, e com tantas ações, sem parecer que os cortes são excessivos, ainda mais nos dias hoje. Verdade que o filme quase nunca respira, mas o problema aí é do roteiro: não é fácil transpor para menos de duas horas filmagens em tantos cartões postais e com tanta munição a ser distribuída. Não à toa, quando Patrick O’Neil resolve brincar de “ele é”, “ele não é”, “o outro que é” em roteiro já tão preocupado e comprometido com outras coisas, fica impressão de furo na história. Quando nos convencemos de onde, de fato, vem a falcatrua, graças a uma imagem cuja hipotética réplica não adianta (fim, temos um culpado), somos levados a outra reviravolta.

Como? O que importa é que Tom Cruise e Cameron Díaz fiquem juntos – Roy Miller e June Havens, sabemos, são subterfúgios. O pudor ao (não) se filmar sequer a nudez, aliado ao prazer de ambos em estar próximo do perigo e de armas, passa uma gigantesca impressão de que os dois não têm libido. Quando ele enfim mostra algum tesão (ou o filme quer que a gente acredite nisso), faria sentido se ela dissesse que ele era mais sensual com armas na mão; até porque, nesse momento, ela está sob o efeito de um efeito de espécie de “soro da verdade”.

Mas se o “soro da verdade”, inevitavelmente, lembra Kill Bill (2003), a época do lançamento e parte do gênero de Encontro Explosivo coincidem com À Prova de Morte (2007) outro de Quentin Tarantino e que chega ao Brasil mais de três anos após lançado em Cannes. Nele, tem-se basicamente duas perseguições de carro, um acidente, e duas ou três maiores mudanças de locações, com assumida pinta de diversão vagabunda, barata e com computação gráfica nula. Bem menos em quantidade na descrição, bem mais em ação e energia.

Em Encontro Explosivo o importante é evitar que alguém se distraia até que vejamos Cameron Díaz e Tom Cruise juntos, mesmo que não exista nada que convença, nem explícito (o filmar o desejo e afins), nem implícito (através de detalhes não diretamente ligados ao sexo). Quando se pensa em 007 (com o que isso aqui muitas vezes parece), mesmo nos piores momentos daquele, impressão é de filme assexuado. Que poderia investir no que tem de melhor, via roteiro antes de se enrolar de tanto contorcer-se, e pela competência nas cenas de ação. Achou melhor não.

Visto, em cabine de imprensa, no UCI Multiplex Iguatemi – Salvador, julho de 2010.

8mm
Outro encontro explosivo
Várias auto-citações e divagações fílmicas que remetem à falação desenfreada de Pulp Fiction (1994) e Cães de Aluguel (1991) – parece uma versão feminina deste –, um acidente, o ritmo, a cena, a dança. Enfim lançado no Brasil, a primeira sessão (para mim) de À Prova de Morte (2007) conseguiu ser mais ambígua que a de Bastardos Inglórios (2009); embora sejam abordagens distintas. Não sei se é uma decepção em meio a sequências monumentais, não sei se é fabuloso com calculado tempo apenas para respirar. Seja como for, talvez tenha as sequências menos esquecíveis de Tarantino.

Concorrência
O filme entra em cartaz hoje, em semana que temos, com todos ainda em muitas salas, Toy Story 3, Shrek para Sempre e Eclipse, além de Encontro Explosivo. Por mais que sejam públicos diferentes (e Toy Story, o outro que vi, seja muito bom), são quatro – quatro! – filmes gigantes nas suas pretensões financeiras, o que leva a uma grande ocupação de salas. Concorrência por elas será difícil para À Prova de Morte, que deve ficar restrito a sessões noturnas. Que me lembre, e tenha consultado, apenas O Aprendiz de Feiticeiro tem tamanho equivalente aos outros, e está previsto para apenas 6 de agosto. Como um não especialista em marketing, não vejo nexo em, depois de três anos de molho (graças à Europa Filmes, detentora original dos direitos de exibição no Brasil), não esperar mais uma ou duas semanas para lançá-lo.

Filmes da semana:
1. A Viagem (1967), de Roger Corman (DVDRip) (**1/2)
2. À Prova de Morte (2007), de Quentin Tarantino (Cine Vivo) (****)
3. Síndromes e um Século (2006), de Apichatpong Weerasethakul (DVDRip) (**1/2)
4. Encontro Explosivo (2010), de James Mangold (UCI Multiplex Iguatemi) (**1/2)
5. Pele de Asno (1970), de Jacques Demy (DVDRip) (***)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Toy Story 3*

2010-07-09T09:09:00.004-03:00

Repita, por favor

15 anos após a estreia no longa-metragem com o primeiro Toy Story, a Pixar, de fato, se firmou como o primeiro estúdio a ser estrela de cinema – como twittou o crítico Roger Ebert. Com o terceiro filme da franquia (Toy Story 3 – EUA, 2010), de Lee Unkrich, e toda uma indiscutível autoria construída ao longo dos anos (Procurando Nemo, Ratatouille, Wall-E), temos um compreensível mais do mesmo – só que com irresistível toque de reciclagem e reinvenção.

“Quando você não tem um dono, você para de sofrer”, por exemplo, é um raciocínio não tão assimilável para crianças, e nem é o único da mesma linha em Toy Story 3. O que não quer dizer que a Pixar (via Unkrich) intelectualize a infância e tudo que a permeia, mas sim que ela consegue trabalhar com uma orquestração que, disfarçada de filme infantil, permite interpretações que levam a simbologias e metáforas sobre crescer, sobre se relacionar, sobre a vida. E, o que é melhor, com a naturalidade de uma criança com seu brinquedo preferido.

Até o desfecho, bem magro dentro do gênero, traz no fundo uma dura sensação de inevitabilidade do caráter transitório de tudo na vida. Temos fim de um amor, de uma etapa, de ilusões; sem que a convicção da tristeza final impeça a beleza de vir à tona.

Embora talvez não tão brilhante como o melhor da Pixar, Toy Story 3, pelo menos, mantém um nível decente. É cinema de (e também para) gente grande.

Visto no Cine Orient – Shopping Barra.

Filmes da semana:
1. O Professor Aloprado (1963), de Jerry Lewis (DVDRip) (***)
2. Um Americano em Paris (1951), de Vincente Minelli (DVDRip) (***)
3. A Jovem Rainha Victoria (2009), de Jean-Marc Vallée (Cinema do Museu) (**)
4. De Olhos Bem Fechados (1999), de Stanley Kubrick (DVD) (****)
5. Toy Story 3 (2010), de Lee Unkrich (Shopping Barra) (***1/2)
6. Patrick 1,5 (2008), de Ella Lemhagen (Cinema da Ufba) (**)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Brilho de uma Paixão*

2010-07-02T15:42:00.007-03:00

Vitória do impresso

Em Brilho de uma Paixão (Bright Star – Reino Unido/ Austrália/ França, 2009), Jane Campion mostra o que parece ser um alter-ego sem talento. Ao revisitar temas, sentimentos e tipos de abordagens, ela não se apresenta, por exemplo, como a mesma diretora de O Piano (1993). Visto Brilho de uma Paixão, é inevitável pensar que ela fez este como um rascunho para o outro – o que, óbvia e infelizmente, não é o caso.

Ainda que baseado na biografia de John Keats (1795-1821) por Andrew Motion, o que temos aqui é a relação de Keats (Ben Whishaw) – um dos maiores poetas britânicos do romantismo –, no final da vida, com Fanny Brawne (linda e ótima Abbie Conish, que parece irmã de Jack White). Temos um homem romântico, uma mulher mais jovem que mostra paixão recíproca, e a impossibilidade de ficarem juntos – por alguns motivos, mas especialmente pela falta de condições para Keats pagar as contas.

É Campion em retorno ao biofilme sobre personagem literário, como em Um Anjo em Minha Mesa (1990), quando falou sobre a (conterrânea) neo-zelandesa Janet Frame. Só que, ao abordar o poeta britânico, Campion cai em todas as armadilhas possíveis.

Poemas são recitados sem a fruição que podem ter quando lidos, e sem o poder que a mise-en-scène pode oferecer. O mel jogado na tela, mesmo não excessivo, é o suficiente para tirar a sensualidade melancólica ali presente. E os pequenos detalhes que envolvem a relação, um dos pontos altos do filme, parecem fracos quando vemos Conish em sintonia diferente da de Whishaw – e isso não em termo de situação social no filme, mas de atuação mesmo.

Todo o apego de Campion ao texto, a Keats e à dor dele, é tão perceptível quanto prejudicial à imagem. Até no final, quando ela nos lembra que Keats morreu sem ser reconhecido e que hoje é tido como expoente do movimento, a impressão é de que o personagem e sua obra só ficam maiores quando postos ao lado do filme. É quando a paixão, bem perceptível, atrapalha mais que cativa a transposição e o resultado.

Visto no Cinema do Museu – Salvador, junho de 2010.

Filmes da semana:
1. O Corvo (1943), de Henri-Georges Clouzot (DVDRip) (***)
2. Brilho de uma Paixão (2009), de Jane Campion (Cinema do Museu) (**)
3. Paris, Texas (1984), de Wim Wenders (DVDRip) (****)
4. Sissi (1955), de Ernst Marischka (**)
Curta:
5. Futebol Além dos Sentidos (2010), de Luciana Queiroz (Espaço Unibanco – Glauber Rocha) (**1/2)

Filmes do mês:
10. O Profeta (2009), de Jacques Audiard (Espaço Unibanco – Glauber Rocha) (***1/2)
9. Cidade Baixa (2003), de Sergio Machado (DVD) (***1/2)
8. Ligações Perigosas (1988), de Stephen Frears (DVD) (***1/2)
7. Batalha no Céu (2008), de Carlos Reygadas (sala Walter da Silveira) (***1/2)
6. Ascensor para o Cadafalso (1957), de Louis Malle (DVDRip) (****)
5. O Demônio das 11 Horas (1965), de Jean-Luc Godard (DVDRip) (****)
4. Na Cidade de Sylvia (2007), de José Luis Guerín (DVDRip) (****)
3. Inimigos Públicos (2009), de Michael Mann (DVD) (****)
2. Paris, Texas (1984), de Wim Wenders (DVDRip) (****)
1. A Infância de Ivan (1962), de Andrei Tarkovsky (DVDRip) (****1/2)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Um Homem Sério*

2010-06-25T15:17:00.007-03:00

Desinteresse ultrapassado

Três das palavras que sempre remetem aos irmãos Coen (Fargo, Onde os Fracos não têm Vez, Queime Depois de Ler) – e que estão longe de serem as únicas – são cinismo, pessimismo (ou fatalismo, a depender do ponto de vista) e humor. De maneira bem característica e específica, os dois nos acostumaram, por exemplo, a não ver uma comédia facilmente identificável como tal, mas um filme que provoca o riso típico do que é assinado por eles. Esse caráter bem próprio vem anabolizado em Um Homem Sério (A Serious Man – EUA, 2009), no qual eles parecem querer elevar à última potência tudo de disparatado que caracteriza o cinema de ambos – sem deixar de lado a força do acaso (cuidadosamente feito à maneira deles), o descaro, e a tentativa de fazer rir através de variações do absurdo. Com o importante adendo de que, dessa vez, nada funciona.

Os irmãos mostram todo seu sadismo na vida de Larry Gopnik (bom Michael Stuhlbarg), e todo o prazer em serem meticulosos ao enquadrar no resto da projeção. O culto ao nonsense, ao invés de interessante – entre outros motivos – pelo imprevisível, chega a um nível tão elevado que o efeito obtido passa a ser apenas o colateral.

A vontade de mostrar o não narrativo, o que está ali apenas porque eles querem (e não porque ajuda no desenrolar da história), o pouco imaginável para tantas pessoas e em tantas vezes, leva o filme a uma espécie de arbitrariedade excessiva, o que leva a uma quase apatia. Nesse sentido, Um Homem Sério se mostra como o filme do desinteresse – mas não, como talvez tenham pensado os irmãos, sobre pessoas desinteressadas com a vida fora do judaísmo, mas sim um filme desinteressado e que se torna desinteressante.

Se responder nunca foi um forte dos Coen (e muito do que de melhor existe neles vem do não responder), aqui eles não perguntam e nem provocam. Não se trata da zona de conforto do autor, mas sim do sublinhar o que os levam a ser vistos como tais, com o porém de que esse destaque torna as obsessões (do tema à abordagem) mais salientes que a força do resultado.

É verdade que abertura e fechamento, com a ideia aberta ao funesto, trazem uma muito bem vinda ironia ao ouvirmos Somebody to Love. Em meio à maluquice onde vivem, é válido perguntar: você não quer (ou não precisa de) alguém para amar?

No entanto, é lamentável que, no restante do filme, a impressão é de que eles não queriam alguém para amar, mas algo para filmar. Não encontraram – mas o fizeram mesmo assim.

Visto no Cine Vivo – Salvador, junho de 2010.

8mm
Enebriado
O português Manoel de Oliveira (Um Filme Falado, A Carta e mais algumas pérolas), independente de estar na ativa aos 101 anos, é e será sempre ídolo. Mas em Sempre Bela (2006) a sensação foi de alguém que, de uma vez, resolveu demonstrar seu (provavelmente eterno) estado enamorado por Paris, Luís Buñuel e a mise-en-scène. O melhor do filme está justamente nessa última, mas o potencial dele além dela (pouco maior que a homenagem e com consciência disso) parece ter se perdido em meio a tanta paixão.

Filmes da semana:
1. Um Homem Sério (2009), de Joel e Ethan Coen (Cine Vivo) (**)
2. A Infância de Ivan (1962), de Andrei Tarkovsky (DVDRip) (****)
3. Sempre Bela (2006), de Manoel de Oliveira (Espaço Unibanco – Glauber Rocha) (**1/2)
4. Índia, Amor e Outras Delícias (2006), de Pratibha Parmar (Cinema do Museu) (*1/2)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Cascalho*

2010-06-18T08:30:00.009-03:00

Espasmos chapados

Cascalho (idem – Brasil, 2008), adaptação do romance de Herberto Sales e exibido na última semana na sala Walter da Silveira, é o primeiro longa-metragem de Tuna Espinheira (O Cisne Também Morre, Viva o 2 de Julho), baiano com mais de 30 anos de carreira como documentarista. Aqui temos ganância, sonho e repressão na Bahia – Chapada Diamatina – dos anos 30, época do garimpo e de sua decadência, mas também de resquícios da escravidão em meio à possibilidade de independência dos negros. Ou seja, temos tema e tipos de relações já tratadas e retratadas, em um ambiente e época (no Brasil) nem tanto. O que, aliado à sugestiva abertura, pode levar à ideia do filme como um estilizado cartão de combate, embora seu interesse maior esteja na busca pelo prazer e pelo poder que movem seus personagens. Por outro lado, a mesma abertura se junta às três últimas sequências (um mesmo grupo) como resumo de todo o resto – e isso é tanto um elogio pela força delas como uma crítica pela falta de peso da maior parte do recheio.

Na primeira cena, espécie de prólogo que antecede créditos iniciais, temos uma tensa conversa que aborda o conflito entre propriedade privada, exploração e fé. No bloco final, pouco antes desse, um dos personagens se deleita em todo tipo de prazer após sorte no garimpo, o que o leva a fazer a alegria de homens, mulheres e do que aparece pela frente. Depois retorna à labuta, dessa vez buscando um diferencial, um local novo, fornecido pela natureza, que – em desacordo com o “acaso” – traz a morte com ela.

Nessa sequência final, Espinheira retoma (ou finaliza) a questão de cobiça descabida, mas também investe em um sonho cuja realização ideal, na prática, se torna impossível. Mas o grande ponto é que Espinheira não explicita o que é ou o que quer dizer, apenas diz, e o mérito está em como diz. O caráter implícito faz bem porque, como audiovisual, esse momento póstumo-onírico se basta.

Por mais que seu durante seja irregular, entre diálogos pouco inspirados e cenas com naturalismo que constrange quando talvez não fosse essa a intenção, existem ainda pelo menos outros dois momentos dignos de nota em Cascalho: a trama que culmina em assassinato de quem aos poucos crescia e, principalmente, a desconfiança que envolve azeite e a busca pelo “diamante” escondido. A crueza e a crueldade, especialmente no segundo caso, se juntam a uma cuidadosa noção de ritmo (sonoro e de decupagem) em resultado que convence.

Curioso também que, após subirem os créditos, impressão era de um filme “somente” ok (e não tão bom quanto o texto pode sugerir), até que ouvi, de um dos presentes, que “faltou fotografia – a paisagem é tão bonita”, entre outros comentários da mesma laia. Deveria ter dito que nem todos querem filmar cartões postais em movimento, mas tentei ser educado. Ao perceber quão complicado foi manter a linha, percebi também que, em posição cada vez mais escassa, Cascalho tem algo a dizer. E isso é mais que apenas válido.

Visto na sala Walter da Silveira – Salvador, junho de 2010.

8mm
Teatro
O indivíduo que fez o comentário a respeito do filme é o mesmo que, antes da sessão, comentou com a namorada. “É cinema, amor? Jurava que a gente tinha vindo para o teatro”. E, num sábado à noite, com longa-metragem baiano, e com Othon Bastos no elenco, foi apenas um dos cinco espectadores que contei na Walter da Silveira. Um amigo me disse que peguei uma época péssima de público na sala – pode ser – mas não diminui a tristeza pelo recorrência do fato.

Filmes da semana:
1. Cascalho (2008), de Tuna Espinheira (sala Walter da Silveira) (***)
2. Ascensor para o Cadafalso (1957), de Louis Malle (DVDRip) (****)
3. Nós, As Mulheres (1953), de Guarini (**1/2), Franciolini (**1/2), Rosselini (***), Zampa (**1/2) e Visconti (**) (DVD) (**1/2)
4. Ligações Perigosas (1988), de Stephen Frears (DVD) (***1/2)
5. De Corpo e Alma (2003), de Robert Altman (DVD) (***)
6. Cidade Baixa (2003), de Sergio Machado (DVD) (***1/2)
7. Inimigos Públicos (2009), de Michael Mann (DVD) (****)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Viajo porque preciso, volto porque te amo*

2010-06-11T09:34:00.008-03:00

Além da coragem e da decepção

Viajo porque preciso, volto porque te amo (idem – Brasil, 2009), de Karim Aïnouz (O Céu de Suely, Madame Satã) e Marcelo Gomes (Cinema, Aspirinas e Urubus), é um road-movie experimental (também por isso inevitavelmente irregular) que tem de melhor o que de melhor seus dois diretores podem oferecer – especialmente Aïnouz. É um filme em um meio, o semi-árido nordestino, e sobre sentimentos – carinho, amor, rejeição – já visitados por ambos, mas trata também e principalmente das divagações e aflições do personagem principal.

Faz sentido dizer que a maioria dos planos de Viajo porque preciso... não tem significado concreto ou função narrativa. Do mesmo modo, praticamente tudo aquilo que visa o horizonte e paisagens afins dura mais que o que o plano de fato mostra – mas esses fatos são menos um demérito que uma defesa da contemplação. E ainda que muitas vezes simplesmente não haja o que ser contemplado, faz parte do personagem esse sentir-se parado – a agonia e o tédio do personagem chegam a nos atingir, às vezes, sem eufemismo algum.

Em filme que se assume tão ou mais experimental quanto narrativo, temos aí, no entanto, talvez – e paradoxalmente – uma tentativa de evitar uma monotonia que a ideia do filme sugere. Quase tudo não acontece em cena, mas na cabeça do personagem principal, a escrever suas cartas – trata-se de um filme epistolar de mão única. Como, então, filmar isso – algo tão ligado a um diário, algo a princípio tão anti-audiovisual?

Não temos uma resposta, mas uma opção arriscada, na qual os melhores momentos vêm de depoimentos (prostituta falando em vida-lazer, por exemplo), quando percebemos que os dois souberam extrair uma sinceridade tocante que emana daqueles que dirigem. Isso sem falar do personagem como entrevistador/provocador, em situação que nos liga inevitavelmente a ele fazendo o papel de diretor.

Esse caráter experimental, contudo, pode camuflar desnecessários tremeliques de câmera ao mostrar o personagem em meio à sua jornada, uma vez que não dá para chamar de experimental (ou dar qualquer mérito aqui) o que já virou um quase padrão – a câmera na mão nos dias de hoje.

Ainda assim, vale dizer que os altos do filme atingem um nível de sensibilidade que vem, entre outras coisas, justamente dessa abstração da narrativa convencional: da por vezes completa imersão em um mundo acima de tudo sensorial. Torto, talvez fatalmente torto, talvez o mais fraco trabalho de ambos, mas com momentos de coragem e brilhantismo bem-vindos.

8mm
Paixão pelo visível
Na Cidade de Sylvia (En La Ciudad de Sylvia – Espanha/ França, 2007) é meu primeiro contato com José Luis Guerín, catalão que teve três de seus longas exibidos no Panorama Internacional Coisa de Cinema. (Alguém sabe falar sobre?)

Guerín se mostra preocupado com a cidade, às vezes mais que com seus dois personagens principais, ou – o que pinta com alguma prioridade – as relações entre personagens diversos e o lugar onde vivem. No entanto, a busca dele (Xavier Lafitte) por ela (Pilar López de Ayala) é interessante a ponto de causar angústia quando algo foge do esperado. Ele desenha e retrata a cidade, é ele o mais afetado e sobre quem é o filme, é ele que não sabemos de fato o que sente, viveu ou viu; mas é ela que magnetiza a tela quando aparece.

Mas o filme vai além de uma contemplação de um sensacional rosto de uma boa atriz . Pode-se entrar em longas discussões e análises sobre memória e imagem, sobre miragem e dúvida; em uma palavra, sobre cinema. E, o que é melhor, através do cinema.

Filmes da semana:
1. Viajo porque preciso, volto porque te amo (2009), de Karim Aïnouz e Marcelo Gomes (Cine Vivo) (***)
2. Batalha no Céu (2008), de Carlos Reygadas (sala Walter da Silveira) (***1/2)
3. O Refúgio (2009), de François Ozon (Espaço Unibanco – Glauber Rocha) (***)
4. O Profeta (2009), de Jacques Audiard (Espaço Unibanco – Glauber Rocha) (***1/2)
5. O Demônio das 11 Horas (1965), de Jean-Luc Godard (DVDRip) (****)
6. Na Cidade de Sylvia (2007), de José Luis Guerín (DVDRip) (***1/2)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Filhos de João - O Admirável Mundo Novo Baiano*

2010-06-04T12:47:00.007-03:00

Humildade e controle

É comum biografados ou documentados segurarem filmes pelas suas presenças ou pelos seus passados. O melhor expoente brasileiro talvez seja Pelé Eterno (2004), de Anibal Massani Neto, e um exemplo recente é o Godard, Truffaut e a Nouvelle Vague (2009), de Emmanuel Laurent. Nesses casos, e em alguns outros, o resultado pode vir de uma preguiça do realizador, mas também de uma incontrolável intensidade daquilo tratado na tela. Filhos de João – O Admirável Mundo Novo Baiano (idem – Brasil, 2009), estreia na longa-metragem de Henrique Dantas, se encaixa muito mais no segundo caso.

O documentário, que o diretor disse ter levado 11 anos para ficar pronto, fala sobre Os Novos Baianos, grupo que, para encurtar a conversa, viu a versão brasileira da Revista Rolling Stone, em 2007, eleger seu álbum Acabou Chorare (1972) como o maior disco brasileiro da história. No entanto, o filme investe menos numa mitificação do quão bom era o grupo e mais em questões pontuais sobre ele: o porquê do nome, a relação com João Gilberto, a mudança do som, o ápice, as relações, o porquê do fim e muitos, muitos casos e causos.

Se nos primeiros questionamentos, e em todo o filme, ficamos com a ideia de alguém que sabia exatamente o que mostrar, felizmente isso não resulta em uma já pré-concebida e obsessiva mensagem a ser passada. Dantas passa a sensação de que sabia o que perguntar e soube exatamente como editar. Ele se mostra humilde ao reconhecer a importância dos entrevistados e deixá-los levarem o filme, e demonstra controle do meio para dar ritmo – mesmo que ele próprio faça ressalvas o filme.

“Nós sabíamos que a maior presença do filme seria a ausência de João Gilberto”, disse após a sessão. Ele tentou contactar o compositor, mas os oito dias de insucesso se aliaram ao baixo orçamento do filme e o fizeram desistir da ideia. Baby Consuelo, outra ausência no corte final, decidiu não liberar mais suas imagens. O que se por um lado é um contra do filme, por outro não é por demérito dele, e Dantas se vira bem com o que sobra. Desde depoimentos dos outros membros até imagens de arquivo, passando por momentos brilhantes – seja para ajudar na construção do grupo com a visão de alguém de fora, seja por divagações homéricas – de Tom Zé.

Os muitos aplausos do final, em sala super-lotada (do meu lado vi quatro pessoas sentadas no chão, em espaço que comportava três em pé), soaram como uma espécie de suspiro de um cinema se basta por ser bem executado e ter algo a dizer. Isso porque, semana passada, o crítico André Setaro causou polêmica ao dizer (não vi o programa, apenas ouvi os comentários) que o cinema na Bahia se resumia basicamente a Edgard Navarro – que, inclusive, tem imagens de seu Superoutro usadas aqui. Sem entrar na controvérsia (aqui não é o espaço), enquanto não estreia O Homem que não Dormia, novo filme de Navarro, e O Jardim das Folhas Sagradas, de Pola Ribeiro, Henrique Dantas (homem das artes plásticas e que já trabalhou até com Manoel de Oliveira) chega com força. Sem a aparente pretensão de salvar ou revolucionar nada, mas com honestidade e qualidade sempre bem-vindas – e poucas vezes encontradas nas bandas de cá num tempo recente. Triste vê-lo sair sem nenhum prêmio do evento.

Visto no Espaço Unibanco (Panorama Internacional Coisa de Cinema) – junho de 2010.

8mm
Recife Frio
O ponto mais alto do Panorama Internacional Coisa de Cinema, e que para mim levaria todos os prêmios possíveis, foi Recife Frio (idem – Brasil, 2009), de Kleber Mendonça Filho. Após o documentário Crítico (2008), seu primeiro longa, KMF volta ao curta-metragem com aquele que talvez seja seu melhor filme. Falso documentário, ficção-científica, crítica social, histórica, política e religiosa. Quando descrito, Recife Frio tem inimaginável megalomania; quando visto, a sutileza de um poema para um diário.

Uma emissora argentina faz um documentário sobre Recife, que misteriosamente vê suas temperaturas caírem depois de atingida por um objeto, aparente motivo da mudança climática. Entre outras coisas, o documentário fala sobre a cidade e seus defeitos, e fala sobre as diferentes reações e diferentes justificativas que cada um busca para encarar o fenômeno.

Recife Frio flui com a naturalidade de um filme de gênero bem comportado e calculado, só que com a inventividade de um híbrido poucas vezes visto – e com o parêntese de que, diferente de alguns casos do filme de gênero bem comportado e calculado, aqui temos alma. Alma de alguém que, como em alguns de seus outros curtas (Menina do Algodão, Eletrodoméstica), se mostra afetado – às vezes mais, às vezes menos – por sua cidade, conhecedor de suas imperfeições, e próximo da perfeição ao se expressar sobre ela e (por que não?) o cinema, através do cinema. KMF disse que pensou em fazer arquitetura (desistiu ao pensar em matemática), mas que hoje em dia ela o interessa mais quando dá errado. Seria lindo se todo erro, uma vez irreversível, resultasse em tamanho acerto.

Pouco antes do festival de Cannes, após 12 anos, KMF abandonou a crítica. Disse que a deixava, também, para se dedicar ao seu primeiro longa. Recife Frio, mais que isso, dá a impressão de que KMF deixa parte da vida (do cinema) para fazer histórias.

Panorama
Com o VI Panorama Internacional Coisa de Cinema, que aconteceu em Salvador, decidi mudar o esquema de filmes da semana. Já que vi, no mesmo período, fora do evento, apenas Tudo Pode Dar Certo (2009), de Woody Allen, e O Escritor Fantasma (2010), de Roman Polanski, eles entram na lista dos filmes do mês. O resto entra em lista específica do Panorama.

A maior falha, além de não ter visto a todos os filmes e ter ocupações que me impedem de ser onipresente e exclusivo, foi não assistir aos da Sala Walter da Silveira – não vi, entre outras coisas, nada de Kurosawa. Por questões de diversidade, terminei acampando no Espaço Unibanco.

Ps: Recife Frio ganhou o prêmio do júri jovem. Fantasmas e Pacific simplesmente não bateram. Não assisti aos outros premiados.

Ps2: Ponto alto também, e presenciado depois de texto escrito, foi Redenção (1959), primeiro longa baiano, dirigido por Roberto Pires, restaurado (com o que restou) e com a presença de dois dos protagonistas na sala. Bom citar também Terra Estrangeira (1996) em 35mm. Por mais que a cópia tivesse lá suas falhas, filme cresceu ao ser revisto – muito bom.

Filmes do mês:
10. Vidas que se Cruzam (2008), de Guillermo Arriaga (Cinema do Museu) (**1/2)
9. O Leopardo (1963), de Luchino Visconti (DVD) (**1/2)
8. De Punhos Cerrados (1965), de Marco Bellocchio (DVDRip) (***)
7. O Que Terá Acontecido a Baby Jane? (1962), de Robert Aldrich (DVDRip) (***)
6. O Primeiro a Chegar (2008), de Jacques Doillon (sala Walter da Silveira) (***)
5. O Espírito da Colméia (1973), de Victor Erice (DVDRip) (***)
4. Traição em Hong Kong (2007), de Olivier Assayas (DVD) (***1/2)
3. Tudo Pode Dar Certo (2009), de Woody Allen (Cinema do Museu) (***1/2)
2. A Bela Junie (2008), de Christophe Honoré (DVDRip) (***1/2)
1. O Escritor Fantasma (2009), de Roman Polanski (UCI Multiplex Iguatemi) (****)

VI Panorama Internacional Coisa de Cinema:
1. Um Lugar ao Sol (2009-PE), de Gabriel Mascaro (***)
2. O Joelho de Claire (1970), de Eric Rohmer (***)
3. A Fuga da Mulher Gorila (2009-RJ), de Felipe Bragança e Marina Meliande (***)
4. Godard, Truffaut e a Nouvelle Vague (2009), de Emmanuel Laurent (***)
5. Pacific (2009-PE), de Marcelo Pedroso (***)
6. Redenção (1959-BA), de Roberto Pires (***)
7. Filhos de João (2009-BA), de Henrique Dantas (***1/2)
8. Terra Estrangeira (1996), de Walter Salles (***1/2)
Curtas:
9. Zigurate (2009-SP), de Carlos Eduardo Nogueira (***)
10. Recife Frio (2009-PE), de Kleber Mendonça Filho (****1/2)
11. Silent Star (2009-BA), de Alexandre Guena (**)
12. Fantasmas (2009-MG), de André Novais (**1/2)
13. Supermemórias (2010-CE), de Danilo Carvalho (**)
14. Avós (2009-SP), de Michael Warmann (***1/2)
15. Querida Mãe (2009-SP), de Patrícia Cornils (**)
16. Faço de mim o que quero (2010-PE), de Sérgio Oliveira e Petrônio Lorena (***)
17. Bailão (2009-SP), de Marcelo Caetano (**1/2)
18. Bike Ride (2009), de Bernard Attal (***)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

A Bela Junie*

2010-05-28T09:14:00.015-03:00

A tristeza dos detalhes

Há quem diga que ele não passa de um pastiche deslumbrado com a Nouvelle Vague, que viu apenas os filmes “certos” dos diretores “certos”, que não passa de um cinéfilo de butique. Mas tudo de “ruim” que dizem de Christophe Honoré (Em Paris, Canções de Amor) não faz sentido se seus filmes me comunicam algo à maneira dele: um emaranhado de referências e misturas inevitáveis que não o impedem de, na medida do possível e do impossível, soar único. Como em A Bela Junie (La belle personne – França, 2008), provavelmente seu melhor filme.

Adaptação livre do romance A Princesa de Cléves, de Madame de La Fayette, passado no século XVI, é transposto para a contemporaneidade com Junie recém-chegada em colégio após a morte de sua mãe. Gestos, olhares, sinais, mal entendidos, tudo remete a um caráter perigosamente dúbio do amor. Mais que investir na sensualidade (bem), Honoré mostra o agridoce das relações. E entre o ônus e o bônus, ele consegue momentos brilhantes, como a leitura de poema na aula de italiano, a revelação do “segredo” de Junie, e a corrida musicada em Paris.

Pode-se dizer, com boa dose de razão, que o filme pouco traz de novo do bom cinema francês, ou pelo menos do que de melhor foi feito por Truffaut (provável maior influência), Godard, Rohmer, Chabrol e tantos outros – com o adendo de que, diferente daqueles, Honoré não revoluciona nada. Faz todo sentido. E como se não bastasse Honoré lembrar tanto a Nouvelle Vague, Louis Garrel parece nova versão de Jean-Pierre Léaud (principal parceiro de Truffaut) e Léa Seydoux lembra demais Anna Karina (musa de Godard e símbolo da Nouvelle Vague).

Mas não dá pra dizer que A Bela Junie não tem nada de genuíno. A escolha de parte de suas trilhas sonoras contribuem para encontrar uma certa americanização em Honoré (sem julgamento de qualidade), mas também talvez ajude seus filmes a funcionarem de maneira independente em um conjunto tão forte, diante do qual ele demonstra não só admiração como uma quase reverência: um tipo de cinema francês [por mais que ele tenha se desligado um pouco dele no seu filme seguinte, o Não Minha Filha, Você Não Irá Dançar (2009)]. Para completar, é impossível não notar o talento de Garrel e Seydoux – que em mais de uma vez lembra Anna Karina especificamente em Viver a Vida (1963), de Godard. O que é um duplo elogio, pela atriz e pela atuação ali, que se transforma em triplo, pela própria Seydoux independente da lembrança.

Ou seja, se eles não fazem nada, como às vezes aparentemente acontece, já são interessantes e expressivos o suficiente. E se o prazer de Honoré ao filmar Paris não nos atinge mais com tanta força, é provável que isso seja menos culpa dele que da época em que ele nasceu – cerca de 40 anos depois da maioria da Nouvelle Vague. Ele se dedica com imenso e perceptível carinho aos seus personagens e a um híbrido (de gêneros e de referências) que (embora momento musical não tenha fluência ideal) fascina mais que incomoda.

Revisto em DVDRip – Salvador, maio de 2010.

A Bela Junie (La belle personne – França, 2008)
Direção: Christophe Honoré
Elenco: Louis Garrel, Léa Seydoux, Grégoire Leprince-Rinquet, Esteban Carvajal-Alegria, Simon Truxillo
Duração: 93 minutos

8mm
O Maldito Ladrão de Memórias

[Aviso importante: quando não amigo, pelo menos conheço a maioria esmagadora dos participantes de O Maldito Ladrão de Memórias (2009), de Roberto Cotta, feito para conclusão do curso de Rádio e TV na Uesc e presente no Festival de Cannes desse ano – mostra Short Film Corner, não competitiva dedicada a curtas de jovens diretores. Uma coisa é criticar quem nunca me disse um oi, outra coisa é bater em quem você conhece, com quem existe uma relação a ser potencialmente abalada. Como existia aqui, perguntei a Roberto se ele teria alguma objeção em ver seu filme criticado. A resposta, mesmo já esperada, me agradou. Com relação aos atores (maioria também de amigos e conhecidos), entendam, a crítica a vocês é pelo que vocês não são. Também já atuei sem ser ator, ou pelo menos antes de fazer teatro, e os vídeos até hoje estão na Uesc para quem quiser ver – e rir. Faz parte. Seja como for, o fato de o filme me levar a escrever sobre ele já diz alguma coisa. O Maldito... ainda percorre circuito de festivais, antes de ser (no segundo semestre) disponibilizado na internet.]

O Maldito Ladrão de Memórias (2009), de Roberto Cotta, é um belo exercício de direção. Do início ao fim, ele é o filme de um diretor – e não há dúvidas de que é o que temos um aqui. Alguém que faz o filme que quer, um filme de gênero sem aparência alguma de concessão acadêmica (e por vezes necessária), e do jeito que quer: em preto e branco, com câmera no tripé, poucos cortes e muitos xingamentos. Porque assim é Gomide (Roberto Pazos), personagem-narrador que busca o Dr. K (Antônio Xavier), o ladrão de memórias.

É notável a elegância com que Cotta trabalha o visual. Elegância essa que vem não dos personagens, mas do esmero ao enquadrar e editar, a trabalhar apenas com cortes secos e fades, a trabalhar com plano e contra-plano, além de cuidadosa decupagem. A fotografia é um deleite, e a mise-en-scène tem momentos tão brilhantes que contrastam com outros que, devido ao seu inevitável baixo orçamento, nos dão a certeza de um vídeo pouco abastado. No entanto, em meio às mudanças de plano, talvez para evitar um piloto automático ou pela questão de falta de câmeras, Cotta escolhe enquadramentos tão heterodoxos que chamam mais atenção para o lugar inesperado onde a câmera está do que ajudam a dar o ritmo esperado por ela (o que nos remete aos malabarismos de David Fincher em início de carreira).

No que tange as atuações, se por um lado chega a ser covarde atacar performances de não atores tão declarados, por outro é inevitável perceber uma certa falta de sintonia dentro de uma coerência. Se Gomide e Parombau (cujo sotaque parece tirado de Ó Paí Ó) estão completamente acima do tom, na mesma frequência, e o detetive tenta não comprometer, o Dr. K é o extremo oposto do que somos levados a imaginar – e dos pontos mais baixos do filme. É criada toda uma expectativa diante de personagem pintado como genial e repulsivo, absurdamente interessante., mas quando ele entra em cena, vemos alguém medroso e pálido: não dá pra ver nele alguém sequer capaz de roubar galinhas, quanto mais memórias.

Com relação à estrutura, o domínio dela está ali. Por mais que partes de alguns diálogos se juntem às atuações em combinações pouco felizes, o roteiro enquanto forma narrativa mostra que alguém com tino para aquilo rabiscou o papel. Mesmo que os últimos cinco minutos, em tradicional reviravolta do gênero onde “nem todos são o que parece” e pessoas sem escrúpulos se dão bem, passem de um magnífico embaralhamento a um final que talvez se explique demais.

Quando assisti à última cena (e ao belo chamamento dos presentes no leilão, que pode abrir portas para trocentas metáforas referentes ao cinema e ao ato de fazê-lo), pensei “o que aconteceu”? Sem a narração que vem a seguir, talvez houvesse mais sutileza e menos didatismo, o que seria mais coerente com o caráter tão altivo quanto o que de melhor existe no resto do filme. Que mostra o talento e o interesse do autor pelo cinema e pelo gênero, ambos tratados, sempre que possível, com o carinho que merecem. E quando Cotta peca também pelo carinho, é com excesso: nesse ponto, não dá para achar ruim.

Ps: A trilha sonora de Thiago Ferreira sabe ser útil, ao complementar e potencializar a atmosfera, e brilhante, no final. E o elogio não é porque ele fez a trilha de meu documentário, mas sim porque as pessoas que ouvem o que ele faz, e do que é capaz, percebem isso. (Com mérito também para Cotta que soube domar e guiar o menino.)
Ps2: Ao invés de ver o making-of, preferi rever o filme. Por mais que ainda esteja ansioso para assisti-lo, como análise, acho mais justo dar outra oportunidade à execução.

Filmes da semana:
1. O Espírito da Colméia (1973), de Victor Erice (DVDRip) (***)
2. Ferrão da Morte (1990), de Kôhei Oguri (sala Walter da Silveira) (**)
3. A Bela Junie (2008), de Christophe Honoré (DVDRip) (***1/2)
4. Pecados do Meu Pai (2009), de Nicolas Entel (Cinema da Ufba) (**1/2)
Curta:
5. O Maldito Ladrão de Memórias (2009), de Roberto Cotta (DVD) (***)

* Coluna 70mm também publicada em www.pimentanamuqueca.com.br.

Alice no País das Maravilhas (3D)*

2010-05-21T07:30:00.008-03:00

Maquiagem insuficiente

Já se falou basicamente tudo sobre Alice no País das Maravilhas (Alice in Wonderland, EUA/Reino Unido, 2010), de Tim Burton (Edward Mãos de Tesoura, Ed Wood, Sweeney Todd). O problema é que tudo falado sobre parece vir muito mais da expectativa criada (3-D pós Avatar + clássico da literatura + Johnny Depp + Tim Burton) que pela execução – e muito do falado a favor do filme parece mais boa vontade de tietes de Burton-maníacos que real crença no que está projetado.

Lógico que é possível gostar de Alice sem condescendência do autor, até porque o que o filme tem de bom não é o que ligamos necessária e imediatamente a Tim Burton. Pode-se falar do investimento no visual fantástico (no sentido literal), mas ele é menos Tim Burton e mais extravagância auto-importante. Fascina assistir a tudo aquilo, mas o deslumbre é puramente visual; você fica de boca aberta, sorriso nos dentes, mas com mente vazia e distraída. O que não quer dizer que um filme obrigatoriamente bom é o que obrigatoriamente faz pensar (não temos mais 10 anos), mas sim que a junção entre imagens marcantes e maneira insossa de contar a história aumenta o contraste e potencializa o que há de ruim no filme. Helena Bonham-Carter está sensacional em cada momento, mas temos um restante – inevitavelmente relevante – genérico.

Pode-se falar em feminismo (Alice quer independência, escolher o que faz e com quem casa), em mescla de obras de Lewis Carroll (entre No País das Maravilhas – 1865 e Do Outro Lado do Espelho – 1871), mas sensação é de forte maquiagem que tenta se bastar e não consegue. Em uma história tão narrativa (independente do cânone original, temos aqui o roteiro de um filme narrativo), o deleite com essa maquiagem é suficiente.

Visto, em 3D, no Cinemark – Salvador, maio de 2010

Alice no País das Maravilhas (Alice in Wonderland, EUA/Reino Unido, 2010)
Direção: Tim Burton
Elenco: Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway
Duração: 108 minutos
Projeção: 1.85:1

8mm
Léa
O Robin Hood de Ridley Scott é (extra)ordinário a ponto não só de me deixar sem palavras, como de me fazer esquecer uma das poucas coisas boas dele. Sub-explorada, é verdade, mas está lá. Excelente em A Bela Junie (2008) e com ponta (uma das filhas assassinadas no início) em Bastardos Inglórios (2009), todo o desconforto passado por Léa Seydoux ao interpretar uma francesa em meio inglês – sem saber se por limitação dela ou de Ridley Scott – deixa a impressão de que ela é fraquinha que só. Que ela não é nada além de um belo rosto francês, que remete a ninguém menos que Anna Karina. Por favor, ela não é só isso.

Filmes da semana:
1. O Que Terá Acontecido a Baby Jane? (1962), de Robert Aldrich (DVDRip) (***)
2. Jards Macalé – Um Morcego na Porta Principal (2008), de Marco Abujamra e João Pimental (Cine XIV) (**)
3. Traição em Hong Kong (2007), de Olivier Assayas (DVD) (***1/2)
4. O Leopardo (1963), de Luchino Visconti (DVD) (**1/2)
5. Minha Bela Dama (1964), de George Cukor (DVD) (**1/2)
6. Um Longo Caminho (2005), de Zhang Yimou (DVD) (*1/2)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Robin Hood*

2010-05-14T09:18:00.004-03:00

Mais velho, mais rápido – e pior

Robin Hood (idem – EUA/ Inglaterra, 2010), de Ridley Scott (Gladiador, Thelma e Louise), é ruim de doer, e se torna pior ainda quando aliado à expectativa criada pelo fato de ele abrir Cannes este ano – ainda que não seja ruim apenas pela relativização. Diretor de filme bom atrás de filme bom no começo da carreira, de Os Duelistas (1977) a Blade Runner (1982) passando por Alien (1979), Ridley Scott é, provavelmente com sobras, o melhor exemplo do extremo oposto de um bom vinho. Com a diferença de que um vinho cada vez pior, por mais que dê ressaca, pelo menos pode te deixar alto e divertido.

Na sua primeira hora, Robin Hood não é um filme de ação nem de aventura; é uma mistura de drama familiar com pinceladas épicas. Funciona em parte pelo caráter um pouco (com ênfase no pouco) diferenciado dentro da família blockbuster que pela construção em si, embora exista ali um certo mérito. Mas se a primeira parte é mediana, ou até comparativamente boa, a segunda é um desastre.

O uso de clichês – que a princípio pode nem ser um problema – é o que o filme tem de menos pior. São inúmeras e pouco inspiradas cenas de ação que, como se a dormência causada por elas não fosse suficiente, nos remetem a outros blockbusters melhores, de Piratas do Caribe (2003) e Tróia (2004) a Batman Begins (2005), com o qual se assemelha, inclusive, por tratar de uma faceta pouco explorada e anterior à “lenda”. Mas o que talvez melhor represente o filme seja um grito de Russell Crowe, tão constrangedor que não pode ser visto sem elevada dose de vergonha: como, salvo um ou outra exceção com boa vontade, o Ridley Scott dos últimos 20 anos.

Visto, em cabine de imprensa, no Multiplex Iguatemi – maio de 2010.

Robin Hood (idem – EUA/ Inglaterra, 2010)
Direção: Ridley Scott
Elenco: Russell Crowe, Cate Blanchett, Max Von Sydow, William Hurt
Duração: 140 minutos
Projeção: 2.35:1

8mm
Tradução não ajuda
Vidas que se Cruzam, cretina tradução para The Burning Plain (EUA/ Argentina, 2008), estreia na direção de Guillermo Arriaga (roteirista de 21 Gramas, Babel, Amores Brutos), leva à inevitável crítica pronta. “Lá vem o mágico de um truque só” ou “ele viu e reviu muito Robert Altman” são algumas das declarações feitas baseadas no título e no passado de Arriaga. Só que, até o final, as sensações são outras.
Diferente do que acontece com os filmes que roteirizou, Arriaga parece tentar investir antes na construção dos personagens que no malabarismo narrativo (ainda que algo seja “revelado” no decorrer) – e isso é ótimo. O porém é que o filme soa melhor justamente como folhetim, no momento da escolha de cortes e pausas entre flashbacks e flashfowards, que como filme de ou para os atores.
Salvo raras exceções, as cenas que demonstram as personalidades e partes dos porquês das duas serem o que são hoje parecem ter mais duração que complexidade. A construção do relacionamento entre Mariana e Santiago, por exemplo, só não é pior porque Jennifer Laurence carrega uma expressão absurda.
Mas se o acaso, em toda a projeção, não é mais obsessivo, Arriaga se perde no final, em uma sequência de cortes que o que tem de presunçosa e potencialmente bela, tem também de inócua. Arriaga dá, à sua protagonista (sem detalhes maiores), a visão onisciente de tudo que passou e com quem passou por ela, mesmo que de leve, para chegar à sua conclusão. Soa como alguém que, por mais que tenha dado sinais de que poderia ir além de sua obsessão, ela aparece mais forte que seu talento. Uma pena.

Filmes da semana:
1. Vidas que se Cruzam (2008), de Guillermo Arriaga (Cinema do Museu) (**1/2)
2. Pura Adrenalina (1996), de Wes Anderson (DVDRip) (**1/2)
3. A Hora do Pesadelo (2010), de Samuel Bayer (Multiplex Iguatemi) (**)
4. De Punhos Cerrados (1965), de Marco Bellocchio (DVDRip) (***)
5. O Primeiro a Chegar (2008), de Jacques Dillon (sala Walter da Silveira) (***)
6. Robin Hood (2010), de Ridley Scott (Multiplex Iguatemi – Cabine de imprensa) (*1/2)
7. Alice no País das Maravilhas (2010), de Tim Burton (Cinemark – 3D) (**1/2)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Homem de Ferro 2*

2010-05-07T20:13:00.005-03:00

Tudo abaixo

Sem tempo para digerir, é difícil dizer muita coisa de Homem de Ferro 2 (Iron Man 2 – EUA, 2010), de Jon Favreau. O filme começa bem, com todo o carisma de Robert Downey Jr., cada vez melhor dentro de um personagem cada vez mais ególatra – o que leva a uma quase irritação. No que existe de pior, temos os ápices quando Favreau se afasta dos personagens para investir no quebra-quebra megalômano (mais até que na ação): a lembrança de Michael Bay e seus Transformers é inevitável – e isso não pode ser um elogio. Por outro lado, ainda que com Scarlett Johansson interpretando o papel da voluptuosa agente dupla (?!) seja natural lembrarmos também de Megan Fox fazendo nada (sem ser exatamente demérito dela), o filme lembra várias vezes um charme de 007, com a ligação do mal com a Rússia e um vilão divertido como Mickey Rourke. Mas se Rourke e Downey seguram bem o filme, o mesmo não dá pra dizer do (aqui nem tão) competente Favreau.

Por mais que ele tenha algum timing para gags e competência para cenas de ação, quando postas ao lado de um ritmo já veloz, a rapidez do filme cansa. Não é fácil sustentar duas horas à base de câmera e montagem que nunca param sem que o espectador atinja um estado de dormência – ainda que existam casos bem piores que este aqui. Isso para não falar nos efeitos especiais, que funcionam mais até para evitar questionamentos e tapar (mini) buracos no roteiro que para nos levar a um outro nível de “credibilidade” do que está na tela.

Curioso é que a interessante resolução para Mickey Rourke (com lembrança a Jake La Motta de De Niro em Touro Indomável a dizer “você nunca me derrubou, Ray, você nunca me derrubou”), é o protagonista (clímax) com tempo bem menor que os coadjuvantes (demais cenas de ação). Não menos curioso também é que, em boa parte da projeção, achei que seria mais fácil fazer analogia política do que falar sobre o filme; poucas horas depois, nada de possíveis analogias políticas ficaram.

Visto no Shopping Barra – Salvador, maio de 2010.

Homem de Ferro 2 (Iron Man 2 – EUA, 2010)
Direção: Jon Favreau
Elenco: Robert Downey Jr., Mickey Rourke, Don Cheadle, Scarlett Johansson, Gwyneth Paltrow
Duração: 124 minutos
Projeção: 2.35:1

8mm
Viagens e compromissos diversos resumiram a 8mm a Homem de Ferro 2 – e visto em cima da hora. Não recomendo a ninguém sete dias sem filmes e cinema – especialmente se você tiver uma coluna pra fazer.

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Quincas Berro D’Água (pré-estreia no TCA)*

2010-04-30T15:14:00.017-03:00

Bêbado e comportado

Marcada para as 20h, a pré-estreia de Quincas Berro D’Água (idem – Brasil, 2010), de Sérgio Machado (Onde a Terra Acaba, Cidade Baixa), começou com pontuais 20 minutos de atraso, quando Luís Miranda¹, Vladimir Brichta e Frank Menezes subiram ao palco. Trouxeram um clima amigável, de humor e aproximação com o público. Depois veio Sérgio Machado e o elenco da equipe, embora só Paulo José (Quincas) e ele tenham usado o microfone.

No que talvez tenha sido o mais belo momento da noite, Machado disse que Jorge Amado foi a primeira pessoa a ter acreditado no potencial dele como cineasta, e contou, com emoção transparente, o caso dos parabéns de Zélia Gattai. Em 2005, à época viúva de Jorge Amado, ela disse ter visto florescer a árvore onde estavam cinzas do escritor. Imaginou que ele deveria estar feliz, que algo de bom deveria ter acontecido. Entrou na Internet, buscou notícias e viu a premiação de Machado no Festival de Cannes. Foi de Gattai, a quem o filme é dedicado, o primeiro e-mail recebido por ele após o prêmio.

A sessão
Em momento alto da projeção, a abertura conseguiu mesclar Saul Bass (lembrança imediata de Anatomia de um Crime) e 007, com um, mesmo que bem discreto, tempero baiano. O porém é que, dali até o final do filme, áudio parecia alto demais. E embora não dê pra dizer se o problema maior era da cópia, do meu lugar (muito ao lado, na frente e próximo à saída de som) ou da regulagem no teatro, sensação foi compartilhada com as duas pessoas com quem falei sobre o problema – mais centrais e acima, no teatro.

Finda a apresentação, começa a história de Quincas, que decidiu morrer (ou “se deixou” morrer) no seu canto, perto daqueles com quem convive. Mas estes, além de desconhecidos, são discriminados pela filha Vanda (Mariana Ximenes), mãe (Walderez de Barros) e genro de Quincas (Vladimir Brichta), exemplares da burguesia caricata. Não ajuda ainda a lembrança de Mariana Ximenes em O Invasor (2002), de Beto Brant, que compreende uma crítica bem mais contundente.

Por outro lado, mais que alfinetar um comportamento, aqui se exalta outro – o que não é necessariamente ruim. O filme é menos uma crítica a uma burguesia reacionária e de aparências que um entusiasta de um tipo de comportamento mais “alegre” dos menos abastados de Salvador. Aqui novamente filmada para exportação, com Pelourinho, Baía de Todos os Santos e Elevador Lacerda normalmente mais figurativos que qualquer outra coisa.

Outra impressão que fica é que em outro pró do filme, o texto, narrado por Quincas (como não li a obra, adaptação não é análise pra mim), é mais visual que sonoro. Em que pese aí o incômodo no áudio, esse encaixe de texto com imagem parece funcionar mais pelo que está escrito que pela forma como a combinação audiovisual é feita.

Antes do filme, Machado falou em ciclo fechado, iniciado por Jorge Amado, que acreditou nele, e também finalizado no escritor, uma de suas influências e quem ele agora adapta em distribuição grandiosa. De fato, comparado com Onde a Terra Acaba (2001) e Cidade Baixa (2005), embora estes sejam diametralmente opostos, Quincas Berro D'Água deve ter mais pontos em comum com o primeiro.

Aqui, mais que o caráter cru de Cidade Baixa, temos uma espécie de defesa de um ídolo, de uma referência. Só que se em Onde Terra Acaba ele assumia um caráter de mediador com um bom material (entre arquivos e entrevistas), aqui ele, ao pegar a ficção, não consegue chegar a tanto. Não há mais contemplação alguma, atores geralmente não têm tanto tempo de tela, e tudo parece corrido; sendo a epiléptica câmera na mão em corrida o melhor exemplo do que existe de pior na falta de esmero que se transforma em hipotética defesa de um tipo de cinema contemporâneo.

Talvez o material seja mais Globo Filmes que Jorge Amado, ainda que o final nos leve a crer que não, mas até o caráter supostamente desbocado do filme parece domesticado. Lógico que muito dessa análise, óbvia e infelizmente, é afetada pela não certeza do quão ruim é ou apenas estava o som. No fim, pensei: se eu, que sou baiano, tive tanto problema, imagine o resto?! Filme precisa de revisão.

Visto, em pré-estreia, no Teatro Castro Alves - Salvador, abril de 2010.

¹Tão bom quanto o áudio, acredite, estava a sintonia entre cérebro e olhos. Confundi Luís Miranda, que de fato apresentou o filme, com Hélio de la Peña, que não faço ideia de onde estava no dia. Já falei mais de uma vez, não acreditem no que escrevo. (Valeu, Helena!)

Quincas Berro D’Água (idem – Brasil, 2010)
Direção: Sérgio Machado
Elenco: Paulo José, Mariana Ximenes, Vladmir Brichta, Marieta Severo, Walderez de Barros
Duração: 102 minutos
Projeção: 2.35:1

8mm
Brincadeira de birutas
É uma pena Lissi no Reino dos Birutas (Lissi und der wilde Kaiser – Alemanha, 2007), animação do comediante-escritor-produtor-diretor-prodígio alemão Michael Herbig (responsável pela maior bilheteria da história da Alemanha), ter lançamento nacional na mesma semana de Alice: tive de repetir três vezes à vendedora que o meu ingresso, na verdade, era para o filme sem A. Não que haja deméritos demais no filme Tim Burton, que nem vi ainda, mas porque, entre os de aparência “infantil”, a tendência monopolizadora é ir para o lado hollywoodiano – e muitos deixarem de ver essa ótima opção para o gênero da animação via comédia.
Apesar da acessibilidade incompleta para a maioria [trata-se de paródia a Sissi (1955), filme austríaco de Ernst Marichka com Romy Schneider e também com o trinômio império-Baviera-arrogância], ele não é exatamente anti-Hollywood. Afinal de contas, não dá para taxar assim um filme com referências que vão da própria Alice a Kink Kong, passando por Titanic e O Pecado Mora ao Lado.
Por outro lado, Lissi é um belo exemplo de narrativa com humor sutil e crítico; só que com toques do politicamente incorreto, o que é cada vez mais difícil de ver em produções com amplo alcance em Hollywood. Ainda que seu melhor talvez esteja, de fato, no que pode ser tirado de situações estapafúrdias. Herbig consegue, por exemplo, fazer um diálogo entre o abominável homem das neves e o diabo; desenha um rei decadente com aparência roquenrol, em crise existencialista, para conversar (sem resposta) com Deus; sacaneia, várias vezes, a parte doentia de tudo estar à venda; e ainda consegue, no século XIX, enxertar a importância toque do celular (!). Mentes ordinárias não chegam a tanto.
Por mais que a maioria das críticas carregue uma dose até maior de ingenuidade (e pouco de forte como crítica de fato) e por mais que ele não tenha vergonha de abrir concessões (que vão do pastelão destoante – mas que prende as crianças – ao final hiper-adocicado), Lissi... não deixa de ser um exemplo de uma animação (e um tipo de comédia) com algo de genuíno. Pouco lembra o oásis de criatividade que é a Pixar, flerta com o que existe de não exatamente louvável na comédia-romântica genérica americana, mas consegue trazer um resultado que tem algo ligado ao local e a quem o fez.

Filmes da semana:
1. Estranhos no Paraíso (1984), de Jim Jarmusch (DVDRip) (***)
2. Jovens, Loucos e Rebeldes (1993), de Richard Linklater (DVDRip) (***)
3. O Encouraçado Potemkin (1925), de Sergei Eisenstein (DVDRip) (hc)
4. Onde a Terra Acaba (2001), de Sérgio Machado (DVDRip) (***1/2)
5. Ela Matou em Êxtase (1971), de Jess Franco (sala Alexandre Robatto – DVD) (**)
6. Lissi no Reino dos Birutas (2007), de Michael Herbig (Multiplex Iguatemi) (***)
7. À Meia-Luz (1944), de George Cukor (DVDRip) (***)
8. Quincas Berro D’Água (2010), de Sérgio Machado (Teatro Castro Alves – Pré-estreia) (**1/2)

Top-10 abril:
10. A Caixa (2009), de Richard Kelly (Multiplex Iguatemi) (***)
9. Lissi no Reino dos Birutas (2007), de Michael Herbig (Multiplex Iguatemi) (***)
8. Le Dernier Jour (2004), de Rodolphe Marconi (DVDRip) (***)
7. Onde a Terra Acaba (2001), de Sérgio Machado (DVDRip) (***1/2)
6. Crimes e Pecados (1989), de Woody Allen (DVDRip) (***1/2)
5. Macbeth (1948 – 114minutos), de Orson Welles (DVDRip) (***1/2)
4. O Filho da Noiva (2001), de Juan José Campanella (DVD) (***1/2)
3. Comédias e Provérbios: Pauline na Praia (1983), de Eric Rohmer (DVDRip) (****)
2. Antes do Pôr-do-Sol (2004), de Richard Linklater (DVDRip) (****1/2)
1. Noite Americana (1973), de François Truffaut (DVD) (****1/2)

* Coluna 70mm também publicada no http://www.pimentanamuqueca.com.br/.

Brincadeira russa*

2010-04-26T11:34:00.003-03:00

“Ele
te consome
te faz querer parar de escrever
pra só ler.
E quando dizem
que ele faz pensar
ele se revira.
Irrita
qualquer justificativa pra genialidade.
Calem a boca
amarrem as mãos.”

“Não gosto dele
o nome é feio e grande”

Tento ser educado
mas ela me interrompe
o pensamento.

“E ainda tem outro porém
O nome dele tem uma grafia diferente
pra cada dia do ano”.

“Mais um motivo
pra substituir o livro de cabeceira”

“Na cabeceira
só tenho um lenço
pra tirar o pó da cara”

Antes fosse pra cheirar
o pó.
Talvez a estupidez
tivesse o mesmo destino da mucosa,
pensei.
“Na cabeceira?”
Ela só pode estar de sacanagem.

“Olha, eu tenho
que ir”,
continuo
sem paciência.
“Já?”
“Uma amiga pediu pra eu olhar um livro
de Ruy Castro.
A edição nacional é do outro lado.”

Saio.
Quero me sair.
Ela
a idiota
vem junto.

“Ele tá na sessão mineira ou carioca?”
Susto
“Você me enganou com a patacoada
de Dostoievski?”

“Crime e Castigo
é clichê
Você não prefere que eu diga quantas edições de Noites Brancas
existem em línguas latinas?”

Itabuna, março de 2010

Santa Veneza
Fiódor Dostoiévski, e suas dezenas de grafias adaptadas, é o tipo de escritor que me deixa receoso de falar qualquer coisa a respeito do que escreveu – e isso é um dos maiores elogios que posso fazer a qualquer coisa. Mas indo para o assunto da coluna, uma de suas adaptações que muita gente esquece (já que foge da trinca Os Irmãos Karamazov, Os Idiotas e Crime e Castigo) é a de Luchino Visconti para Noites Brancas (1957) – onde São Petesburgo, local do romance, é transferida para Veneza. E embora confesse não ter achado a potencial obra-prima de um cruzamento entre os dois, lembro bem que Maria Schell tem uma das expressões que melhor combina, no cinema, ingenuidade e arrebatamento.

Rússia americana
No cinema, outro que carrega uma boa influência de Dostoievski é Woody Allen. Todavia, com o seu hábito de, há quatro décadas, fazer um filme por ano, fica difícil citar ou lembrar de todos em que é visível (sem piadas necrófilas) a presença dele. Ainda que o exemplo mais óbvio seja sempre o A Última Noite de Boris Gruchenko (1975), ali a literatura russa e Bergman lutam, mesmo amigavelmente, para decidir quem tem mais força no resultado final. Mas isso não é novidade, e acontece em quase todos os outros filmes de Woody Allen. De qualquer jeito, bom garoto também, esse nova-iorquino.

* Coluna Cinebar originalmente publicada na edição (também impressa) de abril do Jornal Direitos – www.jornaldireitos.com.br.

O Segredo dos seus Olhos*

2010-04-23T08:46:00.009-03:00

Paixão (não) sentida

Que eu tenha visto, o melhor resumo do maior porém de O Segredo dos Seus Olhos (El Secreto de sus Ojos – 2009, Argentina/ Espanha), de Juan José Campanella, foi feito por Filipe Furtado. Na comunidade do Cinemascópio no Orkut, ele disse que “a história policial ocupa 70% do filme, a história de amor horrivel ocupa 70% das preocupações do Campanella”. Mas, verdade seja dita, não acho nem a história de amor nem o filme (tão) ruins quanto ele.

Por mais que o diretor (do ótimo O Filho da Noiva e do meio fraco Clube da Lua) invista tanto no que há de menos convincente (o romance), temos um ótimo roteiro, ótimas atuações (exceção feita à não exatamente expressiva Soledad Villamil) e uma direção relativamente firme. Enquanto filme policial, ele segue um inevitável esquema, mas traz ainda algo de genuíno, com um gênero essencialmente americano com pitadas de um certo jeito de ser platino. Já o plano-sequência no estádio de fato é vaidoso, e parece filmado para chamar mais atenção para si do que para ajudar no ritmo do filme, mas é incrível não só sua engenhosidade, como tudo que Campanella reúne em uma única cena.

Nela, ele junta a paixão pelo futebol (daquele povo no estádio), pelo filmar (por mais narcisista que seja, só um apaixonado pelo ato pensa em plano tão megalômano) e por uma causa, a busca pelo assassino Nesse momento, ele é feliz nos três pontos. E embora apenas aí ele comulgue, numa mesma cena, o sucesso da trinca, em outras ele faz com que pelo menos um elemento delas funcione. Como exemplos mais claros temos a discussão no bar que os leva ao estádio, a cena em que a advogada Irene (Villamil) percebe que o assassino é de fato o culpado (e o que ela faz), o momento em que ela pensa erroneamente que Benjamín (Darín excelente, como sempre) flerta com ela, e a descoberta do paradeiro do assassino.

Por mais que o filme tenha os seus poréns escancarados, ele também consegue reunir elementos a princípio – e que de fato se mostram algo – incompatíveis (o romance com pretensões eternas e melodramáticas dentro de um filme policial) para chegar a um todo cuja eficácia é mais estranha que infeliz. E se o resultado está longe de ser brilhante, por outro lado é tão oscilatório dentro de um caráter pré-determinado (claramente comercial) que não dá pra chamar de medíocre.

Visto no Cine Vivo – Salvador, abril de 2010.

O Segredo dos seus Olhos (El Secreto de sus Ojos – 2009, Argentina/ Espanha)
Direção: Juan José Campanella
Elenco: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Pablo Rago, Javier Godino
Duração: 127 minutos
Projeção: 2:1

8mm
Tempo
Vi As Melhores Coisas do Mundo na antevéspera de O Segredo de Seus Olhos. Um teve cinco, o outro teve sete dias para digestão. E embora a cotação de ambos tenha sido a mesma a princípio, filme de Campanella parece agradar (bem) mais ao se pensar nele.

Griffith
Em alguns filmes não vou usar o sistema de estrelinhas. Isso porque, como no caso de um D.W. Griffith [e praticamente tudo dele, embora aqui fale especificamente de seu Lírio Partido (1919)], existe tanta coisa por trás dele e do filme que soaria injusto colocá-lo no mesmo nível dos outros – é hors concours.
A propósito, o que são as imagens do sorriso?!

Filmes da semana:
1. Rashômon (1950), de Akira Kurosawa (DVDRip) (***)
2. O Segredo de seus Olhos (2009), de Juan José Campanella (Cine Vivo) (***)
3. Macbeth (1948 – 114minutos), de Orson Welles (DVDRip) (***1/2)
4. Lírio Partido (1919), de D.W. Griffith (DVDRip) (hc)
5. Antes do Pôr-do-Sol (2004), de Richard Linklater (DVDRip) (****1/2)
6. O Cavalheiro do Telhado e a Dama das Sombras (1995), de Jean-Paul Rappeneau (Walter da Silveira) (**)
7. A Moça com a Pistola (1968), de Mario Monicelli (Walter da Silveira – DVD) (**1/2)
8. Identificação de Uma Mulher (1982), de Michelangelo Antonioni (DVDRip) (**1/2)
Curta:
1. Noite de Sexta Manhã de Sábado (2006), de Kleber Mendonça Filho (Vimeo) (****)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

As Melhores Coisas do Mundo*

2010-04-16T07:52:00.007-03:00

As Melhores Coisas do Mundo (idem – Brasil, 2010), de Laís Bondanzky (Bicho de Sete Cabeças, Chega de Saudade), tem a ideia de “falar do adolescente e para eles”, em palavras da própria diretora acessíveis no kit entregue à imprensa antes da cabine realizada na terça-feira (13). O que, se por um lado ajuda a deixar clara a intenção do filme, por outro deixa ainda mais límpida a briga entre o que o filme tenta ser e o que, na maior parte do tempo, parece ser – e talvez de fato seja.

Ele tem momentos de fluência notável, que beiram ou alcançam o brilhantismo. Mas em meio a momentos altos e de certa aparência genuína (como a conversa entre os irmãos sobre virgindade, e o momento em que Mano, para querer transar com “a gostosa” da turma, se perde ao querer tocar Something – isso para não falar na cena dos ovos), As Melhores Coisas do Mundo assume um caráter excessivamente genérico. É evidente que Mano pode ter uma adolescência “normal”, mas o problema é quando o caráter ordinário da descoberta chama mais atenção por do que ela em si; quando o ato de conhecer e se conhecer parece pré-programado e independente de como acontece.

Por outro lado, é verdade que o filme cresce ao abrir várias janelas para os conflitos de outros personagens. Temos homossexualismo, bissexualidade (no início, é natural pensamos que Mano tem dúvida – mesmo velada – quanto ao seu caráter hétero), e traição, sem soluções fáceis para nada disso a princípio. Em meio a um natural tom pouco maduro levado no filme (não dá pra cobrar de jovens de 15 anos – que ali predominam – inteligência, sensatez e vivência), vemos, através de pequenos detalhes, como é difícil não só o ser adolescente, como também a convivência com os adultos, e a relação dos adultos com eles. Existe beleza e crueldade no crescer e errar, e Bondanzky é feliz ao nos mostrar ambos – ainda que peque na parte final, e ainda que use seu público alvo como álibi para isso.

Em cena que se passa no hospital, carregada de sincera rebeldia, o filme atinge seu ápice: diferentes e diferenças expostos e analisados, mas sem pretensão salvadora ou forçadamente otimista. Embora me pareça que o resultado seria muito mais contundente se os créditos subissem ali, o filme prefere abdicar do interessante naturalismo usado anteriormente para substituí-lo por uma incompatível abstração; vemos uma pretensa poesia em um texto que é todo prosa. E, em um alongamento cada vez mais nocivo, toda a complexidade abordada se converte no simplório “final feliz”. É como se tudo que aconteceu até ali, com os outros, fosse jogado para debaixo do tapete, apenas porque seu personagem principal “venceu” ao passar por aquela etapa.

O adolescente retratado por Bondanzky, o “falar deles”, (por mais que os “micros” sejam mais eficientes que os “macros”) é complexo e fascinante – como a época. Já o adolescente público, o “para eles”, (especialmente se nos atermos aos últimos cinco minutos) é tratado como alguém que precisa de uma pré-formatada dose de otimismo – para não dizer alienação. As duas partes são tão fortes quanto conflitantes.

Visto, em cabine de imprensa, no Multiplex Iguatemi – Salvador, abril de 2010.

As Melhores Coisas do Mundo (idem – Brasil, 2010)
Direção: Laís Bondanzky
Elenco: Francisco Miguez, Gabriela Rocha, Fiuk, Denise Fraga, Caio Blat, Paulo Vilhena, Julia Barros.
Duração: 115 minutos

Shosanna
Um homem e uma mulher a princípio estranhos se encontram e vão para a casa dele, rapaz misterioso que passa a se envolver com ela e um amigo. A partir daí, Le Dernier Jour (O Último Dia, em tradução literal), de Rodolphe Marconi (prodígio que ganhou melhor curta em Cannes aos 22 anos), passa a funcionar entre os três e com outra relação paralela.
A construção do envolvimento entre todos eles, especialmente no diferenciado triângulo amoroso, oscila entre a apatia e o minimalismo. O que talvez represente o que eles sentem, também talvez nos leve a procurar ali mais do que talvez de fato exista. Porque se a apatia é tão relevante àquela relação, esta (e outra, com frieza semelhante) não pode se mostrar tão convincente quanto Marconi quer nos mostrar mais adiante. Até porque o lado humano é potencializado pela maneira quase claustrofóbica de se filmar, com absurda ênfase nas expressões. Ainda que tudo isso seja relativizado com a reviravolta final.
O choque é maior devido ao aparente marasmo (sem necessária conotação negativa) de todo o filme, é verdade, mas também forte o suficiente para – aí sim em sintonia com a crise do personagem – nos levar de volta à cena de abertura. Após ela, chegamos de fato a um final que, acompanhado de curiosa narração, deixou um sentimento confuso – não sei se funciona ou não.
Le Dernier Jour é muito irregular, mas seus altos e baixos talvez ajudem a melhor compreender a espécie de depressão sentida por Simon (Gaspard Ulliel, entre o tédio e o enigma). E, independente da hipotética intencionalidade dessa variação, em um dos altos do filme, vale destacar a sequência da boite, ao som de Mammy Blue com toque francês. Digna de alguma antologia, ela – e quase todo o filme – tem a presença da já ali promissora Shosanna de Bastardos Inglórios: Mélanie Laurent.

Setaro
Na quarta-feira (14) participei do Clube da Crítica, em hora e meia de debate que valeram (mais que muito livro ou texto sobre crítica e cinema) muito graças principalmente ao convidado paulistano Sergio Alpendre e a André Setaro. Que, na terça (13), teve enfim lançada uma coletânea com escritos seus sobre cinema. Muito se falou sobre Setaro antes, durante e depois da cerimônia, lá e em vários sites e jornais. Pra não me alongar, o que posso dizer dele é que, mesmo sem escrever com a frequência de outros tempos, pra mim é o maior crítico baiano vivo – de longe, provavelmente. Obrigado, Setaro.

Filmes da semana:
1. Bonnie e Clyde (1967), de Arthur Penn (DVDRip) (***)
2. Le Dernier Jour (2004), de Rodolphe Marconi (DVDRip) (***)
3. Zabriskie Point (1970), de Michelangelo Antonioni (DVDRip) (**1/2)
4. Os Desafinados (2008), de Walter Lima Jr. (DVDRip) (**1/2)
5. As Melhores Coisas do Mundo (2010), de Laís Bondanzky (Multiplex Iguatemi – cabine de imprensa) (***)
6. A Caixa (2009), de Richard Kelly (Multiplex Iguatemi) (***)
7. A Cor do Romã (1968), de Sergei Parajanov (DVDRip) (***)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

7 Cronistas Crônicos

2010-04-13T23:52:00.007-03:00

Há alguns anos, creio que cinco, convidei para escrever no site Voleio, entre outros, (o hoje amigo de longa data de MSN) Gustavo Jaime.

O site não vingou, basicamente porque me exigia mais tempo do que podia disponibilizar à época - entre trabalho no jornal, faculdade e teatro. Mas ficou a admiração pelo texto de Gustavo. Com quem mantive contato, e quem me convidou para uma verdadeira seleção - feita por ninguém menos que o dono de um dos melhores textos da língua portuguesa.

Não quero me alongar no blábláblá. O 7 Cronistas Crônicos, ainda em fase inicial, vai para a sua segunda semana. Quem me acompanha por aqui está mais do que convidado: http://www.7cronistascronicos.blogspot.com/.

Uma Noite Fora de Série*

2010-04-09T19:22:00.008-03:00

Ser (e mostrar-se) esperto

Um casal, interpretado pelos mais comediantes que atores Steve Carell e Tina Fey, quer uma noite diferente, e consegue uma bem ao estilo “sessão da tarde” – para não entrar em spoilers já mostrados pelo trailer, “cheia de aventuras de tirar o fôlego”. Essa é a premissa de Uma Noite Fora de Série (Date Night – EUA, 2010), de Shawn Levy, filme cujo recheio traz encadeamentos tão absurdos que criam expectativa e ambiente curiosos – embora não vá muito além disso.

Por mais que o assunto aqui seja um casal, e não um indivíduo a perambular à noite por Nova Iorque, essa sinopse (e o que carrega o filme) leva à inevitável lembrança de Depois de Horas (1985), de Martin Scorsese. Não se trata, obviamente, de pedir a Levy um filme tão autoral quanto aquele – ainda que um dos menos inspirados de Scorsese. Mas o que mais incomoda aqui é o fato de ele (que soa como o maior responsável pelo que existe de menos brilhante ali) não conseguir ir além de um irritante grifo televisivo em um filme-novela com potencial como este.

A direção aqui, ao invés de suavizar as mudanças de atmosfera (o que, me parece, seria mais interessante), potencializa o efeito bipolar do roteiro. É impressionante como são incluídas sequências que vão da tristeza à mais completa euforia – sempre frisados. Sobram boas intenções para se fazer uma maluquice híbrida de gêneros, mas falta delicadeza para trabalhar com elementos que se mostram a princípio desarmônicos não só em um único filme, mas às vezes em uma única cena.

É instalada então uma crise de identidade. Uma Noite Fora de Série é uma comédia conservadora à base de estrelas, rostos e corpos atraentes e carismáticos, mas todo blockbuster da mesma família o é. Com isso, o que mais salta aos olhos é o potencial nunca explorado, mas sim geralmente atropelado – às vezes literalmente. Dos personagens ao resultado, presenciamos uma confusa correria sem fim que parece mais uma pressa gratuita (que resulta em mais se$$ões por dia) que o ritmo do filme de fato.

Uma Noite Fora de Série não funciona tão bem como o que se espera de uma comédia comandada por Levy, Carell e Fey (isto é, pouco além do puro riso), e chega próximo de ser um ótimo passatempo – uma das sessões mais rápidas nos últimos tempos. Mas seu caráter domesticamente tresloucado não nos prende tanto pela atenção e pela criatividade de fato, embora elas estejam presentes ali. A impressao maior é a de um roteirista que, ao invés de fazer um bom roteiro que falasse por si só, preferiu dizer “olha como posso escrever uma trama cheia de arti-manhas”. A tentativa de ser diferente soou maior que o talento – e nem Levy, Carell e Fey conseguiram ir além disso.

Visto, em cabine de imprensa, no Multiplex Iguatemi – abril de 2010.

Uma Noite Fora de Série (Date Night – EUA, 2010)
Direção: Shawn Levy
Elenco: Steve Carell, Tina Fey, Mark Wahlberg, James Franco, Mila Kunis, Ray Liotta
Duração: 88 minutos
Projeção: 2.35:1

8mm
Chuva sem água
Graças ao fantástico sistema viário de Salvador (de ônibus, gastei 35 minutos de casa ao Iguatemi – o mesmo que gastaria a pé), cheguei à cabine de Caso 39 (Case 39 – EUA, 2009), de Christian Alvart, com dez minutos de atraso, o que não me deixa falar do filme. E não, o pior é que, na quarta-feira (7), não havia caído uma gota de água em Salvador – engarrafamento era só pra agradar mesmo.

BBB da morte
Baseado em livro fenômeno japonês, a premissa de Batalha Real (2000), de Kinji Fukasaku, é fantástica. Em mundo apocalíptico, o país sofre com desemprego e violência juvenil, e 41 alunos (maioria conhecidos entre si) são enviados a uma ilha para disputar um jogo cujo objetivo é simples e irreversível: depois de três dias, entre os 41 colegas, ser o único sobrevivente. É uma espécie de reality show militar, um tipo de BBB da morte. Cada “eliminação”, e o que leva cada a um matar (ou morrer), é geralmente bem marcante, mostrando do que o ser humano é capaz quando acoado e atordoado – com o filme indo (mesmo sem nunca parecer colocar a política à frente) de um manifesto direitista a um absurdo otimista (didático e irritante). Por outro lado, a trilha soa presente em demasia, e excessão feita aos momentos informativos (e agonizantes), que nos ajudam a contabilizar as mortes, os letreiros parecem redundantes; assim como os diálogos, em sua maioria uma coleção de lugares comuns – o que contrasta ainda quando pensamos em raros momentos de pura inspiração. Mesmo assim, ainda que outro porém sejam os dez minutos finais, Batalha Real é qualquer coisa menos ordinário. E já precisa ser revisto.

Filmes da semana:
1. Batalha Real (2000), de Kinji Fukasaku (DVDRip) (***)
2. Os Viciados (1971), de Jerry Schatzberg (DVDRip) (**1/2)
3. Boleiros 2: Vencedores e Vencidos (2006), de Ugo Giorgetti (DVDRip) (***)
4. O Fantástico Sr. Raposo (2009), de Wes Anderson (Cinemark) (**1/2)
5. Crimes e Pecados (1989), de Woody Allen (DVDRip) (***)
6. Beijo na Boca, Não (2003), de Alain Resnais (DVDRip) (**1/2)
7. Caso 39 (2009), de Christian Alvart (Multiplex Iguatemi – Cabine de imprensa) (**)
8. Uma Noite Fora de Série (2010), de Shwan Levy (Multiplex Iguatemi – Cabine de Imprensa) (**1/2)
9. Clube da Lua (2004), de Juan José Campanella (DVDRip) (**1/2)
10. Permanent Vacation (1980), de Jim Jarmusch (DVDRip) (**1/2)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Chico Xavier*

2010-04-03T08:26:00.008-03:00

Apatia psicografada

Chico Xavier (idem – Brasil, 2010), de Daniel Filho (Se Eu Fosse Você 1 e 2, Primo Basílio), é menos um filme que um manifesto religioso institucional, é mais um ponto de partida sem desenvolvimento que um ponto de vista. É um filme que ou se sustenta no factual histórico, que faz questão de querer se auto-legitimar no fim, ou investe na defesa da fé. O porém, e aí talvez resida o maior problema dele, é que essa fé não é na ou da ficção – o que o filme é (por mais que baseado em fatos reais e com término institucional) –, mas na fé no e do personagem, com e de suas convicções.

Desde o começo, Daniel Filho demonstra o que pode ser visto como competência, mas essa competência vem muito mais da inevitável experiência adquirida após 40 anos de produção especialmente para a tv do que de um talento específico para fazer cinema. O melhor exemplo disso talvez seja a cena (entrecortada com flashbacks durante todo o filme) em que é reconstituído o programa Pinga Fogo, da TV Tupi, em famosa entrevista de Chico Xavier.

O ritmo é tão convincentemente televisivo – e consequentemente rápido – que a distração causada pelos cortes e movimentos se torna maior que a atenção dada à mensagem passada por Chico Xavier (Nelson Xavier). Se a tentativa foi dar força a Chico Xavier ou à reconfiguração histórica (até por vermos um ator reconhecido por todos, Tony Ramos), ela é falha; se foi reforçar a personalidade do ateu vilanístico da história, funcionou.

Mas, como em várias outras bioproduções com presunção essencialmente populista num tempo recente (talvez em toda a Retomada), de Pelé Eterno a Lula – O Filho do Brasil, aqui o personagem torna-se maior que o filme. Não bastasse os créditos finais acompanhados de imagens de arquivo reencenadas no filme, e o uso de toda a expressão caricatamente martirizável de Ângelo Antônio como o personagem adulto, somos (re)lembrados da hora da morte de Chico Xavier, para chegar à conclusão de que toda a espiritualidade dele estava certa.

Não que haja problema em defender uma ideia religiosa – longe disso. O problema é que, no fim, a impressão é que esse caráter defensor da direção e do roteiro (de Marcos Bernstein, de Central do Brasil) não privilegiaram o que a ficção poderia dar de melhor, já que os principais acontecimentos da vida do personagem guiam o filme em piloto automático, sem quase nada além do óbvio. O poder de convencimento, que aqui podemos chamar até de mérito, está mais ligado à fé na doutrina do que na maneira como defende ela. O que, infelizmente, só ressalta a sensação de apatia que beira a preguiça.

Visto, em Cabine de Imprensa, no Multiplex Iguatemi – Salvador, março de 2010.

Chico Xavier (idem – Brasil, 2010)
Direção: Daniel Filho
Elenco: Nelson Xavier, Ângelo Antônio, Matheus Costa, Tony Ramos, Christiane Torloni
Duração: 124 minutos
Projeção: 1.85:1

8mm
Soul Kitchen (2009), de Fatih Akin
Ainda que deixe um talvez demasiado gosto da decepção, Soul Kitchen (2009), de Fatih Akin, nos mostra uma Anna Bederke que, se tudo der errado, vai no mínimo sempre lembrar Anna Karina – musa de Godard e da Nouvelle Vague nos anos 60. E como adendo, além de a moça parecer mais alguém que não tenho certeza (acho que não é Uma Thurman), o que contribuiu para uma impressão promissora é que ela faz aqui apenas seu primeiro filme. Anna Bederke.

Filmes da semana:
1. Ressaca de Amor (2008), de Nicholas Stoller (DVD) (***1/2)
2. O Filho da Noiva (2001), de Juan José Campanella (DVD) (***1/2)
3. Halloween 2 (2010), de Rob Zombie (Multiplex Iguatemi) (**1/2)
4. Chico Xavier (2010), de Daniel Filho (Multiplex Iguatemi – Cabine de Imprensa) (**)
5. Soul Kitchen (2009), de Fatih Akin (Cine Vivo) (**1/2)
6. Comédias e Provérbios: Pauline na Praia (1983), de Eric Rohmer (DVDRip) (****)
7. Noite Americana (1973), de François Truffaut (DVD) (****)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamqueca.com.br.

Bons Costumes*

2010-03-27T11:11:00.006-03:00

Logo no início de Bons Costumes, somos apresentados a uma insuportavelmente aristocrata família do interior inglês (nos anos 20), que espera o filho com sua respectiva esposa, surpreendente não só ao ser americana – sem disfarçar o sotaque – como também ao ser mais velha que o imaginado. Tudo funciona em torno das conturbadas relações entre ela e a família dele, especialmente a mãe, uma Kristin Scott Thomas em sempre convincente inconveniência. Do ritmo à entonação, ambos bem específicos e afastados de uma atuação mais naturalista, percebemos que Bons Costumes, de fato, passa a certeza de ser adaptado de uma peça. O que não é, felizmente, a mesma coisa de teatro filmado.

Com base em um roteiro bem estruturado, aliado a um excelente texto escrito para a tela ainda com todo um ranço teatral, Stephan Elliott (Priscilla – A Rainha do Deserto) utiliza o seu domínio de cinema para potencializar o que existe de bom ali. Ele conduz tudo com leveza e domínio do meio, mostrando (pelo bem do andamento do filme) a utilidade como movimento de câmera, da mudança de locação na continuidade de uma cena, da presença e do acontecimento de coisas impossíveis no teatro – sem entrar no mérito da comparação da qualidade de um com o outro.

Curiosamente, o tom acima de quase tudo em Bons Costumes contrasta com uma pretensão que visa qualquer coisa menos o topo. É um filme tão old school, e com olhar tão caro ao passado que deixa claro se contentar em ser um bom retrô. É como ver, numa botique contemporânea, uma camisa nova mas com a pinta de uma datada e charmosa peça de brechó. Dado seu caráter de aparência inicial inegavelmente genérica, ela precisa ser analisada de perto para perceber que, em seus poucos detalhes, ela figura entre as mais diferenciadas.

Ps: Enquanto revisava o texto, consegui o feito de deletar parte de um parágrafo e, sem perceber (sabe-se lá como), salvar e sair – ou equivalente. Como resultado, tive de apagar todo o parágrafo, que ficaria entre o segundo e o terceiro daí. Crítica perdeu nexo.

Bons Costumes (Easy Virtue – EUA/ Canadá, 2008)
Direção: Stephan Elliott
Elenco: Jessica Biel, Ben Barnes, Kristin Scott Thomas, Colin Firth
Duração: 97 minutos
Projeção: 2.35:1

8mm
Top-10 Março:
10. Separações (2002), de Domingos Oliveira (***) e Not Quite Hollywood: The Wild, Untold Story of Ozploitation (2008), de Mark Hartley (***)
9. Mad Max (1979), de George Miller (***1/2)
8. A Faca na Água (1962), de Roman Polanski (***1/2)
7. Mãe – A busca pela verdade (2009), de Joon-ho Bong (***1/2)
6. Sem teto, nem lei (1985), de Agnès Varda (***1/2)
5. Medos Privados em Lugares Públicos (2006), de Alan Resnais (***1/2)
4. Ilha do Medo (2010), de Martin Scorsese (***1/2)
3. Intriga Internacional (1959), de Alfred Hitchcock (****)
2. Encontros e Desencontros (2003), de Sofia Coppola (****)
1. Bastardos Inglórios (2009), de Quentin Tarantino (****1/2)

Filmes da semana:
1. Mad Max (1979), de George Miller (DVD) (***1/2)
2. Martha (1974), de Rainer Werner Fassbinder (DVD) (***)
3. Bastardos Inglórios (2009), de Quentin Tarantino (DVD) (****1/2)
4. Lili Marlene (1981), de Rainer Werner Fassbinder (DVD) (***)
5. Malena (2000), de Giuseppe Tornatore (DVD) (**)
6. Aos Treze (2003), de Catherine Hardwicke (DVD) (***)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

A ignorância de Julio*

2010-03-25T11:18:00.004-03:00

“Eu não entendo tanto de cinema”
se desculpa.
“Não tem importância, querida
Não cobro fiança.”

“Gosto da Argentina, contudo”
se redime
“Por causa de Maradona?”
aperto
“Não exatamente.
Menos por ele que pelo espírito
platino”
se desafoga
antes de jogar a bomba
“Mas também por causa de Julio.”
“Grondona?”
fico com medo
“Não, Cortázar”

“Isso merece um brinde”
ainda incrédulo
“À Argentina de Cortázar
parisiense
e a Michelangelo
Em Londres”

“Isso eu entendi”
se espinha
feliz
“O mundo seria melhor
se toda mulher que não entendesse tanto
de cinema
lesse Cortázar”
ganho em euforia

“E”, bebe
compulsivamente, antes de completar
“E, como ia dizendo
O mundo seria melhor
se todo e qualquer
imbecil
percebesse quantos gênios
ou quase isso
nossos vizinhos já fizeram”
declama em praça pública
da cama própria
“Ah, se fosse sempre assim
a ignorância cinematográfica...”

Salvador e Itabuna, fevereiro de 2010

Beijo
As Babas do Diabo, conto de Julio Cortázar, é uma maluquice sem tamanho – e muito talento. Como é a adaptação, completamente infiel, de Michelangelo Antonioni: Blow Up – Depois Daquele Beijo (1966). Uma partida de tênis nunca mais será a mesma...

Argentina
Já que o texto está quase uma ode à Argentina, além de Cortázar, da literatura, bom frisar que não falta gente boa no cinema dos nossos estimados vizinhos. De Pablo Trapero e sua Família Rodante (2004) a Lucrecia Martel e sua Menina Santa (2004). Isso para não falar no mais acessível, especialmente se comparado a Martel, O Filho da Noiva (2001), de Juan José Campanella. Por favor, eles também são bons.

* Coluna Cinebar originalmente publicada na (também impressa) edição de março do Jornal Direitos - www.jornaldireitos.com.br.

Um Sonho Possível*

2010-03-20T13:34:00.008-03:00

Profissão institucional

Um Sonho Possível (The Blind Side – EUA, 2009), como tantos outros, é um filme constrangedor eclipsado por uma história bonita – ou vice-versa, a depender de seu ponto de vista. E ainda que tenha seus momentos, é difícil imaginá-lo como algo além de “aquilo que levou Sandra Bullock ao Oscar”.

O filme é adapatado e dirigido por John Lee Hancock, homem de esportes (Desafio do Destino) e de drama histórico (O Alamo), ambos baseados em fatos reais. Em Um Sonho Possível, ele parece renovar por vários anos o seu contrato com professores de história e defensores da auto-ajuda; com o importante adendo de que o contrato ecoa muito mais forte que o cinema.

A história é de Michael Oher (Quinton Aaron, de tão repetitivo, mais irritante que expressivo), jovem obeso, negro, pobre e sem família, que só consegue vencer na vida depois de ser adotado por uma abastada família branca. O filme tem lá suas boas ideias e pontos interessantes, mas o curioso é que o melhor dele talvez seja o fato de não falar de um quarterback, e sim de um left-tackle, uma posição (assim como a outra, sem correspondência exata no “nosso” futebol) pouco visível e nada vistosa para leigos no futebol-americano.

Logicamente, algo está errado se o maior mérito do filme está na sua sinopse, e não na sua execução. E o que mais soa equivocado em Um Sonho Possível é a obsessão de ele trazer para si um peso que nunca sustenta. Caso a tristeza e a agonia, que estão lá, fossem exibidas em CNTP, o resultado seria menos redundante, mais palpável e próximo de uma situação verdadeiramente real. A dor e circunstâncias já são tão inimagináveis para a maioria que não havia a necessidade de se passar tanto o marcador de texto. Machuca os olhos.

Quando chega em seu final, como acontece com o começo, Hancock volta a convocar o caráter esportivo e oficial, em tom que lembra muito 2 Filhos de Francisco – A História de Zezé di Camargo e Luciano (2005), de Breno Silveira. O senão é que no caso brasileiro o problema maior é a brusca mudança de tom (de um razoável melodrama a um embaraçoso institucional pretensamente intimista), enquanto que, aqui, o “real” não “intervém”, e sim completa da maneira mais preguiçosa possível. O que contribuiu para a vitória do caráter podre de oficial que Hancock parece tanto buscar. Bem maior que sua vontade em (e, provavelmente, de seu talento para) fazer cinema.

Ps: Curiosamente, Sandra Bullock é a melhor coisa do filme – e ainda que exista o óbvio demérito dele, existe também o mérito dela. Mais do que nunca, ela e o diretor parecem cientes não só das suas limitações, como também de como ela (depois de se conter e/ou de esforçar muito pouco em quase tudo que fez) pode funcionar através de seu carisma e de seu contido esforço em trazer algum humor para a cena. Por outro lado, também acho que contribuiu o contraste, a expectativa criada depois de vermos a loirice e a aparência inicial tão fútil e imbecil para uma atriz que, há tempos, não era mais levada a sério.

Visto, em cabine de imprensa, no Multiplex Iguatemi – março de 2010

Um Sonho Possível (The Blind Side – EUA, 2009)
Direção: John Lee Hancock
Elenco: Sandra Bullock, Tim McGraw, Quinton Aaron, Jae Head, Lily Collins
Duração: 129 minutos
Projeção: 1.85:1

8mm
Sem Teto, Nem Lei (1985)
Quando o assunto é o movimento hippie e seus ideais, começamos geralmente do irregular (mas relevante) Easy Rider – Sem Destino (1969), passamos pela excepcional adaptação de Hair (1979), de Milos Forman, e, infelizmente, chegamos a Ang Lee se lambusando com o fraco Aconteceu em Woodstock (2009). Independente da qualidade, a maior parte deles tendem a um olhar lúdico, de prazer sem ônus, ou, no máximo, de um enfoque na beleza da melancolia. Em Sem Teto, Nem Lei (1985), contudo, a belga Agnès Varda mostra a vida de uma francesa, a quem somos apresentados já morta e que, vamos assistindo, levou às últimas consequências seu modo de vida que, sem casa, vivia entre, e debatia sobre, a extrema liberdade e a extrema solidão. Apesar de alguma redundância talvez potencializadora, mas também maçante, temos um retratro cru (e cruel), com honestidade reforçada não só pela forma como tudo é mostrado, como também pela atuação de Sandrine Bonnaire. Quase obrigatório.

O Livro de Eli (2010)
O Livro de Eli (2010) pode ser resumido como uma versão, além de pouco feliz, catequizadora de 451 Fahrenheit (1966) de Truffaut. Mas se o filme do ex-Cahier é um de seus mais fracos, pelo menos carregava uma límpida paixão pelos livros. O Livro de Eli, por sua vez, se resume a dois ou três planos-sequências (ou que passam a ilusão de o serem), sem nada além da pura técnica ou da estilização, que não convencem. Nem a inerente paixão pelo tema se faz presente de verdade.

Filmes da semana:
1. Boleiros – Era uma vez o Futebol... (1998), de Ugo Giorgetti (DVDRip) (**1/2)
2. Os Esquecidos (1950), de Luis Buñuel (DVDRip) (**1/2)
3. Not Quite Hollywood: The Wild, Untold Story of Ozploitation (2008), de Mark Hartley (DVDRip) (***)
4. Sem Teto, Nem Lei (1985), de Agnès Varda (sala Walter da Silveira) (***1/2)
5. Um Sonho Possível (2009), de John Lee Hancock (Multiplex Iguatemi – Cabine de imprensa) (**)
6. O Livro de Eli (2010), dos irmãos Hughes (Cinemark – Cabine de Imprensa) (**1/2)
7. Bons Costumes (2008), de Stephan Eliott (Cine Vivo) (***)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Ilha do Medo*

2010-03-13T08:24:00.013-03:00

O triste fim da agonia

Desde a apresentação do logo da Paramount em Ilha do Medo (Shutter Island – EUA, 2010), embora flerte com o clichê, a soturna trilha sonora se distancia o suficiente do óbvio para trazer uma convincente agonia que parece não ter fim. E apesar do roteiro ser tão pouco crível (a ponto de nem se encaixar com a certa dose de exagero proposta), Ilha do Medo é também, enquanto combinação de som e imagem, um dos resultados mais potentes obtidos por Scorsese nos últimos anos – ainda que essa mesma potência termine por escancarar os contras do filme.

A paranoia – e praticamente tudo ligado a ela, o que não é pouca coisa – é sentida por Teddy Daniels (Di Caprio soberbo), detetive cujo passado tem o hábito de atormentá-lo, desde a passagem pela guerra a problemas familiares. Essas sequências são mostradas em cenas com expressividade e (em alguns casos) estilização que se juntam a uma leveza para a criação de uma forte empatia com o atormentado Daniels. Obcecado por questões obscuras não só no seu passado como na inóspita, hostil e aterrorizante ilha-manicômio onde se encontra, ele mergulha cada vez mais em um mundo cheio de perguntas sem resposta.

O porém é quando essas perguntas, e outras que não eram feitas, ganham resposta – não li o livro e não sabia da reviravolta. É inevitável lembrar de detalhes e momentos marcantes do filme que, quando colocados juntos à sua mudança de rumo, fazem essa virada tão surpreendente quanto tola. Assim como boa parte da penúltima cena, que investe um bom tempo em uma explicação – quase tão irritante quanto detalhada – do que aconteceu. O fim da tensão aflitiva é a queda de um precipício de qualidade, é o término do que o filme tem de excelente.

É natural pensar que muito do que incomoda em Ilha do Medo vem justamente do poder de Scorsese em potencializar esse contraste. O brilhantismo na construção da atmosfera ressalta o esquematismo e a confusão do (mesmo assim interessante) roteiro. O que se nos deixa a sensação de ainda estarmos diante de um mestre (há algum tempo) no apogeu de seus domínios, também nos deixa a certeza de que ele já escolheu – ou escreveu – filmes mais bem resolvidos.

Visto em cabine de imprensa no Multiplex Iguatemi– Salvador, março de 2010.

Ilha do Medo (Shutter Island – EUA, 2010)
Direção: Martin Scorsese
Elenco: Leonardo di Caprio, Mark Ruffalo, Bem Kingsley, Max Von Sydow, Michelle Williams, Emily Mortimer
Duração: 138 minutos
Projeção: 2.35:1

8mm
Mãe – A busca pela verdade
Em Mãe – A busca pela verdade (Madeo – Coréia do Sul, 2009), de Joon-ho Bong, tudo é bem calculado, o mistério é cuidadosamente mantido, e o final é algo surpreendente. Sua mecânica, contudo, varia entre o completo domínio do meio e do público (é provável que em mais de uma vez você acredite estar certo quando não está), e uma necessidade – que me incomodou – de justificar a inserção de cada mínimo detalhe, de se assumir milimetricamente dominador e excessivo, pela potencialização da reviravolta. O que ele já tinha sido em O Hospedeiro (2006), é verdade, mas (talvez pelo fato de se tratar de um filme de gênero), o “deixar claro que tenho o controle”, pelo menos ali, parecia fluir mais naturalmente. Ainda assim, também como em O Hospedeiro, estamos diante de um entretenimento de altíssimo nível. Agora com um filme cujo gênero é menor que a mensagem. Aqui, ele faz uma defesa da cegueira do amor – e do viver bem isso. Bonito.

Filmes da semana:
1. O Medo do Goleiro diante do Pênalti (1972), de Wim Wenders (VHSRip) (**1/2)
2. Separações (2002), de Domingos de Oliveira (DVDRip) (***)
3. Mãe – A Busca Pela Verdade (2009), de Joon-ho Bong (Cinema da Ufba) (***1/2)
4. A Faca na Água (1962), de Roman Polanski (DVDRip) (***)
5. Intriga Internacional (1959), de Alfred Hitchcock (DVDRip) (****)
6. Ilha do Medo (2010), de Martin Scorsese (Cabine de imprensa – Multiplex Iguatemi) (***1/2)
7. A Câmara da Morte (2007), de Alfred Lot (DVDRip) (**1/2)
8. Onde Vivem os Monstros (2009), de Spike Jonze (Cinema do Museu) (***)
9. Quanto Dura o Amor (2009), de Roberto Moreira (Cinemark) (***)

* Couna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Zumbilândia*

2010-03-06T09:54:00.006-03:00

Auto-conhecimento

Zumbilândia (Zombieland – EUA, 2009), de Ruben Fleischer, é uma adorável brincadeira sobre fazer um tipo de filme – o de zumbis americanos – fadado ao aparente esgotamento, e ter consciência disso. É saber da inevitabilidade de a que e a quem recorrer, mas – até para “justificar” a própria existência do filme – entregar um resultado com cara própria.

Cara essa que vem desde a apresentação dos créditos, ao som de Metallica e a sua For Whom The Bell Tolls, acompanhada por imagens em câmera lenta, dando um caráter estilizado e escancaradamente lúdico ao filme. Com esse cartão de visitas, Fleischer já deixa claro que o investimento é menos na crítica (embora ela exista) característica de George A. Romero (Noite dos Mortos Vivos, Diário dos Mortos) que no deslavado entretenimento pessoal.

No resto do filme, é perceptível – ou no mínimo deduzível – que ele se divertiu pacas em cada cena. Seja carregada de morte e de sangue, seja marcada pela construção dos personagens, que vão de absurdo e compreensível maquiavelismo à mais completa estupidez.

Antes de uma crítica ao roteiro e a Fleischer, essa estupidez entra como possível metáfora – o que os melhores filmes de Romero conseguem – para o comportamento do conservador norte-americano diante do mundo. E num mundo, possível apenas no gênero, cujo norte está no desejo de se divertir ao se filmar sangue e ao se preencher de peso a trilha sonora, no que remete – mais até do que a Romero – a Rob Zombie (das versões mais recentes de de Halloween e Halloween II).

Essa diversão ao se filmar e dirigir atores em diálogos pretensamente espertos, aliados a efeitos visuais claramente contemporâneos (para não dizer nati-mortos com destaque para a data), faz lembrar Guy Ritchie em edição melhorada. O que, se por um lado está longe de ser um elogio, por outro mostra que um diretor pode estar claramente atrelado ao seu tempo e aos vícios ligados a ele, mas ainda assim ter algo de genuíno dentro da massa amorfa: se nem tanto em o quê dizer, pelo menos em como dizer.

Ainda que tenha uma às vezes exagerada vontade de ser cool, Zumbilândia demonstra muito auto-conhecimento. Ciente de seus limites, expostos tanto na (falta de) pretensão como no próprio executar (a estilização e o diferencial vão até onde o talento pode levar), ele funciona como o entretenimento pessoal e sem vergonha que tenta ser.

Visto no Multiplex Iguatemi – Salvador, março de 2010.

Zumbilândia (Zombieland – EUA, 2009)
Direção: Ruben Fleischer
Elenco: Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Emma Stone, Abigail Breslin
Duração: 88min
Projeção: 2.35:1

8mm
A Fita Branca
É difícil falar sobre A Fita Branca (2009), que deve ganhar o Oscar de melhor filme estrangeiro no domingo (7). Como tudo de Michael Haneke, tem momentos brilhantes e cenas que devem se tornar indeléveis, mas não dá a certeza – o que provavelmente nem ele queira – de ser bom. Também como tudo dele, embora particularmente fique sempre com muita vontade de ler sobre, o desejo de revê-lo dentro de uma década é quase nulo. Ou seja, A Fita Branca, como as coisas Hanekianas funcionam para mim, é um filme que instiga e afasta com a mesma intensidade.
Ps: Filme cresce ao se pensar nele.

Resnais
Com um atraso monumental, vi o igualmente monumental (embora claudicante antes de engatar de vez na última meia-hora) Medos Privados em Lugares Públicos (2006), de Alan Resnais. Como alguém pode envelhecer fazendo filmes como esse e Ervas Daninhas (2009)? Não lembro quem disse (pensei ter sido André Setaro, mas não encontrei no blog dele a afirmação), mas alguém disse que Resnais era, possivelmente, o maior cineasta vivo. Talvez não seja, mas isso pouco importa. Sendo ou não, ele é alguém cujo talento perceptível se junta à vivacidade de um jovem no auge de sua forma – aos 87 anos.

Filmes da semana:
1. Sexy e Marginal (1972), de Martin Scorsese (DVDRip) (**1/2)
2. Zumbilândia (2009) (Multiplex Iguatemi) (***)
3. Encontros e Desencontros (2003), de Sofia Coppola (DVD) (****)
4. Linha de Passe (2008), de Walter Salles e Daniela Thomas (DVDRip) (**1/2)
5. Medos Privados em Lugares Públicos (2006), de Alan Resnais (DVDRip) (***1/2)
6. Aconteceu em Woodstock (2009), de Ang Lee (Cine Vivo) (**)
7. Valsas de Viena (1934), de Alfred Hitchcock (DVDRip) (***)
8. A Fita Branca (2009), de Michael Haneke (Cine Vivo) (***)
9. Filme de Amor (2003), de Julio Bressane (DVDRip) (**1/2)
Curta:
1. Cinema Novo (1967), de Joaquim Pedro de Andrade (DVDRip) (***)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Ah... o Amor!*

2010-02-27T10:17:00.006-03:00

Humanização otimista

Ah... o Amor!, a cretina tradução para Ex (2009 – Itália/ França, 2009), de Fausto Brizzi (roteirista tarimbado, terceiro longa), é o tipo de título constrangedor que, passados os primeiros dois minutos do filme, tende a te levar a todo tipo de previsão apocalíptica para as próximas duas horas. Todavia, apesar dessa aura negativa fazer questão de ter sua voz amplifica logo de cara, o resto da projeção se mostra como uma deliciosa comédia de costumes (mas não só), que, embora tente, não consegue ser estragada nem pelos dez minutos finais – proibidos para diabéticos.

A história é basicamente sobre vários casais que, passados seis anos, vêm suas situações assaz diferentes. Além de tola, a apresentação é funcional, e a elipse subseqüente é didática. Feita essa introdução, Fausto Brizzi deixa claro que o norte será menos o cinema do que a comédia – sem que, para isso, a narrativa audiovisual (o meio para se chegar ao resultado) tenha de ser ofendida.

O maior investimento desse humor, ao invés do tradicional pastelão que tanto caracteriza parte do bom cinema italiano, está principalmente no texto. Graças a uma cuidadosa escrita, Brizzi, que trabalha com uma humanização (vez ou outra, todos fazem alguma besteira) otimista (todos ficam juntos e/ou felizes com suas condições) de todos os seus personagens, consegue encaixes surreais que criam toda uma atmosfera própria. De Caravaggio a Nani Moretti, passando por situações absurdas (aceitáveis dentro desse mundo criado), tudo transborda uma anedota, uma vontade de rir, ou de fazer rir (ainda que da própria miséria) – sem apelar tanto para o chulo ou para a obviedade constrangedora.

Não é que Ah... o Amor! seja um filme sem defeitos, longe disso. A trilha sonora, que tem até The Calling (nada mais infanto-juvenvil sem gosto e identidade), é o que mais deixa a incômoda sensação de uma vontade desmedida de ter que abraçar o mundo inteiro; se assumindo, sem vergonha alguma, como um produto tipo exportação – o que pode levar a um curioso diálogo com Nine (2009). Se o filme de Rob Marshall resume um clássico do cinema italiano (8½ de Fellini), e parte da própria Itália apaixonante, ao mercado didático americano, Ah... o Amor! se mostra como um italiano colonizador (vemos muito da Itália linda e lindamente acessível – de se ver), mas também colonizado – das músicas genéricas americanas ao gênero abraçado.

De qualquer jeito, o filme de Brizzi está longe de ser um poço de preguiça ou de alienação (embora limpidamente burguês), e consegue também funcionar como sátira que alfineta, entre outras, a Igreja católica. E mesmo que ele se lambuze todo no final (deveras arrastado), esse problema é menos exclusivo de Brizzi que da fidelidade ao gênero. Gênero esse que, geneticamente ligado à continuidade da indústria, estaria próximo do ideal (ainda que, obviamente, relativo) se fosse sempre assim.

Visto no Cine Vivo – Salvador, fevereiro de 2010.

Ah... o Amor! (Ex – Itália/ França, 2009)
Direção: Fausto Brizzi
Elenco: Alessandro Gassman, Fabio De Luigi, Claudia Gerini, Cristiana Capotondi, Cécile Cassel, Flavio Insina, Gianmarco Tognazzi
Duração: 120 minutos
Projeção: 2.35:1

8mm
Filmes da semana:
1. Quem Bate à Minha Porta (1967), de Martin Scorsese (DVDRip) (***1/2)
2. Ah... o Amor! (2009), de Fausto Brizzi (Cine Vivo) (***1/2)
3. Luz de Inverno (1962), de Ingmar Bergman (DVD) (**1/2)
4. Quando Explode a Vingança (1971), de Sergio Leone (DVD) (**1/2)
5. Sweeney Todd (2007), de Tim Burton (DVD) (***)
6. Inimigos Públicos (2009), de Michael Mann (DVD) (****)
7. Glauber o Filme, Labirinto do Brasil (2003), de Silvio Tendler (DVD) (***)
8. O Piano (1993), de Jane Campion (DVD) (***)

Top-10 de fevereiro:
10. O que Resta do Tempo (2009), de Elia Suleiman (***)
9. Guerra ao Terror (2009), de Kathryn Bigelow (***)
8. Comédias e Provérbios: O Raio Verde (1986), de Eric Rohmer (***1/2)
7. Baile Perfumado (1997), de Paulo Caldas e Lírio Ferreira (***1/2)
6. Quem Bate à Minha Porta (1967), de Martin Scorsese (***1/2)
5. O Sabor da Melancia (2005), de Tsai Ming-Liang (***1/2)
4. Estrada Perdida (1997), de David Lynch (***1/2)
3. Ah... o Amor! (2009), de Fausto Brizzi (***1/2)
2. Inimigos Públicos (2009), de Michael Mann (****)
1. Persona (1966), de Ingmar Bergman (*****)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

O Lobisomem*

2010-02-20T08:40:00.008-03:00

Susto preguiçoso

É difícil defender, e até falar sobre, O Lobisomem (The Wolfman – Reino Unido/ EUA, 2010), de Joe Johnston (de Jumanji, Jurassic Park 3). O filme é a picaretagem travestida de homenagem, a preguiça disfarçada de tradição; em suma, é uma bobagem que só envergonha quem entrou nele.

A princípio, o filme é uma refilmagem do clássico de George Waggner, de 1941. No entanto, com base nas impressões deixadas, poderia ser descrito como qualquer blockbuster que envolva ação e aventura (à la Michael Bay): nada vai além do barulho, do sublinhar o já perceptível, do tesão em causar dor de cabeça, da vontade de explorar rostos e corpos potencialmente mais ligados à bilheteria que ao encaixe com o papel.

Um momento forte, por exemplo, mostra um homem que, após cair de certa altura, é esmagado por uma cerca. Imagem idêntica, embora com cena diferente, temos no norueguês O Homem que Incomoda (2006), de Jens Lien. Mas a diferença entre ambos, como o óbvio estereotipado pode sugerir, não está numa frieza nórdica diante de um jeito hollywoodiano de filmar ação. A diferença é que um diz o que quer dizer – o que já é um mérito – e diz do seu jeito. O outro não tem o quê nem sabe como dizer.

Pode-se afirmar que a reconstrução de época da Inglaterra é fiel, mas também é inegável que o caráter escuro-sombrio-úmido flerta menos com um classicismo (e domínio) do gênero de terror do que com um recurso fácil para deixar o espectador confuso.

Só a ideia – que temos aqui – de resumir um filme de terror a algum sangue (calculadamente corajoso), cenas violentas (às vezes mal filmadas) e sustos a base de “bus” e “tuns”, já dá uma tristeza absurda, mas, infelizmente, não é só isso o que O Lobisomem consegue. Ajudado pela maioria esmagadora dos filmes do gênero que chegam sem dó e sem talento às telas dos maiores cinemas, uma fatia igualmente marcante do público acha que um bom filme de terror se aproxima disso. E apesar da ideia de o demérito ser coletivo confortar os ligados aos filme, ela não vale para quem gosta do gênero.

O Lobisomem (The Wolfman – Reino Unido/ EUA, 2010)
Direção: Joe Johnston
Elenco: Emily Blunt, Simon Merrels, Gemma Whelan, Benicio Del Toro, Anthony Hopkins
Duração: 102 minutos
Projeção: 1.85:1

8mm
Walter da Silveira
Pela primeira vez tive contato direto e mais abrangente com textos de Walter da Silveira – organizados por José Umberto Dias –, reunidos no livro O Eterno e o efêmero (Oiti Editora). E não deixa de ser curioso vê-lo, em 1958, num texto sobre Kubrick, falar tantas vezes em “autor”.

Filmes da semana:
1. Amarcord (1973), de Federico Fellini (DVDRip) (***)
2. O Lobisomem (2010), de Joe Johnston (Multiplex Iguatemi) (*1/2)
3. Comédias e Provérbios: O Raio Verde (1986), de Eric Rohmer (DVDRip) (***1/2)
4. As Aventuras de Robin Hood (1938), de Michael Curtiz e William Keighley (DVDRip) (**1/2)
Curtas:
1. Perto de Qualquer Lugar (2007), de Mariana Bastos (Porta Curtas) (**)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

O corredor de Lola*

2010-02-15T13:13:00.004-03:00

Isso não é um poema
ela diz.
Apoiada pelo óbvio.

Lola é um filme chato
ela diz.
Convidada pelo corredor
a acompanhá-lo
do lado de fora.

Sozinha
Sozinho
Nunca sozinhos.

Felizes
como o lado de cá do corredor.

Adolescência tardia não acaba.
O Décalogo
de Kieslowski.
Tarantino, Truffaut, Scorsese, Bukowski
Sofia Coppola, Clint Eastwood, Nelson Rodrigues
Zidane
Nunca sozinho.

Eles estavam certos.
Família é
a quem a gente recorre quando precisa.

O perdão pela heresia
é aberto.
O agradecimento pela companhia
também.

Salvador, janeiro de 2010

Lola
Tá certo que Corra Lola Corra é um bom filme, e também alemão, mas o assunto aqui é o Lola (1981), de Rainer Werner Fassbinder. Que não é só uma obra-prima de cores e interpretação, mas também uma antologia de grandes cenas cujo contraste está mais no mérito dos altos que no demérito dos baixos. Além de ser outra prova (embora não a principal) de que Fassbinder, se não foi o maior, foi um dos maiores filmadores de rostos da história do cinema. É coisa de talento – para todos os lados.

Zidane
Não lembro de já ter falado, aqui na coluna do Direitos, sobre futebol. Mas, aproveitando a carona do óbvio, nunca é demais lembrar, para quem gosta de agradar os olhos, que pouca coisa é, ou já foi, tão cinematográfica como ver Zidane jogar. Para quem gosta de futebol – já que o filme é menos uma defesa do cinema e das potencialidades de se filmar o caso do que de quão cinematográfico o próprio jogador é – vale a pena assistir ao Zidane – Um Retrato do Século XXI (2006), de Philippe Parreno e Douglas Gordon.

* Coluna Cinebar originalmente publicada na edição de fevereiro (também impressa) do Jornal Direitos - www.jornaldireitos.com.br.

Um Olhar do Paraíso*

2010-02-13T10:24:00.005-03:00

“Eu acredito em Deus”

Um Olhar do Paraíso (The Lovely Bones – EUA/ Inglaterra/ Nova Zelândia, 2009), de Peter Jackson (trilogia do Senhor dos Anéis, King Kong), é um dos poucos casos em que um orçamento gigantesco se combina com um perceptível algo a dizer. E ainda que esse algo a dizer seja uma mistura desequilibrada entre prosa e poesia (de qualidades discutíveis), existem momentos que a combinação de ambas apresenta características pessoais e um certo domínio de linguagem – e isso é sempre bom.

Susie Salmon (Saoirse Ronan, expressiva) é uma adolescente assassinada aos 14 anos e que, do céu, assiste a tudo que acontece com quem ela se relacionou, os seus lovely bones – os “ossos amáveis”, numa tradução literal e pouco sonora. Nesse assistir, ela oscila entre o comentar impotente e a narração reflexiva e influente. Como em Crepúsculo dos Deuses (1950), essa narração é feita por alguém que já morreu, mas o uso do artifício do clássico de Billy Wilder, sem contar o fato de o filme se passar na década de 70, não é o único ponto que nos remete ao passado.

Peter Jackson consegue o absurdo de fazer uma criança, no além, escolher para si o nome de Holly Golightly – a Bonequinha de Luxo (1961) encarnada por Audrey Hepburn em uma das personagens mais encantadoramente fúteis do cinema. De Hitchcock ele parece buscar a inspiração para desenhar um vilão convincente e que, graças à montagem paralela e perseguição agonizante próxima ao fim, faz o espectador sofrer um bocado dentro (e talvez se esconder) da cena – num ponto alto do domínio estilístico.

Não dá para dizer, contudo, que Um Olhar do Paraíso é um filme vintage ou um balaio de referências. Peter Jackson abusa de enquadramentos que vão de clássicos planos em 35mm à subjetiva do porão de uma casa em miniatura (!) – filmada, como outras tomadas, por uma câmera digital. De quebra, ele ainda se utiliza de um visual agraciado não só pelo orçamento generoso mas também pelos efeitos possíveis – em escala e precisão – somente nos dias de hoje.

A cena que mescla os barcos em miniatura com os vistos pela filha, as “aparições” e as sensações dela, que vão das amargas mãos atadas ao maravilhoso da intervenção divina, são pontos altos do filme no seu caráter mais poético. Poesia essa que, fabulária como vem, contribui para uma coerente visão ultra-otimista da justiça (que “tarda, mas não falha”) e da felicidade pessoal – também pós-vida terrena. O que se por um lado é ingênuo (já que mostra uma certeza de uma ordem superior, certeza essa que nenhum humano vivo pode ter), é também carinhoso o suficiente para deixar a voz do moralismo menor que a da fábula e do cinema fantástico.

Visto, em cabine de imprensa, no Multiplex Iguatemi – Salvador, fevereiro de 2010.

Um Olhar do Paraíso (The Lovely Bones – EUA/ Inglaterra/ Nova Zelândia, 2009)
Direção: Peter Jackson
Elenco: Mark Wahlberg, Saoirse Ronan, Rachel Weisz, Stanley Tucci
Duração: 135min
Projeção: 2.35:1

8mm
Invictus
Invictus (2009), de Clint Eastwood, passa basicamente duas impressões contraditórias. A primeira é de que Clint (não sei chamá-lo de Eastwood, perdão) há tempos não dá uma escorregada tão feia, e a segunda de que, apesar dos deslizes irreconhecíveis (cenas parecem realmente mal filmadas), existe ali alguém capaz de, apesar do material predominantemente simplório, trazer algo de bom – um toque de classe. Como na cena de abertura.
Todavia, é bom lembrar que em outros filmes dele (como Gran Torino e Menina de Ouro, para se restringir somente a essa década), tem-se não a suspeita, mas a certeza quase absoluta de que ninguém mais faria melhor com o que tinha em mãos. O que não parece ser o caso aqui. Infelizmente.

Cabines
Eu falei que, a princípio, não participaria mais de cabines de imprensa – e fui pra uma três dias depois. Ou seja – o que vocês já deveriam saber: não peguem nada do que escrevo como verdade definitiva. Por favor.

Filmes da semana:
1. Guerra ao Terror (2009), de Kathryn Bigelow (Multiplex Iguatemi) (***)
2. Invictus (2009), de Clint Eastwood (Cinemark) (**1/2)
3. Sweet Sixteen (2002), de Ken Loach (DVDRip) (**1/2)
4. Sexy Beast (2000), de Jonathan Glazer (DVDRip) (***)
5. Preciosa (2009), de Lee Daniels (Cabine de imprensa – Multiplex Iguatemi) (*1/2)
6. Um Olhar do Paraíso (2009), de Peter Jackson (Cabine de imprensa – Multiplex Iguatemi) (***)
7. Baile Perfumado (1997), de Paulo Caldas e Lírio Ferreira (VHSRip) (***1/2)
8. Persona (1966), de Ingmar Bergman (DVD) (*****)
9. O que Resta do Tempo (2009), de Elia Suleiman (Pré-estreia – Cine Vivo) (***)
10. Estrada Perdida (1997), de David Lynch (DVDRip) (***1/2)

* Coluna 70mm também publicada no http://www.pimentanamuqueca.com.br/.

Vício Frenético*

2010-02-06T10:24:00.008-03:00

Lisérgico controlado

Vício Frenético (Bad Lieutenant: Port of Call – New Orleans – EUA, 2009), não é uma simples refilmagem, assim como está longe de ser um dos filmes que mais carrega a assinatura de Werner Herzog. O que não quer dizer que a primeira afirmação seja carregada apenas de mérito e a segunda de demérito. Quer dizer sim que aí talvez resida justamente o ponto mais saliente do filme: ele é uma mistura de características teoricamente a favor com outras a princípio contra e que, juntas, chegam a um resultado heterogêneo e anômalo.

A cena de abertura, por exemplo, pode ser vista de basicamente duas maneiras distintas – cada uma com sua razão. Uma delas diz que a atitude altruísta não condiz com Terence McDonagh (Nicolas Cage, com qualidades e defeitos aproveitados), alguém cuja mistura de hedonismo e egoísmo é tão explosiva quanto límpida. A outra avalia sua atitude como uma forma de Herzog (e o roteirista William F. Finkelstein) mostrar como esse heroísmo não passa de um desvio momentâneo de alguém com uma personalidade tão desequilibrada como afetada pelas drogas. Esse mostrar, todavia, não é explícito nem imediato. Somente com o passar do tempo é que percebemos como a aparente redundância do roteiro – com droga a toda cena – é, na verdade, uma ferramenta que demonstra toda a complexidade daquele mundo (e especialmente daquele personagem) corrompido de e por pessoas corrompidas.

O abordar esse mundo nos remete ao desfecho da versão original (spoiler), com o assassinato de Harvey Keitel. Pela pessoa, pelo tema e pela conterraneidade do diretor, era inevitável a lembrança de Martin Scorsese e o começo de seu Caminhos Perigosos (1973): “Você não paga seus pecados na Igreja, você os paga nas ruas”. No Vício Frenético de Ferrara, o tenente era punido pelo. No Vício Frenético de Herzog, vemos basicamente a mesma cena do fim, na rua, praticamente o mesmo plano, mas a morte não vem. O que vem é, além de (mais) um diálogo carregado de um nonsense de aparência calculada, outra promoção e homenagem que (como a do começo, embora não com a mesma intensidade), traz uma boa dose de ironia.

Nesse final, como especialmente nas cenas alucinógenas, Herzog bate o seu pé – (guardadas as devidas propoções) as maluquices de Klaus Kinski transpostas para Nicolas Cage, as alucinações são do jeito dele, e ele não tem que (ou não quer) punir ninguém pelo comportamento nada ortodoxo. Do que ele sempre soube tratar. Com o adendo de que, travestido de diretor de aluguel (o que de fato não deixa de ser aqui), tem seu feito ainda mais potencializado.

Visto no Multiplex Iguatemi – Salvador, janeiro de 2010.

Vício Frenético (Bad Lieutenant: Port of Call – New Orleans – EUA, 2009)
Direção: Werner Herzog
Elenco: Nicolas Cage, Eva Mendes, Val Kilmer.
Duração: 122 min
Projeção: 1.85:1

8mm
Acabou
Assim como as sessões à tarde durante a semana, acabaram-se as cabines de imprensa pra mim – ainda que seja por uma boa causa. Ou seja, no more textos escritos antes das estreias nacionais.

Mendes
Depois de Os Donos da Noite (2007) e Vício Frenético (2009), Eva Mendes foi perdoada por todas as besteiras que fez antes deles.

Filmes da semana:
1. Um Convidado Bem Trapalhão (1968), de Blake Edwards (Telecine Cult) (**1/2)
2. O Sabor da Melancia (2005), de Tsai Ming-Liang (DVDRip) (***1/2)
3. Todas as Mulheres Fazem (1992), de Tinto Brass (DVDRip) (**1/2)
4. Procurando Elly (2009), de Asghar Farhadi (Cinema da Ufba) (***)
Curtas
1. Thriller (1983), de John Landis (DVD) (****)

Melhores filmes de janeiro (não incluem os dessa semana):
10. Caminhos Perigosos (1973), de Martin Scorsese (***)
9. Rosetta (1999), de Jean-Pierre e Luc Dardenne (***1/2)
8. O Pecado Mora ao Lado (1955), de Billy Wilder (***1/2)
7. Manhattan (1979), de Woody Allen (***1/2)
6. Amor à Queima-Roupa (1993), de Tony Scott (****)
5. A Aventura (1960), de Michelangelo Antonioni (****)
4. Casablanca (1942), de Michael Curtiz (****)
3. Uma Garota Dividida em Dois (2007), de Claude Chabrol (****)
2. Vício Frenético (2009), de Werner Herzog (****)
1. Lola (1981), de Rainer Werner Fassbinder (****1/2)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.